Rus / Eng

“Записки о художниках” – виртуальная рубрика Дальневосточного художественного музея, рассказывающая о жизни и творчестве художников, чьи работы находятся в коллекции, об истории создания их произведений.
Каждую среду мы публикуем новый рассказ!

Великая Отечественная война оставила свой страшный след в сердцах людей. Это особая тема в искусстве русских художников. В коллекции музея хранятся произведения, созданные в годы войны художниками-очевидцами событий.

В первый же день, как только объявили о начале войны, художник Ираклий Моисеевич Тоидзе создал пронзительный образ Родины-матери, на защиту которой поднялся весь многомиллионный народ.  Лето 1941-го прошло под знаком этого плаката. Он и сегодня воспринимается как один из главных символов той войны.

Живописец Ираклий Тоидзе в июне 1941-го еще не был признанным мэтром, хотя иллюстрации к поэме Шота Руставели «Витязь в тигровой шкуре» успели принести ему первую известность. Тоидзе – грузин, тбилисец, потомственный художник. Его отец славился на всю Грузию как блистательный рисовальщик. Именно он и стал первым учителем Ираклия Тоидзе. С 1922 года молодой художник трудился в «Окнах ГрузКавРОСТА», то есть осваивал жанр плаката. Он окончил Тифлисскую академию художеств, а в 1931-м переехал в Москву.

Над новыми рисунками к «Витязю» художник работал и тем ранним утром 22 июня 1941 года. Семья Тоидзе занимала тогда две комнаты в большой коммунальной квартире на Гоголевском бульваре: одна комната жилая, а в другой была оборудована мастерская. Ираклий Моисеевич размышлял над любимыми героями Руставели – и тут к нему в мастерскую вбежала жена Тамара с криком: “Война!”  Рукой она указывала на распахнутую дверь, из-за которой доносились сообщения о начале войны, переданные по уличному репродуктору.  Видимо, выражение лица у нее было такое, что художник воскликнул: “Стой так и не двигайся!” и тут же принялся делать наброски. Жена несколько часов позировала, а он рисовал – один вариант за другим. На следующий день плакат был готов.

Уже к концу месяца плакат был  размножен миллионными тиражами. Его расклеивали повсюду – на вокзалах и сборных пунктах, на фабриках и заводах, на стенах и заборах… Идея была настолько близка и понятна каждому, что солдаты носили репродукции в нагрудных карманах гимнастерок. А если приходилось сдавать населенный пункт фашистам, бойцы, отступая, срывали плакаты «с мамой» и уносили с собой…

Валерий Александрович Смирнов родился в г. Свободный Амурской области в 1940 году. С 1962 по 1967 г учился на художественно- графическом факультете Хабаровского педагогического института, до 1971 г. преподавал на кафедре рисунка и живописи. Заслуженный художник РФ.

Детские и юношеские годы Валерия Смирнова прошли на необъятных просторах бывшего Советского Союза. Глава семьи Александр Алексеевич Смирнов был инженером правительственной связи, и его чрезвычайно ответственная работа была сопряжена с постоянной сменой места жительства. Детство Валерия — постоянно менявшийся калейдоскоп впечатлений. Была экзотика солнечных республик бывшего СССР, потом Москва, Алтай, Сибирь, Дальний Восток — и всегда окружение новых друзей.

 

Путь к будущей профессии наметился не сразу, хотя Валерию нравилось рисовать. Вероятно, это передалось ему от отца, умевшего хорошо чертить, искусно владевшего шрифтами и любившего искусство. Сначала он профессионально занимался спортом — хоккеем с шайбой. Потом был горнорабочим поисково-разведочной партии, рабочим связи и слесарем на железной дороге. Непростым испытанием стала в 1959–1962 годах служба в армии в топогеодезическом отряде. Однажды во время разведывательных топографических работ он потерялся в таежной глуши. На всю жизнь запомнились Смирнову двое тревожных суток в лесу, когда с наступлением ночи приходилось забираться на сосну и привязывать себя ремнем к стволу, чтобы не сорваться.

На дневное отделение ХГФ Смирнов пришел в 22 года с жизненным багажом самостоятельного, поработавшего и повидавшего мир человека. Возраст факультета был совсем детским — ему исполнилось всего три года. Но счастливое совпадение — в его мастерских преподавали выпускники ведущих художественных вузов Москвы, Ленинграда, Харькова и других. Можно сказать, что факультет стал той точкой отсчета, с которой действительно началась творческая работа будущего художника. Кроме учебы на дневном отделении Смирнову приходилось постоянно подрабатывать. Коренные хабаровчане, конечно, не догадывались, что некоторые красочные афиши на фасаде кинотеатра «Гигант» несколько лет рисовал гуашью Валерий Смирнов со своим однокурсником и другом Виктором Артеменко.

 

Как любому выпускнику худграфа, ему запомнились пленэры, и не только студенческие, но и те, когда Валерий Александрович уже работал преподавателем на факультете. Они проходили в отдаленных местах: низовья Амура, Приморье, Зейская ГЭС, Охотское побережье, Камчатка… Постепенно география творческих поездок будет расширяться по всей стране, Европе, а затем и по зарубежному Дальнему Востоку.

 

Тема космоса — одна из триумфальных страниц в истории Советского Союза и истории мировой науки. Освоение космического пространства, первые спутники, выход советских космонавтов в неведомое — это грандиозно не только с позиций развития мира науки и техники, но даже на абсолютно житейском, профанном уровне вызывало тогда ощущение чего-то восторженного и совершенно несопоставимого с реальной жизнью. Внезапное вторжение в художественную культуру новой темы, конечно, обуславливает поиски художника в выражении новых пространственных границ, фиксации меняющихся временных рамок и передачи абсолютно нового культурного опыта людей. Изменились представления о классической картине мира, изменилось сознание и восприятие мира людьми. Художники начали творческий поиск в изображении не вечной пустоты космоса, а уже наполненного глубоким смыслом культурного пространства, обогащенного мощными прорывами научных экспериментов.

 

В создании серии «Космос» художник, используя возможности монтажного метода, структурирует в одном листе одновременно несколько композиций. Сделано это так органично, что не нарушается целостность общего замысла. Рассматривая листы, можно заметить, что центральный мотив — человек в космическом пространстве, по сути, представлен в обрамлении истории его освоения. Смирновым сюда включены узнаваемые научные артефакты: древние армиллярные сферы и телескопы, чертежи и фрагменты формул, ракеты и корабли. Усиливает зрелищность богатство фактурных и цветовых эффектов автолитографий («Космос. Укрощение огня», «Космос. Продолжение мечты», 1976).

Серия «Космос» экспонировалась в Москве и на многих зарубежных выставках. Одна из них в 1976 году по договоренности с НАСА и советского космического агентства была организована к 15-летнему юбилею полета Ю. А. Гагарина. Совместная художественная выставка советских и американских художников проходила в Хьюстоне. Именно тогда автолитографии из серии «Космос» Валерия Смирнова вошли в экспозицию Музея космоса НАСА в Хьюстоне (США).

Нелли Евгеньевна Баранчук родилась 18 февраля 1930 года в Астрахани. В 1947 году поступила в Казахское республиканское театрально-художественное училище им. Н.В. Гоголя, в класс живописи. Окончив его в 1953 году, вышла замуж. Ее супругом стал Г.Е. Усанов, специалист по геологоразведке, впоследствии заслуженный геолог России. С ним она уехала на Дальний Восток, с ним ходила и в экспедиции, неся наравне с мужчинами рюкзак, да еще тяжелый этюдник с красками.

Творческую жизнь молодая художница начала в Хабаровске. Первый успех пришел в 1965 году, он был связан с участием в Республиканской художественной выставке «Советская Россия».

Дальний Восток стал значимой вехой в судьбе живописца, он испытал ее на выносливость, закалил характер, стал творческой лабораторией художника. Жизнь на Дальнем Востоке – это время поисков и находок, время утверждения индивидуальной живописной стилистики, обретения собственной темы в искусстве. Именно в дальневосточных работах проявилось ее желание найти «главную идею» природы, постигнуть ее красоту в случайном и малом.

Картины Нелли Евгеньевны исполнены в замечательных традициях русской пленэрной живописи. Благодаря многочисленным поездкам ей было чем наполнить свои произведения.

«Ее искусство многогранно, оно впитало в себя токи изысканного модерна, французского импрессионизма, символизма. Энергичная, сильная и мыслящая личность, преломив цвет через свое личное мироощущение, она создала узнаваемый, свойственный только ей художественный мир…», – написала искусствовед Надежда Севастьянова.

В 1991 году Нелли Евгеньевна переехала в город Ковров Владимирской области. Сейчас живет и работает во Владимире. Она быстро снискала здесь уважение своим творчеством, преданным отношением к искусству и стала неотъемлемой частью владимирской художественной жизни.

Произведения Н.Е. Баранчук находятся в собраниях: Дальневосточный художественный музей (г. Хабаровск), Музей изобразительных искусств (г. Комсомольск-на-Амуре), Музейно-выставочный центр Забайкальского края (г. Чита), Картинная галерея им. А. М. Федотова (г. Хабаровск), Сахалинский областной государственный художественный музей (г. Южно-Сахалинск).

 

Роза Бонёр (1822-1899) – известная французская художница, одна из крупнейших анималистов XIX века.

Ее любовь к рисованию началась с уроков чтения, когда мать просила ее выбирать и рисовать различных животных для каждой буквы алфавита. Её отец Раймон Бонёр, художник-пейзажист и мастер рисунка, охотно помогал дочери во всех её начинаниях, поощрял интерес к рисованию животных, принося их живыми в студию семьи для изучения. Отец не только давал Розе уроки рисования, но и водил в Лувр, где она делала копии с полотен известных художников.

Определившись с темой в творчестве, Роза изучала анатомию и остеологию животных на скотобойне в Париже и в Национальном ветеринарном институте, сама проводя там вскрытия. Там она подготовила подробные этюды, которые позже использовала для своих картин и скульптур.

В 19 лет Роза Бонёр впервые выставила картины на парижском Салоне 1841 года. С тех пор ежегодно её работы удостаиваются медалями разного достоинства, их  приобретают Люксембургский музей, Лувр, Лондонская национальная галерея. Изображения животных, созданные кистью Розы Бонёр, практически безупречны.

В 30-летнем возрасте она создает самую известную свою работу «Ярмарка лошадей», после чего к ней приходит международный успех. Королева Виктория, известная своей любовью к лошадям, организовала приватный показ этой картины в Букингемском дворце. В Англии и Америке произведения  Бонёр пользовались особой любовью и спросом.

Она была очень популярна при жизни, её портреты регулярно появлялись в журналах. Художницу приглашали читать лекции по всей Европе. В XIX веке такое в жизни художницы кажется почти нереальным.

Работу Розы Бонёр «Корова» можно увидеть в ДВХМ в постоянной экспозиции западноевропейского искусства.

Картина очень реалистична. Четко и детально проработанные линии силуэта, крупных мышц подтверждают глубокие познания в анатомии. Современники приписывали работам Бонёр фотографическую точность.

Обладая сильным характером, творческой отвагой и редкой настойчивостью Бонёр внесла большой вклад в развитие анималистического жанра и получила признание своего таланта. Она была награждена Орденом Почетного Легиона Франции, испанским орденом Изабеллы Католической и орденом Леопольда Бельгийского. В её честь назван кратер Роза Бонёр на Венере.

 

В постоянной экспозиции у нас находится исторический портрет Суворова А. В. в Преображенском мундире. 1799. Работа написана неизвестным русским художником с работы придворного австрийского живописца Иосифа Крейцингера.

Трудно назвать жанр, в котором бы Суворов – полководец и человек – не нашли своего художественного отражения. Здесь живописные и мозаичные портреты, произведения пластики, бесчисленные рисунки, гравюры, литографии, лубочные картинки, политические плакаты, миниатюры, произведения прикладного искусства.

Современников и потомков всегда поражало то, что многочисленные изображения полководца часто отличались друг от друга не только манерой исполнения и художественной трактовкой образа, но и разнообразием его типажей.

Это можно объяснить, с одной стороны, тем, что лицо Суворова, как вспоминают люди, его знавшие, было чрезвычайно подвижно и переменчиво, и на нем, как в зеркале, отражались мгновенные изменения настроения; с другой стороны – тем, что, считая себя некрасивым, терпеть не мог зеркал и не любил позировать художникам. Почти все его портреты, за редким исключением, были сделаны по памяти.

Если всмотреться внимательно, мы увидим знакомые морщины, избороздившие лоб, глубокую складку на переносице, характерную для всех его образов, острый кончик носа и складки у рта, несколько выступающую нижнюю губу.

Немного информации о самом Суворове А.В.

Генералиссимус Российских войск, князь Италийский, граф Суворов Рымникский. Он был один из самых образованных военных людей 18в.; знал философию, математику, писал стихи, владел немецким, французским, итальянским, польским, турецким языками, немного-арабским, персидским и финским, в совершенстве знал фортификацию, внимательно следил за ходом политических и военных событий в Западной Европе. Семьдесят лет прожил Суворов. Пятьдесят из них провел в армии. Победил в 60-ти сражениях и ни одного поражения – таков итог его полководческой деятельности.

Живописец изобразил Суворова незадолго до его смерти (1800 г.)

Откровенный противник «реформ» Павла I, переделавшего русскую армию на прусский манер, Суворов был очень серьезным противником «преобразовательным» идеям Павла. Убедившись, что Суворова нельзя заставить отступить от своих принципов и взглядов, император, придравшись к незначительному поводу, 6 февраля 1797 г. объявил об его отставке и отправил его из своего имения Кобрин в Белоруссии в Кончанское – маленькую деревушку в глуши новгородских лесов.

Однако через 2 года он вновь понадобился для ведения войны против Франции, которая владела новыми способами ведения войны.

В 1799 г. был назначен главнокомандующим русской армии для действий в Италии, и в этом же году был произведен в чин генералиссимуса российских войск.

Одной из блестящих операций, проведенных Суворовым, был Швейцарский поход через Альпы. Растущая популярность полководца опять пришлась не по душе Павлу I, и обвинив его в неисполнении царского указа, его вновь подвергают опале. Торжественная встреча Суворова в Петербурге по поводу его блистательных побед была отменена.

В апреле 1800 г. больного и изнуренного полководца ночью тайком привезли в дом родственника в Петербург, где он скончался 6 мая.

Используя работу Крейцингера, неизвестный русский художник изобразил погрудный портрет полководца в фельдмаршальском мундире с орденами на груди. С холста на зрителя смотрит сосредоточенное лицо с ясным, несколько задумчивым взглядом, за которым скрывается проницательный ум и воля. Чувствуется некоторая усталость, ведь позади и царская опала и груз paтных дел.

 

В собрании ДВХМ находится 11 работ известного русского и советского художника Ростислава Николаевича Барто, которые были переданы музею автором.

Родился он в 1902 году в семье инженера Николая Ричардовича Барто. С детства увлекался искусством и музыкой, в 1920 году окончил Советскую трудовую школу 2-й ступени Городского района. В 1922 году Барто поступил на графическое отделение Вхутемаса и стал студентом В.А. Фаворского, но после второго курса перевёлся на живописное отделение. Здесь он оказался одним из первых учеников в классе А.В. Шевченко. Несколько лет ученичества и близкой дружбы с этим замечательным художником и педагогом на долгие годы определили творческий почерк Ростислава Барто.

Уже на факультете молодой художник заметно отличался от большинства студентов. Он был значительно лучше подготовлен и просто более образован. К нему тянулись соученики, у него было много товарищей. Один из них, Р.А. Акбальян, вспоминал о нём: «Он был мастер рассказывать весёлые истории и вокруг него толпились студенты всех трёх курсов. Чувствовалось, что задолго до того, как он пришёл во Вхутеин, он был уже художником. И в области изобразительного искусства его познания были гораздо шире и глубже, чем у многих его сверстников».

Постепенно Барто уходит от живописи маслом и темперой и сосредотачивается на станковой графике, прежде всего – на монотипии. Его работы, начиная уже с предвоенных лет, совершенно свободны от подражания Шевченко. В каждой вещи теперь чувствуется индивидуальная творческая система художника.

Работал Ростислав Николаевич очень быстро, с уверенностью, которая давалась многолетним опытом. Если он бывал в форме, то за день делал иногда до трёх монотипий. Тут важно было не только блестящее знание техники, но, главное, наличие богатейшей фантазии. Никаких подготовительных набросков он никогда не делал. Всегда это была блестящая, свободная импровизация. В его голове образы так и роились. Это были впечатления от природы, портреты по воспоминаниям и, если так можно выразиться, воспоминания о культурах прошлого.

Технику монотипий Барто довел до такого изумительного совершенства, которого мы вряд ли найдем у других художников. Он любил, знал и чувствовал возможности своих материалов и инструментов как симфонист знает все “голоса” большого оркестра.

Умер Ростислав Барто 1 июля 1974 года.

Сегодня его произведения входят в собрание крупнейших музеев, в том числе Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Дрезденского кабинета гравюры.

Белла Ниссоновна Сегаль родилась в 1937 г. в России. Училась во Всероссийской Академии Художеств в 1958-1964 г.г. Её учителем был Алексей Федорович Пахомов. Училась Белла Ниссоновна на графическом факультете, по окончании учебы ей была присвоена квалификация художника-графика. Дипломная работа Сегаль «Спорт» была удостоена оценки – хорошо.

  Из воспоминаний художника Тетерина А.А.: «Однажды я побывал в гостях у Беллы Ниссоновны Сегаль – вдовы ленинградского иллюстратора детских и юношеских книг Александра Сергеевича Сколозубова… В то время не было компьютеров, все детали книги выполняли вручную. На титуле, к примеру, расположение строчек, написание шрифта делалось на таком высоком уровне, что ныне подобного исполнения не встретишь. В подарок от Беллы Ниссоновны я получил оригинал обложки книги Веры Инбер «О Ленинграде». Здесь же ниже Белла Ниссоновна сделала передаточную надпись, адресованную мне».        

  Белла, выйдя замуж за Александра Сколозубова, познакомилась с его друзьями. Ей нравится художник Сколозубов, она принимает его эстетику. Во многих случаях, особенно в работе на заказ, они становятся тандемом. С годами Белла снимает с себя знак равенства, вырабатывает лицо. Почерковое сходство с работами супруга некоторое время сохраняется и преодолевается постепенно. Скромная и требовательная к себе, она мало показывает себя. Белла много занимается портретом. Заботы о пластике, о композиционной выразительности листа не мешают ей думать о характере, о человеческой неповторимости образа. Она любит театр. С годами появляется желание видеть и рисовать жизнь его работников за чертою кулис. Врожденная ее эмоциональность вооружена расчетом и строгой взвешенностью. Элемент выучки у кого-то, избрания образца, неизбежен в судьбе каждого художника.

Белла Сегаль создала целую серию работ, посвящённую подготовке к Новому Году и назвала её «Детский праздник». Эта серия была приобретена лично у художницы сотрудником ДВХМ Лементович Т.В. в 1988 г.

  На цветной литографии «Маска кота» мы видим мальчика с самодельной, склеенной из жёлтой бумаги, маской. Мордочка кота нарисована чёрным цветом, вместо усов вставлены тонкие деревянные прутики. Бумажной изогнутой дугой полосатый хвост спускается на плечо мальчика. Лицо юного художника, которое мы видим в круглой прорези маски, схоже с чертами его персонажа.

  На литографии” Золушка и принц» мы видим двух девочек, занятых репетицией перед новогодним спектаклем. Костюм Золушки украшен пышным воротником. Принц одет в нарядный камзол, голову украшает корона. Лица юных артистов серьёзны и сосредоточены, ведь им предстоит выступление перед зрителями.

Художник, иллюстратор и мультипликатор Лариса Ивановна Зеневич родилась в Минске, в семье филологов. В 1966 году поступила на художественный факультет ВГИКа, в мастерскую И. Иванова-Вано. Еще студенткой начала работать в области книжной графики, проиллюстрировала более двух десятков книг, среди которых произведения Чехова, Каверина и других. С большой любовью занималась иллюстрированием сказок братьев Гримм, Гофмана, Андерсена. Может именно поэтому многие картины Зеневич наполнены атмосферой произведений известных сказочников.

Свое творчество Лариса Ивановна характеризует как «интимный романтизм», а один из ее коллег-художников отметил, что в ее картинах присутствует «тайна, гротеск и готическая прелесть».

Помимо живописи и книжной графики Лариса Зеневич активно занималась мультипликацией. В 1972 году, после окончания ВГИКа, попала по распределению в Минск, в отдел мультипликации киностудии «Беларусьфильм». Ее мультфильм под названием «Мальчик и птица», который она создала совместно с мужем Владимиром Пименовым, к сожалению, «положили на полку», мотивировав такое решение тем, что «народ не поймет эту картину».

В 1979 году  Зеневич переехала в Москву и начала работать на киностудии «Союзмультфильм», в кукольном отделении. Здесь в качестве художника-постановщика создала около десятка фильмов.

Судьба подарила Ларисе Ивановне встречу с художником и искусствоведом Львом Кропивницким, которого она считала своим учителем. Память об этой встрече она пронесет через всю жизнь.

Картина «Вступление», хранящаяся в фондах ДВХМ, это своеобразный автопортрет, где художник предстает перед зрителем в виде трогательного маленького ребенка – ангела, качающегося на качелях. «Вступление» – это светлые воспоминания о том времени, когда благодаря своему учителю Лариса Ивановна увидела жизнь в другом свете.

Биография Виктора Ивановича Смирнова необычна для художника. Воспитывался будущий график в детском доме Хабаровска, где и определили его год рождения приблизительно – 1932. Родители художника неизвестны. Неизвестно и место рождения. Имел официальное образование всего 3 класса.

Работать начал в 13 лет, беспризорничал, дважды попадал в тюрьму, совершал побеги, скитался по Колыме, Чукотке, подрабатывая в геологоразведочных партиях. Много лет прожил в Хабаровском крае, в 1980-х переехал на Алтай.

С раннего детства Виктор Иванович испытывал страсть к рисованию, особенно увлекала графика. По своим чертежам Смирнов изготовил печатный станок для графики, изобрел рецепт тонина. Для своих работ сам изготавливал бумагу.

Первая самостоятельная работа Виктора Ивановича датирована 1970 годом. Замысел серии гравюр о геологах Севера – «Золото Севера» возник в 1960, а композиции листов в рисунках были готовы в 1964. Полностью весь альбом был создан и оформлен в 1990 году. 

Виктор Иванович Смирнов – народный художник. Профессионального художественного образования не имеет. Любимая техника – офорт (разновидность гравюры, выполняемая на металле путем травления кислотой). Любимый жанр пейзаж, это самостоятельная большая область творчества мастера.

Работы художника находятся в фондах ДВХМ, принимают участие в выставочных проектах.

Эллей Семенович Сивцев – художник, значительно повлиявший на формирование традиций графического искусства Якутии, с его именем связан общий расцвет якутской графики в 1960-х годах.

Э.С. Сивцев родился 31 декабря 1928 года в Хатын-Арынском наслеге Намского улуса. Отец, Семен Тимофеевич, был участником гражданской войны, комсомольским активистом, учителем. Погиб в Великую Отечественную войну. Мать, Анастасия Егоровна Сивцева, впоследствии стала народной мастерицей. Уже в зрелом возрасте реализовала свой творческий дар, создавая замечательные образцы якутского народного шитья и вышивки.

В 1945 году Эллей Сивцев поступил в Якутское художественное училище и стал одним из его первых выпускников. В 1950 году продолжил учебу в Московском государственном художественном институте им.В.И. Сурикова на факультете графики. Учился в мастерской профессора Е.А. Кибрика, у видных мастеров советской графики Д.С. Моора, М.Е. Черемных. Дипломная работа молодого художника “Моя Родина – Советская Якутия” явилась своеобразной точкой отсчета истории современной якутской графики. Серия посвящена гражданской войне и коллективизации, мирному труду колхозников и торжеству праздника. Отдельные листы серии экспонировались на Всесоюзных выставках и за рубежом. Это был несомненный успех молодого художника. Известный искусствовед И.А.Потапов впоследствии неоднократно отмечал, что в названной серии “как в зародыше, наметились разработки художником его последующих графических циклов” и более того, она “в известной мере предвосхитила главнейшие тематические линии якутского эстампа в целом”.

 После окончания института в 1956 году Эллей Семенович стал членом Союза художников СССР.

Вернувшись на родину, работал в Якутском книжном издательстве художественным редактором, затем – в системе Якутских художественно-производственных мастерских Худфонда РСФСР, преподавал в художественном училище.

С именем Э. Сивцева связано зарождение якутской станковой графики как самостоятельного жанра искусства, развитие якутского эстампа.

Его произведения отличаются глубиной раскрытия тем и идей, передачей национального своеобразия характеров и образов, красоты древних народных традиций, укрепившихся в современном быту. К таким работам относится графический лист  «Гол!» из серии «Зима». Тут художник выступает как обстоятельный рассказчик, описывающий характерные подробности, внешность героев игры, динамику фигур. В то же время его станковая графика сродни эпическим произведениям по силе и выразительности образов.

Творчество Эллея Семеновича Сивцева отличают простота и ясность образов, искреннее и непредвзятое восприятие народной жизни. Его по праву считают художником, значительно повлиявшим на формирование традиций графического искусства Якутии. Творческое наследие Эллея Сивцева – это объемная, содержательная, цельная повесть-эпопея с одним главным героем -народом саха, жизнь которого внимательно прослежена и отображена мастером в социально-историческом контексте.

Василий Григорьевич Шешунов (1866–1922) родился в Иркутске. Отец его служил в Главном управлении Восточной Сибири. Рано потеряв мать, мальчик очень привязался к старшему брату – священнослужителю. Призвание к рисованию у Василия проявилось в детстве, и брат привел его в иконописную мастерскую местного Иннокентьевского монастыря, а затем подросток стал расписывать декорации для городского театра. Иркутские художники посоветовали способному юноше учиться, и в 16 лет он едет в Санкт-Петербург, поступает вольным слушателем в Академию художеств в мастерскую Ивана Шишкина. Василий Шешунов сразу выбрал для себя пейзаж – жанр живописи, которому оставался верен всю жизнь. Природа всегда привлекала художника. Еще в юности он вместе с братом Константином исходил всю Иркутскую губернию, любуясь красотами сибирских пейзажей. На Дальний Восток Шешунов попал неслучайно. Он много читал и, узнав о необыкновенно богатой природе Дальневосточного края, решил ехать в Приморье.

Закончив учебу, художник вернулся домой, а затем вместе с братом уехал в Благовещенск. До 1906 года он работал в городском шестиклассном и ремесленном училищах, а затем переехал в г. Никольск-Уссурийск. В те далекие годы Шешунов был там первым дипломированным живописцем. Начиная с 1912 года и до самой своей кончины он преподавал в женской учительской семинарии, вел уроки рисования в Корейской учительской семинарии и местном художественном училище.

Всё свое свободное время Шешунов посвящал искусству. С наступлением каникул в учебных заведениях он отправлялся на этюды в уссурийскую тайгу и за 15 лет очень хорошо её изучил. Там, среди нетронутой, первобытной природы, он чувствовал себя в своей стихии. Именно в этюдных зарисовках восприятие природы передаётся во всей её непосредственности.

Работы художника раскрывают его искреннюю любовь к природе. Они помимо художественной ценности имеют и познавательное значение: запечатленные им места настолько узнаваемы, что его работы можно систематизировать по географическому принципу. Недаром за художником закрепилось определение – «певец уссурийской природы в красках». Живописные этюды художника, передающие красоту тайги, занимают значительное место в коллекции ДВХМ.

Алексей Матвеевич Федотов родился 13 марта 1919 года в селе Катарбей Нижеудинского района Иркутской области. В 1930 году семья переехала в г. Читу. Посещал детскую художественную изостудию при Доме пионеров, которой руководил И.П. Сверкунов. Из автобиографии: «В 1935 году окончил школу и поступил в ФЗУ, но ушёл из училища. За период с 1935 по 1937 год работал продавцом, кролиководом, лесосплавщиком.  В 1937 году, после репрессирования отца, ушёл из дома. В Иркутске решил попытаться сдать экзамены в художественное училище. Поступил в училище, одновременно работал в Иркутском драматическом театре художником- исполнителем». В 1941 году с 3-го курса училища был призван в армию. В 1946 году, демобилизовавшись из армии, поступил работать в Читинские художественные мастерские.

А. М. Федотов – живописец- пейзажист. Понятие «Федотовский пейзаж» сформировалось в сознании дальневосточников, это пейзажи Сибири и Дальнего Востока.

В г. Хабаровск Федотов приехал в 1958 году. Природа Сибири и Забайкалья, откуда приехал мастер, не была в противоречии с природой Дальнего Востока. Она так же конструктивна, как и природа Сибири. Здесь нет бесконечно удаляющегося пространства, но есть горы, скалы, ущелья, отроги. От Байкала до Амура, Приморье, далее Сахалин, Камчатка, Колыма – маршруты Федотова. Дальний Восток – огромная часть света, в которую вмещаются фантастически разные территории. И Федотов подарил людям, точнее, открыл заново Камчатку и Сахалин, Приморье и Курилы, Приамурье и Забайкалье. В одном сантиметре – десятки красочных соединений, и каждый сантиметр – живопись, которая составляет тембр пейзажа. И никак нельзя спутать Камчатку с Сахалином, пейзажи Сахалина с Приморьем. Пейзажи Федотова трудно определить – лирические, поэтические? В них присутствует монументальность, которая как нельзя лучше подходит к определению пейзажей Дальнего Востока и Сибири.

Помимо монументальных полотен в коллекции музея находится одна небольшая работа «Зима. Хехцир.». Этюды- это всегда живая кисть и свежее чувство, поэтому они так впечатляют зрителя. Хехцир – не только место отдыха хабаровчан, но и место работы художников. Этюды Хехцира Федотова великолепны!  Лежит снег, небо холодное. На картине …в лёгкой, розоватой дымке неба, в немного сиреневых далях чувствуется влажность воздуха.  Искусство Федотова Алексея Матвеевича – искусство большого человеческого созидателя. В его картины уходишь как в заповедный, чистый мир, которому нет начала и нет конца.

Василий Григорьевич Зуенко родился 20 декабря 1919 года в селе Ковалевка под Киевом. Все его предки были многодетными крестьянами, а он был единственным в семье. Его очень берегли, никуда не пускали, т.к. дети тогда болели разными инфекциями, и детская смертность была обычным делом. У маленького Васи было много увлечений, он любил книги, проявлял творческий подход в технической области. Когда в их деревню приехали на картошку студенты из художественного вуза, мальчик с замиранием сердца наблюдал, как из-под карандаша на листе бумаги возникает целый мир.

— Как это сделать, чтобы было так красиво? — спросил он студента.

— Там, где темнее, сильнее дави на карандаш, и всё.

Этот нехитрый профессиональный совет упал на благодатную почву.

Судьба Василия была предрешена. Он срисовывал с фотографий портреты, рисовал маслом цветы на стекле, расписал акварельными красками сельский клуб. Его стали приглашать в другие села, слава о нем разлетелась по всему району.

Когда отца арестовали, наступила очень тяжелая пора – голод, изгнание из дома как врагов народа. Василий выжил и спас мать благодаря своему рыбацкому умению – он плёл сети и добывал зимой из-подо льда гольянов.

В сороковом году Василия Григорьевича из Днепропетровского художественного училища призвали в армию, он прошел всю войну, а закончилась его военная кампания на Дальнем Востоке.

В Хабаровске капитану Зуенко было приказано сдать батарею и приступить к художественной работе в редакции газеты «На страже Родины». Потом началась гражданская жизнь. Но с полиграфией художник не расставался. Им было оформлено более семидесяти книг в Хабаровском книжном издательстве. Однако художника тянуло к живописи, к цвету.

Он стал одним из основоположников офорта и монотипии на Дальнем Востоке. Особый талант Василия Зуенко проявился в портрете. Его проницательность, умение почувствовать характер модели помогали избегать поверхностных характеристик. Как и многие дальневосточные художники, он обращался к теме, связанной с жизнью коренных народов Амура.

В жанре пейзажа художник работал немного, однако в коллекции Дальневосточного художественного музея есть несколько его пейзажей. Один из них – «Ранняя зима», написан в 70-ых годах прошлого века.

 

Мы видим момент в природе, когда листва еще не полностью облетела с деревьев, а снег уже выпал. Снег выглядит рыхлым и в цветовом решении лишен морозной свежести. Значительную часть работы занимает небо. Его синие, сиреневые оттенки создают ощущение погожего дня. Благодаря солнечным лучам деревья и ели приобрели яркие краски, и зима не отталкивает зрителя, а наоборот манит к себе.

 

Виктория Васильевна Романова родилась 24 августа 1951 года в хабаровской творческой семье. Её родители — заслуженный художник России Василий Евтропович Романов и известная драматическая актриса Татьяна Артемьевна Пронякова-Романова. В выборе будущей профессии Виктория пошла по стопам отца и стала не только интересным живописцем, но и той ниточкой, которая связала два поколения семьи, продолжив средствами избранного вида искусства земную жизнь ушедших родителей.

Мама художницы – Татьяна Артемьевна, работала во многих театрах страны, последним из них был хабаровский драматический. Рассматривая картину из фондов Дальневосточного художественного музея «Портрет мамы. Актриса Татьяна Пронякова», написанную в 1995 г., мы видим красивую женщину с яркими синими глазами и узлом светлых волос. Трудно поверить, что в её судьбе было немало испытаний: революция, годы сталинских репрессий, война… Пройдя через эти трудности, она была вознаграждена встречей с будущим супругом – Василием Романовым. Молодая семья после войны приехала на Дальний Восток, в Хабаровск, который в те годы был глухой провинцией. Старожилы вспоминали: встречая на улицах города эту красивую семейную пару, прохожие думали: «Если здесь на краю земли живут такие люди, то не все в жизни потеряно». В Хабаровске  у четы Романовых родилась дочь Виктория, дома ее звали Вита (от латинского vita «жизнь»). Детство Вита провела среди кулис и декораций в обществе таких же, как она, детей, чьи родители служили Мельпомене. И многие работы Виктории Васильевны посвящены театру. В них нет конкретных бытовых деталей, скорее душа закулисья, выраженная в грациозных, изысканных образах. Это обращение к детским воспоминаниям, к образу мамы, которая была хранительницей очага, душевным центром этой уникальной талантливой семьи. Теплые воспоминания о детстве помогают Виктории сохранять духовный стержень на протяжении всей жизни.

В.В. Романова  – участник более 60 выставок (краевых, республиканских, зональных, всесоюзных, персональных).

Ее произведения находятся в коллекциях российских и зарубежных музеев, а также в частных коллекциях.

Романюк Дмитрий Андреевич родился 3 апреля 1932 года в селе Буссевка Спасского района Приморского края. В 1949 году поступил во Владивостокское художественное училище. В 1964 году – Харьковский художественный институт, графический факультет.

  В 1966 году приехал в Хабаровск, преподавал в Хабаровском педагогическом институте на художественно-графическом факультете. Ему удалось совместить творчество с преподавательской работой.

Среди разнообразия графических и живописных материалов гуашь и линогравюра – главные привязанности художника. Мир гармонии и понимания царит в его работах.

Художник в своих сюжетах был неистощимо изобретателен. За всеми произведениями стоят фантазии художника, который настойчиво утверждает свое представление о счастье. Это представление пронизано поэзией детства, светлым началом жизни. Его гуаши «Лето», «Приморский поселок» – сплав действительности и лирического мечтания, декоративной живописности и мелодии ритмов.

  Для 60 – 70-х годов был характерен монтажный способ в графике. Художник динамично и разносторонне мог выразить в одном графическом листе несколько разных событий. Романюк отдал дань такому методу: графика, где человек покоряет космос, открывает новые месторождения, где показаны грандиозные стройки века – «Романтики», «Мы строим БАМ». Такая графика создавалась им как требование времени в сериях, состоящих из нескольких листов. Но душа художника отдыхала в рукотворной графике. Уютные уголки детства, дивные просторы родины, музыка леса, образы родных людей – эта сторона жизни больше волновала художника. Дмитрий Романюк привлекает внимание зрителя к малой родине: человеку следует как можно дольше хранить в себе воспоминания детства. К такой графике относится и «Портрет матери». Тихими, серебристыми линиями выделяется лицо женщины средних лет. Платок покрывает волосы. На первый взгляд портрет обычной женщины 70-х годов 20 века, но если продолжать рассматривать, то образ становится родным и близким, сродни иконному лику.

    Произведения художника находятся в собраниях: Дальневосточный художественный музей (г. Хабаровск), Хабаровский краевой музей имени Н.И. Гродекова, Картинная галерея им. А. М. Федотова (г. Хабаровск), Музей изобразительных искусств (г. Комсомольск-на-Амуре), Музейно-выставочный центр Забайкальского края (г. Чита), Сахалинский областной государственный художественный музей (г. Южно-Сахалинск).

Франц Николаевич Рисс родился в Москве в 1804 г. Художественное образование получил в Париже, в мастерской живописца барона Антуана Гро.

Франц Николаевич Рисс был известным в свое время портретистом и мастером бытовых композиций. К тридцати годам он становится модным в Петербурге художником. В начале 1830-х он создает получившие известность “Портрет молодой женщины в розовом платье” (1832), “Портрет князя Григория Петровича Волконского”, “Портрет поэта Василия Андреевича Жуковского” (оба — 1833), “Портрет князя Алексея Алексеевича Голицына с сыном Львом” (1835) и др. За портрет В.А. Жуковского Ф.Н. Рисс был удостоен в 1833 году звания академика портретной живописи. И в последующие годы художник демонстрировал свое высокое мастерство. В Третьяковской галерее находятся его работы “Цыганский табор в лесу” (1842) и “Автопортрет” (1843).

Преданность Франца Николаевича Рисса живописи и его активная деятельность по развитию русского изобразительного искусства привели в 1863 году к избранию художника почетным вольным общником Академии художеств.

Наконец, известно, что Ф.Н. Рисс наряду с известнейшими отечественными живописцами принимал участие в росписях Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге.

Годы жизни 1804 – 1886.

 

В коллекции ДВХМ находится одна картина Франца Николаевича “Портрет матери художника. 1840-е”, она написана в лиричном реалистичном стиле. Пожилая женщина, изображенная на картине, явно позирует. Темные волосы уложены и спрятаны под чепец. Атласная блуза, украшена пышным кружевным воротником, поверх накинута шаль. Лицо её выражает сосредоточенность, смотрит она чуть в сторону, словно немного смущаясь. В том, как она изображена , чувствуется мастерство и одновременно любовь, которая придает картине особое очарование. Портрет чужого человека никогда не будет настолько живым и нежным. Портрет матери” – словно благодарность всем матерям.

Лейтмотивом  насыщенной творческой жизни выдающегося русского художника Ивана Силыча Горюшкина-Сорокопудова неизменно была любовь к Родине, её неповторимому укладу жизни, патриархальности традиций, самобытности и непоколебимости устоев.

Появился на свет Иван Силыч  5 ноября  1973 года по старому стилю в небольшом поселке Тамбовской области. Его семью нельзя назвать зажиточной, глава семейства  был солдатом и бурлаком. После гибели родителей будущий художник познал тяжесть пребывания в сиротском приюте, а после того, как опеку над ним взяли саратовские мещане по фамилии Сорокопудовы, состоящие с ним дальнем родстве, вынужден был работать на пароходах «буфетным мальчиком».

При этом юноша проявлял страстную любовь к рисованию и в свободные минутки неизменно делал зарисовки в блокноте. Как будто компенсируя детскую утрату и лишения, судьба преподнесла ему бесценный дар, знакомство с П. Я. Пясецким, который, увидев очевидно талантливые рисунки юного Горюшкина-Сорокопудова, велел, не откладывая, отправляться в астраханскую школу-студию П.А. Власова. Именно здесь Иван Силыч  начал писать с натуры, подмечая тончайшие детали и штрихи. Большую роль в формировании художника оставило и обучение в Академии Искусств на курсе великого И.Е Репина.

Творчество Горюшкина-Сорокопудова с полным основанием можно рассматривать как некое звено, соединившее «век нынешний и век минувший». Это был художник, через всю свою жизнь пронесший принципы передвижничества. Ни в годы расцвета «Мира искусства», ни в пору «Бубнового валета» или «Голубой розы», ни позднее, во время распространения конструктивизма, его не коснулось ни одно из новых веяний искусства XX столетия.

Неизменной движущей силой творчества Ивана Силыча была любовь к человеку, бережное отношение к личности, которое более всего проявилось в портретах современников, виртуозно написанных. К числу несомненных удач художника относится портрет матери жены. Сам рано лишившийся материнской ласки, он создал образ спокойной, умиротворенной старости. Полотно написано в теплой коричнево-оранжевой гамме, что придает ему особую эмоциональную приподнятость. Образ  пожилой женщины в накинутом на плечи платке полон внутреннего благородства. Полотно находится в постоянной экспозиции залов русского искусства ДВХМ.

 

 

 

 

 

Роберт Алексеевич Юрьянов родился в 1940 году. В 1965 году окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института. Работал преподавателем кафедры рисунка и живописи художественно- графического факультета.

Роберт Юрьянов – график с тонкой и лирической трактовкой образа. Графика конца 80-х – начала 90-х годов – это серия работ, где внутренний авторский мир в изобразительно- поэтической форме вырывается наружу и «предмет» доводится художником до символического звучания.

Основная тема, которая звучит почти во всех поздних работах – «дерево», но это не конкретный пейзаж с деревьями, а художественные произведения, где «судьба» дерева рассматривается в контексте с человеком. Цикл «Дерево» (1997) состоит из пяти листов, выполненных в сложных графических техниках (травление, резерваж, акватинта, сухая игла). Тема имела продолжение в цикле графических работ «Фрагменты из жизни деревьев» (1999). Графические работы Юрьянова обладают индивидуальным стилем: тяготением к широким обобщениям, использующим выразительность силуэта, экспрессию линий, фактур цвета.

Достаточно много можно узнать о художнике из воспоминаний А.П. Лепетухина: «В Роберте, кажется мне, звучала своя негромкая тема, которой, впрочем, он не очень стремился делиться с другими. И только в последние дни, месяцы жизни в нём распахнулась какая-то волшебная дверь. По словам жены Марьяны Татьяниной, он стал мудрым, всё стал понимать и многое чувствовать». В последние годы Роберт Алексеевич и его супруга вели занятия с детьми. Теперь часть этих детей выросла. И все они очевидно помнят, как высокий человек склонялся к их работам, как забавно и серьёзно их приветствовал, пожимая каждому руку и почему-то называя всех «стариками». Даже пятилетних.

Роберт Алексеевич Юрьянов – участник городских, краевых, региональных и республиканских выставок с 1974 года.

Его произведения находятся в собраниях Дальневосточного художественного музея (г. Хабаровск); Приморской государственной картинной галереи (г. Владивосток); Музейно-выставочного центра Забайкальского края (г. Чита); Музея современного искусства ЕАО (г. Биробиджан), Картинной галереи им. А.М. Федотова (г. Хабаровск).

 

Марианна Георгиевна Татьянина родилась 27 ноября 1951 года в Ленинграде. С 1963 по 1970 гг. получала образование в средней художественной школе при институте им. И.Е. Репина.
В 1970 – 1977 гг. училась в институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (Ленинград) на живописном факультете в мастерской народного художника Ю. М. Непринцева, автора знаменитой картины «Отдых после боя». Всю институтскую профессуру составляли бывшие фронтовики. И тема Великой Отечественной красной нитью проходила через обучение студентов.

Над своей большой дипломной картиной «Встреча, год 1942» Татьянина работала много месяцев. Чтобы добиться полной достоверности в написании бытовых деталей и прочувствовать дух того времени, ходила в музей истории Ленинграда, всматривалась в газетные фотографии военных лет.

В 1977 году Марианна Татьянина по распределению приехала на Дальний Восток в Хабаровск.

Почти одновременно с Татьяниной сообщество хабаровских художников пополнили выпускники Московского института им. Сурикова Владимир Уфимцев, Борис Федоровский, Владимир Селиванов, Леонид Шилов, Николай Вдовкин. С первой же коллективной выставки, в которой она приняла участие, Татьянина обратила на себя внимание коллег и ценителей живописи. Пленительно женственная, нежная, с мягким певучим голосом, она словно светилась изнутри. И таким же неуловимо-загадочным светом были пронизаны ее работы.

Уже на третий год после приезда в Хабаровск Марианну Георгиевну принимают в Союз художников. Портреты ее кисти приобретают Дальневосточный художественный музей и музей ДВО, дирекция художественных выставок РФ, Министерство культуры России, различные художественные галереи.

Марианна Татьянина – живописец ярко выраженного лирического темперамента. Ее картины – это поистине зеркало души, чрезвычайно восприимчивой к окружающему миру, к его красоте. Ранние работы проникнуты эмоциональностью, искренней радостью жизни. Мастер любит яркие, сочные, цветные краски, возможно, поэтому в ее произведениях значительное место уделяется цветам. К таким картинам и относится картина «Поздние цветы» («Портрет дочери»), написанная в 1986 году.

В 90-е годы в портретных образах появляется чувство грусти и мимолетности времени, возможно, поэтому была выбрана техника акварели с пастельной проработкой.

М. Татьянина – участник городских, краевых, зональных, республиканских, всесоюзных и международных выставок с 1978 года.

 

  Произведения М. Г. Татьяниной находятся в собраниях: Дальневосточном художественном музее (г. Хабаровск); Музейно-выставочном центре Забайкальского края (г. Чита); Приморской картинной галереи (г. Владивосток); Музее современного искусства ЕАО (г. Биробиджан); Картинной галереи им. А. М. Федотова (г. Хабаровск); Городской картинной галереи г. Находка.



 

Сегодняшний рассказ рубрики «Записки о художниках» посвящен имениннику этого месяца Владимиру Михайловичу Торгашину!

Владимир Михайлович родился 22 октября 1933 года в г. Минусинске Красноярского края. В 1971 году окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института. В 1981 году был принят в члены Союза художников СССР. Заслуженный художник Российской Федерации с 2005 года.

Он лауреат премии администрации Хабаровского края в области изобразительного искусства (1998), лауреат премии администрации города Хабаровска в области изобразительного искусства (2002) в номинации: живопись, награжден грамотой секретариата Союза художников РСФСР и дипломом Союза художников России.

Владимир Михайлович  работает в жанре тематической картины.  Большое место в творчестве уделено и пейзажу, где художнику удается передать многообразие оттенков и игры цвета в отражении меняющегося неба.

Торгашина также  интересуют исторические события, происходившие на российской дальневосточной земле. Историческая тематика требует значительных поисков, подготовительных этюдов, рисунков персонажей.

Картины Владимира Торгашина это, как правило, люди и места, которые коснулись его жизни. Вся биография этого человека состоит из постоянных путешествий в разные уголки страны, чтобы шлифовать свое мастерство как рисовальщика и живописца. На протяжении многих лет художник путешествует по всему Дальнему Востоку, со своим этюдником он исходил сотни амурских дорог. Странник по духу, Владимир Михайлович всю жизнь стремится открывать новые горизонты.  В своих произведениях художник отражает увиденный и прочувствованный многогранный реальный мир природы. Он много работает с натуры, общается с людьми, изучает жизнь, стремится передать ее многогранность в своих произведения. Поездки  по Дальнему Востоку дали возможность познакомиться с бытом и культурой «очень красивого и доброго народа» – именно так художник называет нанайцев. Многие из них стали героями его картин.

Произведения Торгашина находятся в собраниях Дальневосточного художественного музея, Хабаровского краевого музея им. Н. Гродекова, Музейно-выставочного центра Забайкальского края, Музея современного искусства ЕАО, Картинной галереи им. А. Федотова, Государственного музея изобразительных искусств (Харбин).

Тамулевич Бронислав Владиславович родился 8 февраля 1957 года в Хабаровске. Окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института в 1979 году. Учился будущий художник у Дмитрия Андреевича Романюка вместе с Евгением Базилевичем, Валентином Зыковым, ставшим впоследствии мастером по керамике. Бронислав Тамулевич как мастер изобразительного искусства отдаёт предпочтение акварели и рисунку. Он тяготеет к легкости и импровизации в портрете, пейзаже и натюрморте, которые полно представлены в его творчестве.

 На акварельных листах – узнаваемый Хабаровск в разные времена года. Его городские пейзажи камерны и лиричны, это своего рода поэтический дневник.  «Героем» пейзажей может стать не только городская улица, но и стена или угол дома с облупившейся краской. Акварели Бронислава Тамулевича наполнены мягким , чуть светящимся туманом, всё неявно и зыбко. Краски смешаны в сложных сочетаниях, чуть размыты силуэты, в них есть фактурные эффекты, благодаря напылениям и специальной экспериментальной подготовке материала. Портреты своих учеников и вообще современников он выполняет быстро, на одном дыхании. Из воспоминаний художника: «Люблю рисовать детей, когда они заняты своим делом. Пластика у детей удивительная. Вообще, портрет как жанр – нравится. Позабытый, по сути, жанр. Почему нравится? Портрет- это психология. Потом фактура. Каждый портрет требует своей фактуры. Самые доступные натурщики Лёха и Рома – сыновья. Они – к телевизору. Я к ним – с карандашом.»

В фондах музея находится работа «Патиза» 1999 , выполненная в смешанной технике (гуашь, акварель, пастель). Портрет девушки в желтовато- охристой гамме завораживает тонкими цветовыми переходами. В рисунке чувствуется недосказанность, которая разжигает любопытство: а как бы пошла линия дальше, а что художник думал в это время и почему рисовал именно так, а не иначе.  Творческая энергия художника была направлена на поиски новых дизайнерских решений в проектах музейных интерьеров (2004 – оформление экспозиция Музея истории города; 2005- экспозиция в краеведческом музее им. Н.И. Гродекова, посвящённая хабаровчанам в годы ВОВ 1941-1945 гг.)

Тридцать первого июля 2017 перестало биться сердце Бронислава Тамулевича – уникального человека и Человека с большой буквы.

  Сахатов Валерий Таганович родился 1 октября 1947 года в г. Николаевске-на-Амуре. 

  В 1971 году окончил художестввенно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического университета. Учился у Евгения Михайловича Фентисова. Работал на кафедре рисунка и живописи законченного им факультета. В 1982 году переехал в Москву. 

  Творчество Валерия Сахатова условно можно разделить на несколько периодов: Хабаровск, Москва, Гурзуф.

 

Хабаровский период связан с формированием тонкой, чувственной живописи, интуитивными поисками передачи света и цвета, подобно первым впечатлениям, которыми руководствовались импрессионисты. 

В ранних работах важным образом, пропущенным через душу художника, является Амур, амурские пейзажи, амурские жители. Природа для художника становится, прежде всего, объектом собственного художественного мышления. Ощущения света, пространства, воздуха, заложенные с детства и развитые благодаря великолепному художнику и педагогу Евгению Фентисову, перерабатываются и интерпретируются в цветовые пятна и разнообразные фактурные, силуэтные и ритмические формы. Значительная роль цвета подчеркивается названием живописных работ: «Красный вечер» (1980); «Светлый день» (1982); «Голубой день» (1983); «Белый пароход» (80-е годы).  

К концу этого периода относится картина «Дождь в лесу», созданная в 1982 году, перед отъездом в Москву и началом нового, «абстрактного» периода. 

Картина отличается лаконичностью детских образов и сдержанностью цветовой палитры. Фигуративность и сюжет отступают на второй план, Главное – это острое переживание цветовой поверхности как живописного пространства. Изобразительная плоскость обрабатывается новой техникой письма с добавлением воска, кладкой краски мастихином, прикосновением кисти и нанесением фактуры лезвием.  

Валерий Сахатов – один из немногих современных художников абстрактного направления, который, вобрав достижения мирового искусства – французский импрессионизм, фовизм, русский конструктивизм и древнерусскую иконопись, создает индивидуально-авторские «интеллектуальные» произведения. 

  В настоящее время Сахатов В.Т – член Московской организации ВТОО «Союз художников России» (МОСХ), участник международных, всероссийских, республиканских, персональных выставок. 

 Его работы находятся в собраниях: Дальневосточного художественного музея (г. Хабаровск); Приморской государственной картинной галереи (г. Владивосток); Сахалинского государственного областного художественного музея (г. Южно-Сахалинск); Музейно-выставочного центра Забайкальского края (г. Чита); Картинной галереи им. А.М. Федотова (г. Хабаровск); в коллекции Дойче Банк (Германия). 

Карл Николаевич Каль (1873-1938) – художник-импрессионист, ставший в 1930-е годы одним из родоначальников школы пейзажной живописи Дальнего Востока.

Немец по национальности, он родился и вырос в Риге. В 1898-м окончил в Германии Дюссельдорфскую академию искусств. Академическое образование и творческое влияние французских импрессионистов сформировали собственный стиль мастера, который был отмечен на многих выставках, среди них – выставка в залах Императорской академии художеств, Всемирная выставка в Сент-Луисе (США).  Затем художник уехал в Россию, жил в Витебске, а с 1912-го обосновался на постоянное жительство во Владивостоке.

Владивосток тогда был молодым городом, и каждый творческий человек, который приезжал сюда, способствовал формированию культурной среды. Благодаря Карлу Николаевичу приморское искусство открыло для себя передовую для того времени живописную культуру европейского образца.

Каля вдохновляла дальневосточная природа, он изумлялся цветовому контрасту: яркому небу, солнцу, сияющему морю, сочным и в то же время нежным оттенкам травы, цветов, деревьев. Во Владивостоке он создал множество прекрасных пейзажей и натюрмортов, которые сохранились в музеях и немногочисленных частных коллекциях.

В собрании Дальневосточного художественного музея представлены четыре пейзажа Карла Каля, написанные в окрестностях Владивостока. На одном из них, «Осень на Лянчихэ», мастер изображает погожий осенний день на реке Богатой, или как до сих пор ее называют в народе на китайский манер Лянчихэ — самый полноводный из внутренних водоемов Владивостока. Название Лянчихэ переводится как «река двух притоков». О ней было известно практически со времен основания Владивостока. В конце XIX века на ее берегах стали рубить лес и сплавлять по воде во Владивосток для строительства новых зданий. Однако долгое время Лянчихэ была уголком первозданной природы, манящим первых жителей Владивостока на отдых и рыбалку. Река была нерестовой, сюда заходили лососевые, обитало множество речных рыб — форель, гольяны, караси и сомы. Богатыми были и прилегающие к реке дремучие леса. Здесь росли вековые дубы и кедры, обитали медведи, лисы, зайцы, дикие копытные, захаживал сюда и амурский тигр.

Это зрелая импрессионистическая работа. Художник тонко дает возможность зрителям почувствовать прозрачность прохладного воздуха, насыщенность красок осенней природы. Работа пропитана воздухом, солнцем, свежестью, смелые пастозные мазки создают легкую рябь на поверхности воды. Все это создает самое главное для Каля – световоздушную среду одного из мимолетных состояний уникальной природы Приморского края.

Художник не имел прямых учеников, но его произведения стали своеобразным проводником великих открытий, сделанных его предшественниками, и нашли продолжение в многочисленных и разнообразных работах художников Дальнего Востока последующих поколений.

 

Сегодня в нашей постоянной рубрике «Записки о художниках» речь пойдет о многогранном художнике Геннадии Матвеевиче Кутурове.

Геннадий Матвеевич родился 15 июня 1937 года в селе Кошки Куйбышевской области. В 1965 году окончил художественно- графический факультет Хабаровского государственного педагогического института. Учился у Евгения Фентисова.

Каждый год Кутуров уезжал на Сахалин и привозил оттуда целые стопки этюдов. Море, очевидно, было второй его любовью после любимых женщин: жены Жени и дочери Вики. Он ничего не придумывал, а писал природу как бы оставшись наедине с небом, рекой, морем. И поэтому в его этюдах так отчётливо шумит море.

Кроме живописи и графики Геннадий Матвеевич занимался дизайном, его плакаты получали премии на всесоюзных выставках. А ещё он работал в уникальной технике бумажной вырезки. Острым лезвием виртуозно вырезал сложные сюжеты и наклеивал тонкое кружево на плотную бумагу.

Из воспоминаний Александра Лепетухина: « Геннадий Кутуров рисовал только Рай. Во всех его картинах тишина и гармония. Творчество его очень интимно. В нём много печали».

Творческое наследие мастера свидетельствует о художнике, отразившем общечеловеческие ценности, умеющем предчувствовать события, ценить жизнь во всех её проявлениях.

Кутуров – участник городских, краевых, зональных, республиканских и всесоюзных выставок. Его произведения хранятся в Дальневосточном художественном музее (г. Хабаровск); Музейно- выставочном центре Забайкальского края (г. Чита); Картинной галерее им. А.М. Федотова (г. Хабаровск); Музее современного искусства ЕАО (г. Биробиджан).

В коллекции ДВХМ находится картина «Пруды осенью», написанная художником в 1986 году. Как завораживают городские пруды Хабаровска своей красотой и яркими красками осени! Деревья надели золотисто-красные наряды. Несколько мазков и мир становится другим. Молодой вяз в центре композиции и стройные берёзки создают цельность и гармонию картины. Небо серого цвета. Такой цвет создаёт контраст с общей жёлто-зелёной гаммой, что царит вокруг. Облетают листья, создавая на водной глади «зеркальца». Пейзаж немного грустный, почти безлюдный, но безусловно изысканный и прекрасный.

Ушёл из жизни Геннадий Кутуров в 1999 году.

В нашей постоянной рубрике «Записки о художниках» мы уже говорили о талантливом мастере Иване Сергеевиче Петухове, и речь шла о его работе на тему Великой Отечественной войны – «Васильки». Бесконечно лиричная и наполненная надеждой эта работа мастера отлично передаёт атмосферу простой человеческой радости, вопреки даже самым страшным невзгодам. Память о войне художник пронёс через всю жизнь и периодически возвращался к этой теме в своём творчестве. Но не ускользали от него и характеры мирного времени.

В День знаний, когда ученики возвращаются в школы после каникул, а многие и вовсе впервые садятся за школьную парту, работа Ивана Сергеевича «Портрет нанайского мальчика в школьной фуражке» вторит их праздничному, но не по-детски серьёзному настрою брать новые вершины в учёбе.

Ивана Сергеевича называли мастером тематической картины – жанра, который давал право считаться мастером высшей категории. Реализм Ивана Сергеевича – это реализм, совмещающий правдивость визуальных деталей и атмосферу мечты о социалистическом строе. Однако ни отталкивающей лжи, ни уродливого гротеска не найти в работах художника. Так может писать только человек, преданный своей стране и разделяющий её идеалы. Глядя на его работы понимаешь, что именно искренность и душевная теплота автора возвращают нас в прошлое с добрыми ощущениями.

В период с 1963 по 1969 годы художником созданы произведения о севере Хабаровского края. Север – это особое мироощущение, и Сергей Иванович смог передать это в своих произведениях с удивительной проникновенностью. Художник понимал, как тяжело выжить в суровых условиях севера. Он побывал на стойбищах, создал сотни этюдов северной природы, натурные эскизы детей. Ивану Сергеевичу было не сложно найти общий язык с любым жителем Амура, будь то рыбак или охотник. Многочисленные поездки по реке, знакомства с местным населением дали уникальный материал для достоверного воплощения характеров жителей Приамурья.

Иван Сергеевич Петухов – участник всесоюзных, республиканских, зональных, краевых выставок с 1956 года. В 1994 году была организована посмертная выставка художника, на которой были представлены 139 произведений живописи.

 

Род Лансере подарил миру не одного художника, известного зрителю своим мастерством. Говорить о них без путаницы весьма сложно, так как всех старших сыновей в роду с третьего поколения было принято называть Евгениями.

И все они занимались искусством. Поэтому Евгения Александровича Лансере часто называют Лансере I. Его сына – Евгения Евгеньевича – Лансере II. Были так же и Лансере III, и Лансере IV.

 

Евгений Александрович Лансере родился 24 августа 1848 года в Моршанске. Был внуком французского офицера наполеоновской армии Поля Лансере, оставшегося в России после войны с Наполеоном, сначала — раненым пленным, потом — полноправным гражданином, женившимся на выходившей его немке Ольге Карловне фон Таубе.

 

Скорее всего, фамилия изначально являлась псевдонимом, так как отследить её дальше Поля Лансере не возможно. Евгений Лансере IV, правнук Евгения Александровича, писал, что так, возможно, французский офицер скрывался от правления Наполеона. Такая практика была весьма распространена в те годы среди бывших подданных Первой империи Наполеона Бонапарта.

 

В 1815 году у Поля и Ольги Карловны родился сын — Людвиг-Александр Лансере, женившийся в 30 лет на Элеоноре Антоновне Яхимовской. Спустя ещё 4 года у молодой пары появится первенец – Евгений-Болеслав-Волдемар Лансере-младший, то есть, Евгений Александрович Лансере или Лансере I.

 

Евгений Александрович с детства в своих работах выбрал тему, которой будет увлечен всю жизнь, — лошадей. В 1861 году он вместе с семьёй переезжает в Петербург, где оканчивает 2-ю Санкт-Петербургскую гимназию и юридический факультет Петербургского университета.

 

В искусстве, которым и во время учебы продолжал заниматься, так и остался самородком-самоучкой, пользуясь лишь советами российского скульптора Николая Ивановича Либериха. В 1872 году за свои работы получает от Академии художеств звание классного художника 1-й степени. В 1874 году был признан почетным вольным общником Академии художеств.

 

К сожалению, скульптор, создавший около 400 произведений в бронзе, и ещё сотни рисунков и эскизов, а так же ставший прославленным конезаводчиком, исполнив мечту детства, ушёл из жизни очень рано – в 38 лет от туберкулёза.

Николай Борисович Терпсихоров считается одним из самых характерных мастеров соцреализма. В настоящее время, к сожалению, его имя почти не упоминается в разговорах о советских художниках и оттого вдвойне обидней, ведь именно Николай Борисович стоял у истоков Ассоциации художников революционной России, самой многочисленной и мощной из творческих групп 1920-х годов, которая стала предшественницей Союза художников СССР.

Не смотря на, казалось бы, подавляющую программность искусства тех лет, полотна Николая Борисовича наделены какой-то особой непосредственностью и наполнены тёплым внутренним светом.

Вера художника в советское общество выразилась не в гротескных формах партсобраний или стачек, а в простых радостях обычного человека. Работы художника вдохновенны и наполнены целым спектром эмоций, которые покоряют сердце смотрящего.

Родился художник в 1890 году в Петербурге, когда ему было три года, семья переехала на постоянное жительство в Москву. С 1907 по 1910 годы учился живописи в художественной школе у Константина Фёдоровича Юона и Ивана Осиповича Дудина и посещал занятия в школе живописи и рисунка Василия Никитича Мешкова.

В 1911 году поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его учителями становятся Николай Алексеевич Касаткин, Аполлинарий Михайлович Васнецов и Константин Алексеевич Коровин.

От последних Николай Борисович перенял способность чувствовать и передавать поэтичность и красоту русской природы.
В 1917 году художник вступает в Красную Армию.

Прошел всю Гражданскую войну, оставившую глубокий след в его сознании. После войны Николай Борисович выступает одним из учредителей АХРР, где наряду с Павлом Александровичем Радимовым, Николаем Митрофановичем Никоновым, Петром Митрофановичем Шухминым и другими развивал стиль соцреализма.

Николай Борисович с большим интересом ездил и изучал различные места страны. Впечатления от поездки по Узбекистану и Туркмении легки в основу целого цикла картин. В годы Великой Отечественной войны художник обращается к военной теме, решая её то в героическом, то в более близком ему жанровом ключе. Главной темой творчества мастера послевоенных лет становится пейзаж.

 

Марцелий Гаврилович Сухоровский был австрийским подданным, рождённым в Галиции. Особый, отличный от русского менталитет неуловимо проступает в его работах на протяжении  всего творческого пути. Привнеся в русское искусство особый западный колорит, Марцелий Гаврилович, однако, остался художником близким русской академической школе.
Родился художник в 1840 году. В 1858 году поступил в ученики  Императорской Академии художеств. Во время обучения в Академии был награждён двумя малыми серебряными медалями за этюды, в 1866 — большой серебряной медалью за рисунок. Окончил Академию в 1868 году со званием художника III степени, а в 1872 году повышен в художники I степени за портрет госпожи Раппопорт. В 1874 году произведён в академики за портрет княгини Голицыной.
Пишет преимущественно женские портреты, но долгое время не пользовался успехом публики. Для широкой общественности стал известен благодаря своим изображениям нагих красавиц и демонстрацией их в России и за рубежом на отдельных выставках при эффектном огненном освещении с прибавкой реальных аксессуаров, подходящих к сюжету картин. Его популярности отчасти поспособствовал скандальный роман Эмиля Золя «Нана» о жизни французской кокотки, ставший чрезвычайно популярным. Марцелий Гаврилович нарисовал картину «Нана» в жанре ню, которая имела необыкновенный успех и принесла художнику имя и состояние. Она успела побывать в Варшаве, Париже и Лондоне. Позже эта картина была продана американскому предпринимателю Д.Ф. Саттону за 42 тысячи рублей и до сих пор считается одной из самых дорогих картин в истории русской дореволюционной живописи, проданной за рубеж.
Ещё одним объектом интереса художника были национальные типажи молодых красавиц в народных костюмах.
Марцелий Гаврилович участвовал в выставках в зале Императорской Академии художеств, экспонировал свои работы на Всемирной выставке в Вене в 1873 году. В 1902 году открыл в Санкт-Петербурге «курсы рисования для лиц обоего пола».
Несмотря на оглушительный успех «Наны», финансовое состояние художника оставляло желать лучшего. Он был почти разорён несколькими крупными пожарами и болезнями.
Скончался от инфаркта 26 февраля 1908 года.

Владимир Егорович Маковский родился 7 февраля 1846 года в семье видного деятеля искусств Егора Ивановича Маковского, одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
С детства Владимира Егоровича окружала атмосфера искусства.
С ранних лет отец учил своих детей рисовать. В доме отца собирались известные люди: Михаил Иванович Глинка, Николай Васильевич Гоголь, Михаил Семёнович Щепкин, Карл Павлович Брюллов, Василий Андреевич Тропинин, Сергей Константинович Зарянко.
Последние занимались с детьми, разрешали посещать свои мастерские.
В доме Маковских устраивались литературные, рисовальные и музыкальные вечера. Эта семья дала целую плеяду деятелей искусства – ими стали четверо детей Егора Ивановича и трое внуков.
Свою первую картину Владимир Егорович Маковский написал в семь лет — изобразил одного из родительских гостей. Под руководством отца начинающий художник копировал гравюры. С матерью Владимир Егорович занимался музыкой.
В 1861 году Владимир Егорович Маковский поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Он занимался в классе художников Сергея Константиновича Зарянко и Евграфа Семёновича Сорокина, учеников Алексея Гавриловича Венецианова.
В 1870 году Владимир Егорович стал одним из 15 художников, которые подписали устав Товарищества передвижных художественных выставок. В 1872 году его приняли в члены Товарищества, а еще через год художник вошел в правление общества. С этого момента он принимал участие почти во всех выставках передвижников.
Со временем он почти перестал писать картины с юмористическими сценками. В его работах появилась социальная тема. Он писал портреты нищих и бедняков.
В начале 1870-х годов чтобы заработать деньги для семьи, художник рисовал иллюстрации для журналов, расписывал плафоны и вазы.
В 1880-е годы Владимир Егорович несколько раз ездил на Украину, бывал в Крыму. В 1885 году он представил на выставке передвижников 45 картин.
Большая часть из них — сценки из жизни местных жителей и их портреты. Историк искусства и драматург Пётр Петрович Гнедич писал о его украинских полотнах: «Владимир Маковский отличается легкостью письма при живой наблюдательности и природном юморе”

«Художник не может быть равнодушен к тому, что происходит вокруг: сопереживание должно быть заложено в нем от природы. А вот реакция на происходящее может быть самой разной», – эти слова художника Николая Николаевича Чувахина как нельзя лучше характеризуют его подход к собственному творчеству.

«Многие художники стараются уйти в некую таинственность и загадочность. А для меня важнее всего в искусстве свет, духовное начало – даже не в религиозном смысле, а шире.

И чтобы художественный язык был понятен каждому – и образованному зрителю, и ребенку, и деревенскому мужику…». Так, без лишней патетики, описывает Николай Николаевич свои картины.

Действительно, его творчество представляется удивительно цельным, а главной задачей художника видится утверждение добра и красоты, выражение лирического, светлого отношения к жизни.

Родился Николай Николаевич Чувахин в 1947 году в городе Малая Вишера Новгородской области. В 1968 году окончил Ташкентское художественное училище им. П.П. Бенькова у известного в Республике художника-педагога Евгения Павловича Мельникова, народного художника Узбекистана, выдающегося мастера портретной живописи, натюрморта, пейзажа и анималистических композиций.

В 1977 году окончил живописный факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина Академии художеств СССР по мастерской профессора Юрия Михайловича Непринцева, художника-живописца, графика и педагога, народного художника СССР. Дипломной работой стала картина «Первопроходцы».

После окончания института работал в городе Комсомольск-на-Амуре. Следуя требованиям времени и душевному порыву совершает творческие поездки на Камчатку, Курилы, Сахалин, на строительство БАМа.

С 1995 года Николай Николаевич живёт и работает в Твери.
Участник художественных выставок с 1979 года, в том числе краевых «60 лет освобождения Дальнего Востока», «Художники Хабаровского края», «40 лет Победы», «70 лет Октября» и других; республиканских «Мы строим БАМ», «Советская Россия», всесоюзных «Голубые дороги Родины», всероссийской выставки в Москве в 1998 году и других.

 

Евгений Николаевич Якуб – удивительный мастер цветоносных полотен. Колористический строй (по аналогии с музыкальным) его работ поражает выверенной гармонией и внутренней силой. Каждый тон точно соотнесён с другими, а их соседство и рождает то, что мы называем красотой. В разных источниках напротив имени Евгения Николаевича значатся сухие определения, вроде «советский художник-график», «живописец», «педагог». Каждое из них, конечно же, правдиво, но не отражает всю степень таланта этого самобытного художника. Впрочем, даже слово «самобытный» звучит по отношению к Евгению Николаевичу банально.
Родился Евгений Николаевич Якуб в Твери в 1888 году. В 1911 году окончил Высшее Строгановское училище технического рисования. Впоследствии продолжил своё художественное образование в частной школе профессора Анатолия Михайловича Адашева, известнейшего художника, создателя множества советских поздравительных открыток, ставшего позже ещё и плакатистом, в том числе создававшим и киноплакат.
С 1922 года Евгений Николаевич Якуб активно занимался художественной и выставочной деятельностью, участвуя во многих выставках и, прежде всего, – в выставках Московского Товарищества Художников (МТХ).
В эти же годы начинается его преподавательская деятельность, в которой он достиг выдающихся результатов. С 1925 года вместе с Сергеем Арсеньевичем Матвеевым он является организатором и практически бессменным профессором знаменитого Московского государственного академического художественного училища памяти 1905 года.
Художник и педагог Сергей Арсеньевич Матвеев ещё до этого события сумел зарекомендовать себя как создатель новой программы обучения, которая заложила фундамент новой профессиональной художественной школы, а так же был создателем ещё одного учебного заведения – Ярославского художественно-педагогический техникума. Для Евгения Николаевича сотрудничество с таким сподвижником художественного образования стало бесценным подарком.
Его учениками в разные годы становятся: Вера Ипполитовна Аралова-Петерсон, Борис Никанорович Попов, Михаил Александрович Исиченко.

Талантливый художник Кирилл Иванович Шебеко множество раз доказывал зрителям, что мастерство – это сопряжение внутренней искры и титанического труда, какой обычно прикладывают для огранки драгоценных алмазов.
Кирилл Иванович — один из первооткрывателей северной темы в русской реалистической живописи. Пейзажи Чукотки, Камчатки, Сахалина, Курильских и Командорских островов, экспонировавшиеся на выставках в России и за рубежом, принесли мастеру широкую известность.
Именно за цикл пейзажей Дальнего Востока он получил звание лауреата Золотой медали Российской академии художеств.
Кирилл Иванович Шебеко родился в селе Циммермановка Нижне-Амурской области Хабаровского края 20 мая 1920 года.
Вырос в семье охотника. До 16 лет вместе с братом помогал родителям вести хозяйство: косил траву, копал картошку, рыбачил. Нелёгкий труд способствовал выработке сильного характера, упорства в достижении цели и трудолюбия.
После окончания сельской семилетней школы с 1936 года по 1940 учился в Благовещенском художественно-педагогическом училище у Петра Сергеевича Евстафьева, художника живописи, графики, рисовальщика и видного педагога, ученика самого Ильи Ефимовича Репина.
В 1940 году его призвали на действительную службу, а в 1941 году курсант Шебеко по личному заявлению добровольцем ушёл на фронт. Был тяжело ранен.
Весной 1943 году Кирилл Иванович был демобилизован из армии по ранению как инвалид II группы. Среди его военных наград имеются Орден Славы III степени, орден Отечественной войны II степени, многочисленные медали и знак «Художник-ветеран Великой Отечественной войны».
С 1943 по 1950 годы Кирилл Иванович учился на живописном факультете Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина Академии художеств СССР. Учёбу окончил по мастерской профессора Рудольфа Рудольфовича Френца дипломной работой «Капитуляция Германии».
С 1950 года Кирилл Иванович жил во Владивостоке, фактически встав у истоков создания самобытной, неповторимой приморской школы живописи.
К 1970-м годам ему удалось выработать свой индивидуальный художественный почерк в живописной технике известной как пуантилизм.

Олег Юрьевич Яхнин – выдающийся художник, график и иллюстратор нашего времени.
С его рисунками знаком, наверное, каждый второй житель нашей страны, причём многие даже не соотносят их с именем автора, считая классикой, которая всегда была и всегда будет.

Родился великий мастер иллюстрации в 1945 году в городе Лесозаводске, на Дальнем Востоке. В 1966 году окончил Владивостокское художественное училище. В 1973 году окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры
им. И.Е. Репина.

К настоящему моменту художником проиллюстрировано более 60 книг, среди которых произведения Корнея Ивановича Чуковского, Фридриха Наумовича Горенштейна, Астрид Линдгрен, Роберта Грейвса.
Его иллюстрации к «Истории одного города» Михаила Евграфовича Салтыкова-Щедрина, «Крошке Цахесу» Эрнста Теодора Амадея Гофмана, «Войне с Ганнибалом» Тита Ливия, рассказам Антона Павловича Чехова стали классикой книжной графики.

Среди работ художника выделяется монументальный цикл иллюстраций к «Фаусту» Иоганна Вольфганга Гёте, изданный в 2005 году. Художник сотрудничал с издательствами «Художественная литература» (Ленинград), «Детгиз» (Ленинград), «Детская литература» (Москва), «Малыш» (Москва), «Книга» (Москва), «Лениздат» (Ленинград), «Лимбус-пресс», «Вита Нова», и со многими другими издательствами Хабаровска, Владивостока, Красноярска, Саратова, Воронежа, Екатеринбурга и других городов России.

Так же Олегом Юрьевичем созданы циклы иллюстраций к роману Кена Кизи «Над кукушкиным гнездом», к юбилейному изданию «Рассказы» Антона Павловича Чехова, и юбилейному изданию Даниила Гранина в издательстве «Вита Нова». Художником созданы офорты к книгам «Славянские мифические существа», «Семь смертных грехов», «36 китайских стратагем».

Сегодня Олег Юрьевич Яхнин является признанным мастером живописи, станковой и книжной графики, Заслуженный художник России (2003), член-корреспондент Российской Академии Естественных наук, член Санкт-Петербургской Академии современного искусства, член-корреспондент Академии гуманитарных наук.

 

Василий Фёдорович Бордиченко – советский художник-монументалист, книжный график и иллюстратор. Яркий представитель соцреализма и его последовательный сторонник. Профессор Строгановского училища и лучший ученик Дмитрия Николаевича Кардовского, ставший так же главным художником архитектора Алексея Викторовича Щусева.
Автор масштабных монументальных работ, таких, как мозаичные панно станции московского метрополитена «Автозаводская». Как иллюстратор создавал разнообразные картины на детские темы. Особую симпатию испытывал к произведениям Николая Васильевича Гоголя. Художник оставил великолепную коллекцию гоголевских персонажей и композиции из их жизни.
Родился Василий Фёдорович в городе Армавире Кубанской области в 1897 году. В 1920 году окончил Ростовское художественное училище. Учился в Академии художеств, затем в студии у Дмитрия Николаевича Кардовского.
В течение ряда лет художник работал в Учпедгизе, где и написал много картин на детские темы, с которых потом делались репродукции, служившие пособием для школ.
Позже стал преподавать во ВХУТЕМАСе. Своим ученикам передал основы собственной системы изображения формы в рисунке. Все ученики его мастерской учились и работали вместе, выполняя крупные монументальные росписи на ВСХВ (ВДНХ, 1939 год).
Многие его ученики стали народными, заслуженными, лауреатами, академиками.
В 1932 году Василий Фёдорович становится членом Союза советских художников. В 1948 году ему поручают заведовать кафедрой монументально-декоративной живописи в Московском высшем художественно-промышленном училище, реорганизованном в том же году из ВХУТЕИНа (бывшее ранее ВХУТЕМАСом, а до этого – Строгановским училищем).
Принимал участие в проекте неосуществленной диорамы «Оборона Царицына» (1932). Соавтор проекта неосуществлённой диорамы «Восстановительный период» (1934).
После войны работал над эскизами мозаик и витражей для станций «Новослободская» и «Комсомольская» московского метрополитена (совместно с Павлом Дмитриевичем Кориным и Борисом Владимировичем Покровским).
Умер Василий Фёдорович Бордиченко в 1982 году .

22 июня 1941 года началась Великая Отечественная война.

Её пожар заполыхал, когда почти вся Европа уже была поражена вирусом фашизма.

Но стойкость русского народа сорвала планы фашистов на молниеносную войну с Союзом Советских Социалистических Республик и предрекла гибель Третьего Рейха.Труд художников военного времени, а так же тех, чьё творчество посвящено тем страшным годам, трудно переоценить.

Их живопись, графика, скульптура – яркие иллюстрации жизни военного времени. Одним из многочисленных художников, обращавшихся к теме Великой Отечественной войны, был Олег Владимирович Васильев.

Олег Владимирович родился 4 ноября 1931 года в Москве. Художественное дарование у юного Олега проявилось ещё в детстве, когда он начал срисовывать с открыток с картинами Ивана Ивановича Шишкина и Михаила Маркиановича Гермашева, который ему нравился особенно сильно.

Ему было неполных десять лет, когда началась война. Затем была эвакуация и возвращение в Москву. После этого, как признавался сам художник, стало безразличным то, что было интересным раньше. Рисование совершенно ушло из его жизни.

С 1947 года он начал посещать Московскую среднюю художественную школу, в которой проучился до 1952 года, а с 1952 по 1958 годы Олег Владимирович учился на графическом факультете Московского Государственного Художественного института имени В.И. Сурикова на графическом отделении.

Со времени окончания института до эмиграции в Америку – более тридцати лет – Олег Владимирович работал совместно с его друзьями юношества Эриком Владимировичем Булатовым и Ильёй Иосифовичем Кабаковым иллюстраторами детских книг для издательств «Детгиз» и «Малыш». Эрик Владимирович Булатов позже станет одним из самых известных современных российских художников — основателей соц-арта. Характерным и узнаваемым творческим методом Эрика Владимировича Булатова является столкновение плакатного текста с фигуративной составляющей.

Илью Иосифовича Кабакова же будут считать основателем московского концептуализма. Такие подходы отлично сочетались с творческим методом самого Олега Владимировича Васильева, который в 1967 году был принят в Союз художников СССР.

У поклонников ДВХМ имя Константина Егоровича Маковского неразрывно связано с густотой атмосферы и шёпотом бархата на портрете его второй супруги, Юлии Павловны Летковой.  Замечательный образец станковой живописи Константина Маковского поступил в ДВХМ в июле 1931 года из Государственного Русского музея и является ярким образцом салонной живописи художника, которой он отдавал предпочтения, в противовес, как ему казалось, сумрачным и ограничивающим его талант принципам передвижников. Молодая женщина с румянцем на щеках прямо и открыто смотрит на зрителя ясными глазами и элегантная поза, достойная графини, не мешает ясности и благородству, которым овеян её образ, как и слегка пухлая фигура Юлии Павловны, словно списанная с одной из муз эпохи Возрождения. Такой она и была для Константина Егоровича, музой, вдохновившей его на целый ряд женских портретов, и вернувшей художнику утраченное счастье…

Юлия Павловна была не первой женщиной художника. В 1866 году Константин Маковский обвенчался с артисткой драматической труппы Императорских театров в Санкт-Петербурге, Еленой Тимофеевной Бурковой. Молодая пара, имеющая общие интересы и духовное родство, жила счастливо. Елена немного рисовала и была увлечена музыкой и театром. Она внесла в рассеянную «богемную» жизнь Маковского много любви и душевного тепла, которые позже неизменно будут присутствовать  на детских портретах кисти художника. Но их счастье резко оборвалось: сначала умирает новорожденный сын, а через два года, от туберкулеза умирает Елена.

Жадный до жизни Константин Маковский не будет носить долгий траур, но утрата любимой не будет для него простым испытанием. Однако не пройдет и года, как овдовевший Маковский повстречает на балу в Морском корпусе 15-летнюю Юлию Павловну Леткову, приехавшую в Петербург поступать в консерваторию. Влюбившись с первого взгляда, 35-летний профессор живописи не отходил от юной красавицы ни на шаг. Его покорила музыкальность юной особы, которая имела необыкновенно красивый тембр сопрано. Сам Константин Егорович обладал удивительно бархатистым баритоном, и пел как профессиональный артист.

Когда Юлии исполнилось шестнадцать, они обвенчались и уехали в Париж. В Париже, в декабре 1875 года, у четы родилась дочь Марина, умершая от менингита в 8-месячнеом возрасте. Семнадцатилетняя мать очень тяжело перенесла смерть перворожденной, но молодость взяла свое, и вскоре она стала опять ожидать прибавления семейства, а на поправку поехала в Ниццу. В 15 августа 1877 года в доме Переяславцева на набережной у Николаевского моста, родился сын Серёжа  Его “…очень долго одевали по детской моде тех лет и отращивали локоны, которые так нравились отцу…”.  13 ноября 1878 родилась дочь Елена. В феврале 1883 года родился ещё один сын – Владимир, которого крестил великий князь Алексей Александрович, брат Александра III. Юлия Павловна всегда будет очень любящей и заботливой матерью. Утро в их доме начиналось с растопки печи в детской. Юлия Павловна сама будила, одевала и кормила завтраком детей, а потом в любую погоду шла с ними гулять.

Константин Егорович напишет ещё не один портрет Юлии Павловны, прежде, чем в его жизни появится новая муза… С осени 1888 года Юлия Павловна серьезно заболела, простудившись на возвратном пути из Крыма. Недомогания в области брюшины перешли в тяжелый перитонит. В 1889 году больную Юлию Павловну отправят в Киссинген, к тому моменту Константин Егорович уже почти как год будет увлечён новой женщиной, Марией Алексеевной Матавтиной, которую он повстречал в Париже, куда ездил заканчивать свою работу «Вакханалия». Эти поездки стали регулярными. Встречи с Юлией становились всё реже, а его отсутствие – всё дольше. В последний приезд весной 1892 года он вынужден был признаться о рождении внебрачного сына Константина. Юлия Павловна не простила измены. На момент расставания с Константином Маковским ей было всего 39 лет.

Контражур. Пожалуй, именно с этого термина начинается знакомство с творчеством Клода Лоррена на экскурсиях в ДВХМ. Изображение предмета на фоне источника освещения, направленного прямо на зрителя. В XX веке этот приём найдёт себя и в фотографии и станет очень популярным к веку XIX. Но истоки его лежат в пейзажной живописи.

Как правило, в искусство приходят те, кто видит творчество смыслом своей жизни. Однако бывает и так, что путь в мир искусства открывается с подачи человека, с которым будущего творца связывают нерушимые узы. Таким человеком может стать родной отец, как было, например, у нашего предыдущего героя, Константина Маковского, а может и родной брат. Именно так и случилось с Клодом Лорреном, чей старший брат – искусный гравёр по дереву – и приобщил Клода к рисованию. Следующим шагом для него станет переезд из родной Лотарингии. Маленькому Клоду едва исполнится тринадцать лет, когда он в сопровождении одного из дальних родственников отправится в Италию, где и проведёт практически всю оставшуюся жизнь.

Похвала от самого Папы Римского, заложение принципов контражура в пейзаже, разговоры с Николя Пуссеном за бокалом красного вина – всё это будет потом, а пока юный Клод устраивается слугой в дом прославленного художника-пейзажиста Агостино Тасси, ученика известного фламандского живописца Пауля Бриля.

Вначале Клод выполнял заказные декоративные работы, т. н. пейзажные фрески, но позже ему удалось стать профессиональным пейзажистом и сосредоточиться на станковых работах. Кроме того, Лоррен был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись.

В эпоху барокко пейзаж считался второстепенным жанром. Лоррен, тем не менее, получает признание и живёт в достатке. Он общается с художниками, в частности — с Николя Пуссеном, соседом, которого он посещает часто в 1660-х, чтобы выпить с ним по стаканчику хорошего красного вина.

Лоррен не был женат, но имел дочь, Агнесс, родившуюся в 1653 г. Ей он завещал всё своё имущество. Лоррен умер в Риме в 1682.

Талантливый человек талантлив во всём. Это популярное выражение часто звучит в адрес известных людей, добившихся признания своей творческой деятельностью. Однако есть люди, для которых эта поговорка будто специально выдумана…

Александр Петрович Лепетухин. Мастер, выбравший в начале творческого пути стезю живописца, стал позже преданным поклонником станковой графики, написал и проиллюстрировал две книги сказок и оставил множество письменных воспоминаний о своих коллегах и учителях.

Александр Петрович родился 2 мая 1948 года в Николаевске-на-Амуре. Выпускник художественно-графического факультета Хабаровского педагогического института, член Союза художников России, доцент кафедры изобразительного искусства ХГГУ.

Как художник Александр Петрович сформировался в конце 60-х, начале 70-х г. С 1971 г. он начал активно заниматься выставочной деятельностью. И в живописно-графическом творчестве, и в литературе Александр Петрович сделал своим кредо искренность, простоту и внутреннюю честность.

Так в своих сказках Александр Петрович создаёт атмосферу бескорыстной, чудесной и наивной дружбы. Избавляя читателей от откровенно дидактических рассуждений, Лепетухин-сказочник на примере поведения своих персонажей показывает простые истины в обхождении с природой, друзьями, жизненными трудностями. Через сказку писатель пытался пробудить, воспитать, укрепить в восприимчивой детской душе драгоценную способность сопереживать, сострадать и сорадоваться, без которой человек – не человек.

Именно лаконичность, нетерпимость к излишествам в композиции и стремление показать истину привлекли Александра Петровича к графике. Так были созданы графические циклы “Путь”, “Сказки”, “О любви”, “Из детства”, “Амур”, “Рисунки с левого колена”, “Портреты художников”…  С годами графические циклы сложились в полноценные выставки, которые проходили в ДВХМ, а так же в других музеях Дальнего Востока.

Именно в фондах ДВХМ хранится среди прочих его графический цикл «Путь». В нём художник в противовес свету сказочному и осязаемому стремиться изобразить свет внутренний, сокрытый от глаз посторонних. Положив в основу библейские сюжеты и специально избегая ярких оттенков, художник создаёт будто документальные полотна, наполняя их силуэтами, тенями и вертикалями. И в этой лаконичной картинке, из общего контраста и рождается свет, та истина, которую художник бережно перенёс на картон со страниц Книги книг.

В 2014 году Александр Лепетухин был удостоен звания Заслуженный художник Российской Федерации.

Не стало Александра Петровича 11 июля 2016 г.

В четвёртом русском зале ДВХМ, там, где модерн встречается с авангардом, есть небольшое полотно Фёдора Владимировича Боткина (1861-1905) с негромким названием «Натурщица».

Молодая девушка с фарфоровой кожей и модной в эпоху модерна причёской-абажуром легко и чувственно улыбается зрителю с холста. Моделировка света на полотне акцентирует зрительский взгляд на нежном плече девушки, в то время как лицо натурщицы скрывает полутень, ещё больше подчёркивающая атмосферу еле уловимой тайны или секрета, что скрывает от нас эта особа. Таким секретом может быть чувство, на котором она сконцентрировалась, закрыв глаза и оставшись с ним один на один в своей неге. Зритель в отведённой для него роли остаётся лишь наблюдателем. Диалог взглядов невозможен, если только пленённый её красотою наблюдатель не обратится к ней словесно, даря комплименты…

За спиной девушки незамысловатый, но такой же утончённый орнамент из листьев и стеблей создаёт ощущение динамики. Этот фон словно иллюстрация её собственных раздумий, каждой мысли, цветущей в её сознании. Подобные растительные орнаменты, добавляющие полотну декоративности, были позаимствованы модернистами у прерафаэлитов, часто обращавшихся к валлийской, кельтской, саксонской и средневековой английской мифологии и украшавших свои полотна различными растительными орнаментами. В эпоху модерна, когда прикладной подход к искусству стал играть важную роль, подобная декоративность была весьма востребована. Сам же Ф.В. Боткин писал подобные картины и после этой эпохи, завершившейся 1914 г., когда Первая Мировая война отменила каноны красоты ради красоты и потребовала куда более экзистенциональных смыслов.

По мнению наркома А.В. Луначарского, Ф.М. Боткин умел изображать женщину так, что «она действительно является цветком чистой, привлекательной, ласкающей формой»…

Сам же автор становиться художником не планировал и увлёкся живописью только после окончания юридического факультета Московского университета.  Однако заниматься живописью стал в Миланской академии художеств и частной мастерской А.Ролле в Париже. Работал, в основном, за границей.

В проявившемся творческом стремлении нет ничего удивительного, ведь Ф.В. Боткин – племянник известного русского художника, реставратора и коллекционера Михаила Петровича Боткина и происходит из известнейшего русского рода Боткиных, из которого происходят также Сергей Петрович Боткин, известный врач и ещё один дядя художника, а также Екатерина Петровна Боткина (Щукина) – мать известных коллекционеров Сергея, Ивана и Петра Щукиных, двоюродных братьев художника. Ещё одна его тётя –Мария Петровна – была замужем за поэтом А.А. Фетом.

В истории искусства Италия заслуженно занимает место страны, чьи художники на протяжении нескольких веков закладывали фундамент лекала мировой живописи. Первая ассоциация, возникающая в голове, когда мы слышим об искусстве Италии – это Возрождение и его титаны: да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан…  Вот и в ДВХМ залы западноевропейского искусства начинаются именно с зала Италии. Однако фундаментальность итальянского искусства не была бы таковой, если бы не многообразие конкурирующих школ живописи, объединяющих целые поколения художников.

За место в плеяде очевидных столпов национальных живописных школ, Венецианской, Флорентийской и Римской, упорно боролась школа Болонская, по мнению многих знатоков истории итальянского искусства, не давшая миру столь же выдающихся живописцев, как три уже выше упомянутых. Болонья больше славилась как родина мастеровых и учёных, чем художников. Впрочем, именно там творил Бартоломео Пассаротти, считающийся родоначальником итальянского натюрморта и ставший учителем для Аннибале Карраччи (1560—1609), чьё имя теперь является одним из символов Болонской школы живописи.

Агостино, старший брат Аннибале, а также его двоюродный брат Лодовико (ставший для художника ещё и учителем), уже успели снискать определённую славу. Под началом Лодовико Аннибале изучал творчество Веронезе, Корреджо, Тинторетто, Микеланджело и Рафаэля.

В 1582 г. произошло событие, ставшее значимой вехой в итальянском искусстве: Аннибале и Агостино Карраччи основали собственную школу, получившую название «Академия вступивших на правильный путь». Братья принимали деятельное участие в педагогической и художественной деятельности Академии, ставшей первой ступенью в становлении академической живописи.

В ДВХМ хранится замечательная работа Аннибале Карраччи – «Святое семейство». Этот канонический для Возрождения и нескольких последующих периодов сюжет изображает Деву Марию с Младенцем Иисусом и Иосифа Обручника, а также юного Иоанна Крестителя во время их бегства в Египет, чтобы избежать избиения младенцев, произведённого по указанию царя Ирода, правителя Иудеи. Иоанн протягивает Иисусу гроздь винограда, символ, трактуемый в христианстве как знак Христа и ассоциирующийся с вином, как с символом Крови Христовой.

Аннибале Карраччи умер в возрасте 49 лет в полной нищете. Ни его заслуги, ни признание его мастерства не обеспечили художнику достойное существование. В соответствии с его предсмертной просьбой он был похоронен в Пантеоне, рядом с Рафаэлем.

Мы не раз убеждались, что история мировой живописи изобилует фамилиями, представляющими целые династии художников. Итальянские, немецкие, французские, русские – все они на протяжении десятилетий создавали творческое наследие своих стран. Каждое имя становилось знаковым в мире искусства во многом потому, что транслировало в мир традиции своей малой родины, будь то провинция, область, город или небольшая деревушка. Став маленьким кусочкам мозаики, творчество этих людей дополняло общую картину живописи не только их большой родины, но и живописи мировой.

Дальневосточная земля с её колоритом народного и урбанистического творчества по праву считается одним из самых ярких и необычных кусочков в творческой мозаике русской земли. Особенно отрадно понимать, что и здесь есть свои творческие династии, укрепляющие традиции дальневосточной художественной школы.

Сергей Иванович Петухов (1953-2007) был сыном выдающегося дальневосточного художника Ивана Сергеевича Петухова (1922-1993). Их причудливое смешение имени и отчества не раз будет вызывать путаницу у людей, которые в первый раз обратились к их творчеству. Однако на этом фоне ещё больше видна разница между стилями и подходами двух мастеров живописи к своим полотнам. За тем, что обычно принято называть сухим словом «манера» кроется целое мировоззрение. У Сергея Ивановича оно было несколько не классическим в том понимании, которое касается создания образов на полотне, по-детски наивных, но по-взрослому основательных. Его мазки уверенные и различимые, но образы при этом словно иллюстрируют невидимую грань бытия, те вечные философские вопросы, которые веками задаёт себе человек. Яркие, насыщенные тона несколько приближают работы Сергея Ивановича к поставангарду, но тут сразу стоит сделать поправку, что ощущение это поверхностное, исключительно ассоциативное, потому что реальность на его работах не отвергается, а обретает свойства магического и гармоничного сверхпространства.

В ДВХМ хранится картина Сергея Ивановича, посвящённая теме Великой Отечественной войны, «После боя». Работа считается незаконченной. Сохраняя свой творческий метод, художник старается отойти от натурализма смерти, раскрывая жизнь в деталях, какой стала цветущая прямо на поле боя черёмуха. Но, отдавая должное тем страшным дням, Сергей Иванович размещает на переднем плане погибших бойцов, исполняя их тела в зелёных, «мёртвых» тонах, что даже может несколько оттолкнуть зрителя. Юная девушка-санитарка и солдат, убитые в бою, лежат на склоне, помещённом художником в тень. Но впереди, в композиционном центре работы, под чёрным дымом боя, проглядывается кусочек голубого неба, как знак грядущей победы, к которой народ нашей многонациональной родины пришёл именно так – сквозь смерть, дым и растерзанную юность.

Работу «Натурщица» за авторством Ильи Машкова можно назвать визитной карточкой четвёртого русского зала ДВХМ. Сочетая в себе контрастность неопримитивизма и монументальность формы раннеантичной скульптуры, эта картина, словно транспарант, впечатывает большими буквами в сознание посетителя слово «АВАНГАРД».

Для её автора, Ильи Ивановича Машкова, авангард в первую очередь выражался в свободе поиска новой формы. Художник любил работу с цветом, гиперболу, преувеличение и гигантизм. Именно эти черты станут уже его собственной визитной карточкой. Однако он был не первым и не единственным, кто в те годы искажал пространство в своих работах и пробовал новые формы. Его «фирменной» деталью становится знаменитый чёрный жирный контур, который, однако, в истории мировой живописи так же уже встречался. Поэтому своей особой отличительной чертой он делает условную «мозаику» из элементов разнообразной геометрии, оттенка и даже текстуры, создавая эффект лёгкой недосказанности, а масштабная работа с пластикой персонажей и элементами декора смотрится у Машкова весьма самобытно.

Родился Илья Иванович 29 июля 1881 года в большой семье государственных крестьян, где из девятерых детей он был самым старшим. С небольшим перерывом с 1905 по 1910 гг. он учится в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где его учителями в том числе были Валентин Серов, Константин Коровин, Виктор и Апполинарий Васнецовы.

В своём творчестве Илья Машков проходит и период сезаннизма, и период соцреализма. В 1911 г. совместно с Петром Кончаловским он создаёт объединение «Бубновый валет», ставшее самым крупным объединением раннего авангарда. Среди его наиболее выдающихся участников были – Михаил Ларионов, Аристарх Лентулов, Василий Кандинский, Александр Осмёркин и Наталья Гончарова. С 1916 г. Машков входит в состав объединений «Мир искусства», этот же год принято считать последним в периоде сезаннизма художника, после которого начинается пост-революционный период.

Самое удивительное в творчестве Ильи Машкова то, что будучи ярким (соц)реалистическим художником и отличным примером прилежного ученика таких мастеров, как Серов и Коровин с их превосходным рисунком и вниманию к натуралистичности, он навсегда вписывает своё имя в историю мирового авангарда, оставляя все свои соцреалистические портреты и яркие, почти фотографически точные натюрморты в тени работ, подобных его «Натурщице».

Скончался Илья Иванович 20 марта 1944 года на своей даче в знаменитом Абрамцево.

Так сложилось в истории искусства, что национальные художественные школы живописи стали образцом патриотизма художников и примером их по-хорошему консервативного подхода к живописному наследию своей родины. Но случается и так, что талант художника, сила его личности становятся связующим звеном между, казалось бы, совершенно разными культурами. Именно к этой плеяде творцов принадлежит Антон фон Марон (8 января 1731— 3 марта 1808), художник, которого сразу две страны называют «своим величайшим портретистом».

Родился фон Марон в Австрии, учился в Венской Академии у Нигхема, а в 1755 г. поехал в Рим, где уже оставался до конца своей жизни. С 1756 до 1761 он был первым учеником и помощником Антона Рафаэля Менгса, придворного художника и самого крупного немецкого живописца эпохи классицизма, который словно бы жил между Дрезденом и Римом из-за постоянной занятости в обоих городах. Фон Марон помогал Менгсу в работе над росписями церкви Святого Эусебио в Риме и виллы кардинала Альбани в 1761г. Антон фон Марон хорошо владел техникой фрески, что делало его незаменимым помощником Менгса в подобных работах.  В 1765 г. первый и лучший ученик Менгса женится на его сестре, художнице-миниатюристке Терезии Конкордии Менгс.

Унаследовав манеру позднебарочной австрийской живописи, фон Марон трансформировал свой стиль в духе римского неоклассицизма. Он писал и станковые полотна, и фрески на сюжеты из древней истории и мифологии, но, как и его учитель, стал известен именно как портретист, однако зачастую писал заказчиков в стиле Помпео Батони, который наряду с самим фон Мароном,  слыл самым знаменитым портретистом XVIII столетия в Риме. Батони был старше фон Марона на 23 года и к моменту популярности последнего уже успел сформировать собственный стиль – фигуры портретируемых изображались обычно в натуральную величину, в изящных фешенебельных нарядах, на фоне классических скульптур и видов Рима. Примечателен тот факт, что в 1779 г. Батони заказал фон Марону свой портрет и портрет жены.

В 1772 г. фон Марон участвует в преобразовании Венской художественной академии. В 1784 становится членом Академии Святого Луки. После отъезда в 1781 г. Менгса в Мадрид позиции фон Марона в Риме еще больше укрепились.

В своей работе «Аллегория зимы» художник создаёт символический ряд, который на первый взгляд достаточно сложно уловить. Художник ненавязчиво вызывает у нас ассоциации одежд молодой девушки с природными «атрибутами» этого времени года: белый плат, словно наст снега, покрывает одежду тёмных тонов, символизирующих землю. Меховое манто откинуто. Художник обнажает грудь молодой девушки, взгляд её голубых, как две льдинки, глаз вовсе не наполнен холодом, а на бледной коже щёк проступает румянец, такой, какой бывает обычно только зимой. Подобное сочетание демонстрирует зрителю совершенно особое понимание Антоном фон Мароном античной красоты, запечатлённой в неоклассицизме великим портретистом.

«Мастер русского портрета», «крепостной живописец», «последний сын XVIII века», «русский Грёз» – вот лишь самые известные эпитеты художника, который, по воспоминаниям современников, успел написать всю Москву, имея в виду, конечно же, личностей известных.

Василий Андреевич Тропинин родился 30 марта 1776 в селе Карпово и по праву считается долгожителем среди русских художников – он прожил 81 год и был свидетелем правления пяти (!) императоров. В конце своей долгой жизни Тропинин уловил основные тенденции середины XIX века – точность, верность натуре, аналитический взгляд на мир – и, как пишуткритики, вплотную подошел к критическому реализму второй половины столетия. Уже современники отмечали в портретах мастера его умение передать «характерность» каждого жизненного типа, что будто предвосхищало появление новых тенденций в портретном искусстве, но при этом совершенно не противоречило духу эпохи нынешней.

Происходил Василий Андреевич из крепостных, его родители были крестьянами графа Антона Миниха. «Вольную» получил поздно, только в 47 лет. К живописи тяготел ещё с детства. Начальное образование будущий художник получил в народном училище в Новгороде. После учебы Тропинин вернулся в село Карпово. К тому времени оно принадлежало зятю Миниха — графу Ираклию Моркову. По доброте Алексея Моркова, двоюродного брата Ираклия, был определён в Императорскую Академию художеств, которую до этого посещал лишь, когда не был занят учёбой на кондитера. В 1804 г. на одной из выставок, которую посетила сама императрица Мария Федоровна,Тропинин и получил прозвище «русский Грёз» за сходство с гравюрами французского художника Жана-Батиста Грёза. Однако в сентябре 1804 г. был отозван Ираклием в свое имение в селе Кукавка, где и занялся исполнением своих профессиональных обязанностей повара-кондитера. Но художественное дарование Василия Андреевича не пропадало даром. Граф Морков всё же признавал талант своего крепостного и приказал Тропинину построить и расписать в селе церковь.

Широкая известность пришла к живописцу после Отечественной войны 1812 г. Художник создавал портреты московских дворян, в их числе портретыНиколая Карамзина и Александра Пушкина. Не стало Василия Андреевича Тропинина 16 мая 1857 г.

В постоянной экспозиции ДВХМ представлен портер И.П. Прохорова кисти Тропинина. В том самом «непротиворечащем эпохе» ключе Василий Андреевич создаёт романтический портрет человека совершенно реального. Московский мануфактурщик предстаёт сошедшим со страниц английской поэмы героем, несущим бурю в своей душе. Молодое лицо и ясные глаза ещё больше сближают его с героями-бунтарями, а «байроновский»  плащ создаёт ту уникальную фешенебельную фактуру, выделяющую происхождение и взгляды молодого героя. Баки его причёски колят нас своей остротой и, несмотря на аккуратное и спокойное лицо, создают ощущение внутреннего напряжения. Завершением же образа служит брюлловское небо. Став полноценной частью портрета, пейзаж в работах романтиков служил деталью, подчёркивающей настроение изображённых персонажей. Грозовое небо, что пишет Тропинин, как нельзя лучше отражает внутренний мир и передаёт настроение романтического героя.

Венецианская школа живописи по праву считается одной из самых разнообразных. В ДВХМ она представлена работами таких мастеров, как Тициан Вечеллио, Паоло Веронезе и Франческо Бассано. Историки искусства достаточно скупо описывают биографию последнего, останавливая своё внимание в основном на трагической судьбе мастера. Однако творческие заслуги Франческо Бассано сложно переоценить.

Франческо родился 26 января 1549 г. и был старшим из четырёх сыновей Якопо Бассано, который был для мальчиков не только отцом, но и учителем, разделившим с сыновьям семейное дело – Якопо был художником и сам приходился сыном Франческо-да-Понте-старшему, основателю династии художников. Говоря о Якопо, обычно отмечают его попытки перейти от экспериментов маньеристов к натурализму в венецианской традиции. Франческо, как старший ребёнок, стал главным подмастерьем своего отца.

После почти десятилетнего обучения в мастерской Якопо Франческо пытался подражать стилю отца, выполняя некоторые предварительные рисунки и части картин. Его первая независимая работа датирована 1574 г. Со временем Франческо становится управителем венецианской ветви мастерских Бассано, а его картины становятся известны в Венеции.

Картина «Зима», представленная в ДВХМ, относится к направлению терраферма («Terra Ferma», в дословном переводе: «прочная или твердая земля»). Однако стоит понимать, что направление это больше условное, к нему принято относить сюжеты о ведении натурального хозяйства на материковой части Венеции.

Изначально «domini de teraferma» есть не что иное, как материковые территории Венецианской республики на адриатическом побережье Северо-Восточной Италии, созданные для укрепления государственных позиций Венеции, т.к. обособленность городского строя больше не могла обеспечить необходимый экономический потенциал. Поэтому крестьянский быт того времени часто становился предметом интереса для художников-венецианцев.

«Зима» относится к циклу «Времена года», содержательно близкому в свою очередь циклу «Двенадцать месяцев», в котором художник изображает крестьянский быт более детально в каждый отдельно взятый месяц. Для картин из обоих циклов характерна многофигурность. Все участники сюжетов разделяются на отдельные мизансцены, словно бы обрамляющие пейзаж, находящийся в центре полотна, но представленный обычно на дальнем плане. Это позволяет сказать, что люди на этих полотнах играют скорее дополняющую роль, а главным действующим лицом становится как раз представленное время года. Однако «дополняющая» не означает «не важная». Именно в занятиях людей на работах Бассано воплощается торжество крестьянского труда на «твёрдой земле», их действиями «дышит» время года.

Франческо Бассано трагически ушёл из жизни, покончив с собой – художник выбросился из окна 3 июля 1592 г., через несколько месяцев после смерти отца. Исследователи полагают, что причиной этому стала ипохондрия, развившаяся на фоне тревожного расстройства. После его смерти во главе мастерских встал его младший брат – Леонардо.

В Москве об этом художнике говорили, как о новом Шишкине, одним из его учителей был непревзойдённый плакатист, график, член Союза художников СССР Сергей Павлович Ясенков, а талант мастера был настолько многогранен, что подвластны ему были и жанровая живопись, и графика, и театральные эскизы. Таким запомнился современникам Михаил Евлампиевич Сергиенко…

Родился будущий художник в 1927 г. в г. Артёме Приморского края. Учился на театрально-декорационном отделении Владивостокского художественного училища. Там он познакомился со своей будущей супругой, художницей Галиной Ивановной Кабановой. Она была старше Михаила Сергиенко на шесть лет и к моменту поступления во Владивостокское художественное училище уже успела проучиться год в Ленинградском педагогическом училище, где её преподавателями были С.А. Бутлер, С.М. Кантор, В.Н. Левитский и Р.А. Григорян, а позже отучилась ещё два года – в художественном училище в г. Иваново. Молодые люди быстро нашли общий язык. Руководителем дипломных работ у каждого из них был С.П. Ясенков. Дипломной работой Михаила Евлампиевича стали эскизы костюмов к опере М.П. Мусоргского «Хованщина», а у Галины Ивановны – эскизы к опере «Иван Сусанин» М.И. Глинки.

В 1951 г. супруги перебрались в Хабаровск, где оба устроились театральными художниками: Михаил Евлампиевич поступил на работу в драматический театр Хабаровска, а Галина Ивановна – в Хабаровский краевой театр музыкальной комедии.

В 1953 г. Михаил Евлампиевич представил на восьмую краевую выставку пейзаж «Закат» и несколько этюдов, в том же году он был зачислен в штат Хабаровского Товарищества художников. Работа театральным художником позволила Михаилу Евлампиевичу посетить многие города Дальнего Востока. С целью сбора изобразительного материала он совершалмногочисленные поездки по краю в районы проживания коренного населения.

Картина «По ягоды» 1954 года – самое значительное из известных произведений художника. Именно после её экспонирования на выставке произведений художников РСФСР в Москве о Михаиле Сергиенко заговорили, как о дальневосточном Шишкине. Удивительное сочетание национального дальневосточного колорита, представленного в одежде трёх девочек-подружек, c таким классическим и узнаваемым русским лесом создавало ощущение ожившей сказки и принесло автору диплом второй степени. После выставки картина репродуцировалась в журналах и на почтовых открытках.

Жизнь Михаила Евлампиевича трагически оборвалась в 1955 г.: художник утонул неподалеку от села Дада, где работал на этюдах, ему было 27 лет…

Для знатоков живописного искусства имя Юриана Якобсена связано не только с любимыми им сценами охоты, но и с некоторым непостоянством художника в собственном мастерстве. Порой критики отмечают, что в его работах присутствует будто нарочитая небрежность. Кроме сцен охоты художник писал также натюрморты, портреты и картины на религиозные сюжеты.

Родился будущий художник в Гамбурге в 1630 году (по другим данным – в 1625 или 1626 году). Заметным этапом его ранней биографии можно считать обучение в Антверпене, в мастерской Франса Снейдерса, признанного мастера барочной анималистической композиции, учившегося живописи у  Питера Брейгеля Младшего и Хендрика ван Балена, а позже снискавшего уважение у самого Питера Пауля Рубенса. В 1659-1664 гг. Юриан работал в Амстердаме, затем до конца жизни – в Леувардене. Поэтому Юриана Якобсена часто называют голландским художником немецкого происхождения.

Работал мастер в стиле барокко. В Германии этот стиль начинает формироваться во второй половине XVI века, перед тем, как в стране образуется некий художественный вакуум. Дело в том, что тридцатилетняя война в Германии положила конец всем художественным начинаниям, и в XVII веке Германия не принимала участия в развитии барокко. Когда после Вестфальского мирного договора  политические и экономические условия стали стабильнее, стало очевидно, что война полностью изолировала Германию художественно. Итальянские архитекторы и художники продолжали работать по немецким заказам на строительстве церквей и храмов, однако, нормальное развитие собственных художественных традиций возобновится лишь в XVIII веке. Художникам, творившим в таких условиях с оглядкой на немецкие традиции, фактически было предоставлено огромное поле для экспериментов.

Юриан Якобсен иногда прибегал к подражательству своему учителю, но и в собственных художественных наработках он достаточно точно следовал канонам барокко, главным способом художественного обобщения в котором становится иносказание. Превыше всего художники ценят замысел, композицию, аллегорический смысл и декоративное расположение изображаемых фигур.

В картине «Охота на кабана» мы видим, как сам кабан и падающий на спину пёс образуют условный центр работы. Морды псов по краям полотна, тех, что бросаются в атаку, создают векторы динамики, уходящие в тот самый центр, в котором сосредотачивается всё напряжение этой сцены.

Умер художник в 1685 году в Леувардене.

Архип Иванович Куинджи – художник, чьи картины на родине снискали своему творцу славу волшебника света. Мягкие ореолы, физически корректные блики на волнах, осязаемый воздух – вот детали, ставшие неотъемлемыми атрибутами самых известных картин художника. Амбициозный и яркий, он чётко понимал, чего хочет от себя и окружающих, но многие были не готовы поверить в яркий талант русского люминиста…

Широко известен случай, когда в 1880 году Куинджи устроил в своей мастерской выставку одной картины — «Лунная ночь на Днепре». Чтобы эффектно преподнести полотно, художник плотно задрапировал окна в выставочном зале и осветил картину лучом электрического света. Умелый колорист Куинджи сумел придать лунному свету необычайную реалистичность. Некоторые исследователи творчества художника отмечают, что особый эффект свечения придавали его работам битумные краски. Многие из пришедших на выставку посетителей заглядывали за полотно — искали там источник дополнительного света, которого, конечно же, не было.

Однако на мировой художественной сцене отношение к Архипу Ивановичу было уже не столь однозначно. В западной критике можно встретить мнение о вторичности приёмов, использованных художником. Американская критическая мысль 50-60-х годов XX столетия чётко определяла Куинджи, как последователя, а иногда и подражателя Гудзонской школы или Американской школы люминизма. Поводом для столь категоричных заключений послужила работа Архипа Ивановича «Красный закат на Днепре», которая, по мнению западных искусствоведов, почти в точности использовала колористические приёмы «гудзонщиков».

Но в своём обучении и живописном опыте Архип Иванович был далёк от американских пейзажистов, ровно, как и от склонности к дешёвому трюкачеству. Мальчик рано лишился родителей, его воспитывали дядя и тётя по отцовской линии. Его товарищи вспоминали, что учился Куинджи плохо, но с юных лет любил рисовать. Первые уроки живописи он получил от молодого родственника Айвазовского — Адольфа Фесслера, который в то время гостил у живописца. Сам Айвазовский большого таланта в юном Куинджи не разглядел. Можно заключить, что на способность художника чувствовать и передавать световоздушную среду больше повлияли традиции крымских живописцев, что, впрочем, можно считать патриотической попыткой защитить художественное своеобразие работ Куинджи.

Но и на родине художника ещё при его жизни находились люди, обвинявшие Архипа Ивановича в повторении – самоповторении. Именно такая анонимная статья послужила в 1879 году поводом для разрыва отношений с передвижниками. Позже стало известно, что автором публикации был Михаил Клодт. Куинджи потребовал исключения Клодта из Товарищества, а затем объявил о своем выходе из сообщества.

После этого художник выставлял свои работы еще на нескольких выставках, а на пике славы стал затворником. Он продолжал работать, но двадцать лет никому не показывал свои полотна. За эти годы он создал примерно 500 эскизов и полноценных живописных полотен и около 300 графических работ.

В 1901 году Куинджи впервые за много лет показал своим воспитанникам, а затем и некоторым друзьям новые картины — «Вечер на Украине», «Христос в Гефсиманском саду» и авторский список картины «Березовая роща». В ноябре Куинджи устроил свою последнюю публичную выставку, после которой никто не видел новых работ живописца до самой его смерти.

Архип Иванович Куинджи ушел из жизни 11 июля 1910 года.

Широкой дальневосточной публике этот художник известен, прежде всего, как величайший пейзажист. Таёжные дали в исполнении Василия Николаевича Высоцкого обретают особую душевность и становятся неотъемлемы от образа чарующей природы этого края. Удивительно, но сам художник считал вершиной своего творчества полотна на тему Гражданской войны на Дальнем Востоке. Однако стараться вписать имя Высоцкого в какие бы то ни было рамки – дело изначально обречённое на провал. Многогранность его таланта проявилась в различных жанрах и тематиках.

В пейзаже Василию Николаевичу были подвластны все времена года, в исторических картинах он мог мастерски передавать настроение ситуации, её накал и трагизм, в портрете – характер и внутренний мир своей модели, а в чуть ли не единственном своём натюрморте – «Боровая дичь» – Василий Николаевич добивается классической изысканности  в собственной живописной манере.

Родился художник 6 января 1908 года в селе Сергеевка Хабаровской губернии. По окончании семи классов был направлен отделом народного образования в художественно-промышленный техникум г. Благовещенска. Одним из основателей техникума, а так же его первым директором был Пётр Сергеевич Евстафьев, художник и педагог, ученик Ильи Ефимовича Репина, мастер пейзажа, яркий представитель русской художественной культуры начала ХХ века, сумевший передать своим ученикам один из главных заветов своего наставника, И.Е. Репина: «Правда жизни – высший критерий художественности». В 1931 году Василий Николаевич заканчивает техникум, после чего преподаёт изобразительное искусство в средних школах города Благовещенска.

С 1932 года участвует в художественных выставках. В 1941 году был удостоен премии Союза художников РСФСР за произведение «Удэгейская мать», тогда же избран первым председателем Хабаровской организации Союза художников.

В ДВХМ хранится удивительная работа этого художника – «Удэгейская мать». Не искушённый зритель, знающий мастера по историческим работам и пейзажам, возможно, не сразу увидит за этим полотном кропотливый труд Высоцкого. «Удэгейская Мадонна» – так прозвали эту работу посетители одной из выставок – сидит на фоне распахнутого окна, в котором мы видим дальневосточный пейзаж и вся её душа, как целый мир, будто тоже открыты перед нами. Совершенно справедливо можно отметить, что в данной работе воплощается архитипичный образ материнства, образ матери, открывающей ребёнку весь мир. Взрослое лицо младенца и положение его рук неизбежно вызывают ассоциации с иконописью. Особого внимания заслуживает и тщание, с которым художник подходит к созданию одежды этой женщины, полностью соблюдая аутентичность. «Удэгейская мать» по праву считается одним из выдающихся полотен Василия Николаевича Высоцкого.

В 1880 году в Московском училище живописи, ваяния и зодчества состоялась выставка студенческих работ. Её экспонентами среди прочих были знаменитые в будущем пейзажисты: Константин Коровин, Исаак Левитан, Александр Янов. Был в этом списке и Николай Людвигович Эллерт, большой друг Коровина, считавшего Эллерта чуть ли не лучшим учащимся МУЖВЗ, отмечавшим, однако, что ни пейзажи Эллерта, ни манера письма его друга ему, Коровину, не нравятся. Впрочем, на протяжении ещё многих лет имена Эллерта и Коровина будут звучать друг за другом на выставках. Но в большей степени Николай Людвигович посвятил себя ремеслу театрального декоратора и художника по костюмам. Он сотрудничал с Императорскими Большим и Малым театрами, Мариинским и Александровским театрами. Его творчество в качестве театрального художника будет отличаться от того, к чему он был склонен в работах «для себя» – своих пейзажах и бытовых сценах. Дотошно приводя театральные костюмы в эскизах к исторически достоверному виду, пейзажи Эллерт будет выполнять «кудрявые и зелёные», как отзывался о них Константин Коровин. Сам же Эллерт часто придерживался подобного подхода, добиваясь эстетичности и так не любимой некоторыми «красивости», однако не стоит считать их краеугольным камнем его творчества.

Алексей Кондратьевич Саврасов, в чьём классе учился Эллерт в МУЖВЗ, не старался переучить упрямого левшу писать работы правой рукой и отмечал тщание  в учёбе, отдачу и любовь Эллерта к изображаемому материалу, что позже обратит на него внимание Третьякова. Ради справедливости отметим, что первичное художественное образование Николай Людвигович получил у русского художника-пейзажиста Льва Львовича Каменева, так же выпускника МУЖВЗ, у которого учились и его друзья: Исаак Левитан и братья Коровины. Некоторые исследователи творчества этих художников полагают, что именно Каменев зажёг в них любовь к пейзажу.

В 1881 году Эллерт получил поощрительную медаль от Академии художеств, в 1883 году – был награжден большой серебряной медалью. С 1884 по 1893 годы Эллерт представлял свои картины для экспонирования на выставках Товарищества передвижных художественных выставок, Московского общества любителей художеств, Московского товарищества художников.

В своей работе «Осень» Николай Людвигович с большой чуткостью изображает первые дни осени, ещё по-летнему зелёные. Нежные тона, которые он выбирает, кажутся антитезой наступающему умиранию природы. Убегающая тропинка с отдалённой человеческой фигурой помогают зрителю погрузиться в картину и ощутить это удивительное состояния природы.

Этот художник создавал декоративные панно, оформлял спектакли, был автором жанровых и батальных полотен, он учился у самого Репина, дружил с Ф.А. Малявиным, Б.М. Кустодиевым, А.П. Остроумовой-Лебедевой. Написал ряд портретов столичной знати, среди которых портреты императора Николая II, великой княгини Марии Павловны, графа Мусина-Пушкина и других. Иммигрировав в Париж, он приобрёл славу «русского Ренуара», но до самой своей смерти Павел Дмитриевич Шмаров нёс ярлык «своего среди чужих». На родине творчество живописца долгое время оставалось почти неизвестным.

Александр Бенуа вспоминал, что Павла Дмитриевича Шмарова отличала большая работоспособность и интерес к различным жанрам живописи. Он экспериментировал в техниках и постоянно искал новые темы, что, впрочем, не мешало ему создавать блестящие серии, как, например, «Купальщицы».

Родился Павел Дмитривич Шмаров в 1874 году в Воронеже. В 19 лет поступил учиться в бесплатную рисовальную школу, где его педагогом был русский художник, иконописец, иллюстратор произведений Н.А. Некрасова и поэт Лев Григорьевич Соловьев, который делал упор на рисование и этюды на пленэре. В 1894 году Павел Дмитриевич был принят в Высшее художественное училище при Императорской академии художеств, учился в мастерской И.Е. Репина. Не смотря на то, что он был экспонентом множества выставок, получил премию Общества поощрения художеств и был удостоен золотой медали и права пенсионерской поездки за границу, звание академика получает лишь со второго раза, в 1916 году. Первое его выдвижение, предпринятое И.Е. Репиным, В.А. Беклемишевым и В.Е. Маковским в 1912 году, оказывается неудачным. Однако в 1913 году становится членом Общества им. А. И. Куинджи, по поручению которого работает в комиссии по приобретению картин для провинциальных музеев. В 1915 и 1916 годах выезжал на фронт; по заказу редактора журнала «Лукоморье» Михаила Алексеевича Суворина исполнил 30 рисунков на тему войны, опубликованных затем и в других журналах, в числе которых «Огонек» и «Нива».

В конце 1916 года приехал в Воронеж в связи со смертью матери. После революции вернулся в Петроград, а в 1923 эмигрировал из России, прожив два года в Риме, где исполнил портреты итальянской королевской семьи. В конце 1924 года перебрался в Париж, где и оставался до конца жизни. Во Франции у Шмарова проходили совместные выставки с З.Е. Серебряковой, А.Н. Бенуа, П.Ф. Челищевым, но «мирискусники» не считали его своим художником и не принимали в объединение. Павел Дмитриевич чувствовал себя одиноким, несмотря на то, что французские коллекционеры высоко ценили его работы. Первая персональная выставка художника прошла лишь в 1928 году в знаменитой парижской галерее «Шарпантье». Среди любимых тем живописца – ню и купальщицы, дети в национальных костюмах и русалки. Умер Павел Дмитриевич 2 июля 1950 года.

В собрании Дальневосточного художественного музея хранится удивительное полотно. Названное «Тихий день», оно воплотило в себе талант мастера отображать противоречивые и быстро меняющееся настроения природы. Принадлежит работа кисти Аркадия Афанасьевича Чумакова, ученика Архипа Ивановича Куинджи, в мастерской которого в качестве вольнослушателя и учился Чумаков в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при Императорской Академии художеств. В 1897 году работа «Тихий день» принесла автору звание художника, а уже в следующем году Чумаков вместе с другими учениками Куинджи на средства Архипа Ивановича совершил поездку в Германию, Францию и Австрию. С 1898 года Аркадий Афанасьевич начинает преподавать рисунок и акварельную живопись в Центральном Строгановском училище технического рисования, а с 1907 года работает в графической мастерской этого училища. Два года – с 1900 по 1902 – преподаёт  в частной женской гимназии О.А. Виноградовой в Москве, где он жил до 1925 года. К началу своей педагогической деятельности Чумаков уже состоял в Обществе русских акварелистов, экспонентом которого он был до 1918 года. В 1910 году Аркадий Афанасьевич становится членом Общества художников им. А.И. Куинджи. Примерно в это же время художник предпринимает поездку в Италию, где делает многочисленные зарисовки античных руин, а также наброски итальянских видов.

Аркадий Афанасьевич работал как пейзажист и маринист, создавая в том числе картины, связанные с историей русского флота. С началом Первой Мировой войны Чумаков начинает принимать участие в выставках на военную тематику. Одной из них стала выставка «Художники — товарищам воинам», прошедшая в 1914 году.

Его работа «Тихий день» выполнена не на военную тематику, это – дань люминизму Куинджи, не решённая при этом собственного авторского видения и атмосферы. Воздух в работе Чумакова не достигает той осязаемой сгущенности, которую можно наблюдать на некоторых полотнах Куинджи или Шишкина, однако и без этого свет, моделируемый художником в момент наплыва грозового фронта на точку перспективы, ощущается как подвижная «материя» и создаёт у зрителя ощущение быстро меняющейся погоды. Вода, как важная часть этого пейзажа, помогает подчеркнуть неравномерную освещённость ландшафта за счёт преломления света на тех участках, где его больше всего…

Пройдя плодотворный творческий путь и пережив две мировые войны, Аркадий Афанасьевич Чумаков скончался 10 октября 1946 года.

Имя художника Владимира Павловича Хрустова стало по-настоящему известно поклонникам искусства в конце 1980-х годов.  На сегодняшний день за художником числится участие почти в 200 выставках, от городских до международных, чья география включает Францию, Испанию, США, Южную Корею и Китай.

Родился Владимир Павлович 26 июня 1954 года в Нерчинске Читинской области в семье директора краеведческого музея и учительницы средней школы. В 1981 году окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института, где в числе его педагогов были  Е.М. Фентисов и А.П. Лепетухин. После института по распределению прибыл в посёлок Чумикан, где и начался его творческий путь.

Особый период творчества художника связан с объединением группы «Пять», куда помимо самого Владимира Павловича входили художники Геннадий Арапов, Игорь Шабалин, Андрей Паукаев и Игорь Кравчук. Этих мастеров объединяла страсть к работе, бесконечная практика на пленэрах и нежелание останавливаться на достигнутом. Несмотря на различие живописных манер, каждый из художников ощущал единство в их общем творческом процессе.

Владимира Павловича принято называть мастером камерного городского пейзажа. Действительно, его Хабаровск – это Хабаровск, пронизанный личным отношением художника к городу, его воспоминаниями об этом месте и собственными впечатлениями, а ещё его Хабаровск – это город постоянства, имеющий в работах художника единое лицо. Пейзажи, написанные им во время путешествий, напротив, показывают различную гамму впечатлений.

Особое место в творчестве Владимира Павловича занимает тема коренных народов. Новые работы художника, изображённые с особой теплотой и лишённые показного пафоса, они охотно выступают перед зрителями в мини-сценках, где позволяют себе быть весьма непринуждёнными, из-за чего становятся похожи на героев комиксов или мультфильмов, однако подобная «массово-популярная» трактовка лишь больше приближает их к темам интереса современного зрителя. Сам Владимир Павлович как-то сказал: «Я считаю, в изобразительном искусстве два пути: талант и ремесло. В школе тебя научат рисовать правильно, академическое образование поможет тебе овладеть мастерством, и если Бог наградил тебя талантом — станешь художником, а если нет — будешь ремесленником, что тоже неплохо». Умение совмещать талант с понятными и приятными широкой аудитории темами сделало работы художника одними из самых востребованных у современного зрителя, не лишив их при этом особого, «хрустовского», обаяния.

Об этом художнике не принято много говорить. Бывший семинарист, приверженец академического подхода, поддерживающий авангард. Живописец, увлечённый жанровыми сценами, пейзажем и портретами. О Митрофане Семёновиче Фёдорове широкой публике известно не так много, однако, его творческие поиски, проходившие вдалеке от центра России уже после обучения в Императорской Академии художеств, роднили его с зачинателями русского авангарда.

Родился Митрофан Семёнович 30 мая 1870 года в семье священника в слободе Ситниково, хутор Пушкино. Глава семейства умер в 41 год, оставив супругу, 37-летнюю Анну Ивановну, вдовой с восемью детьми. Несмотря на трудности, связанные с потерей супруга, Анна Ивановна сумела каждому из детей дать образование в области духовенства. В 1891 году Митрофан Семёнович окончил Воронежскую духовную семинарию, где впервые стала проявляться его заинтересованность живописью. Уже под окончание семинарии он знакомится с художником Львом Григорьевичем Соловьёвым, которым искренне восхищался, а вскоре был принят в Воронежскую бесплатную рисовальную школу. Сан будущий художник не принял, поэтому работал учителем, отдавая свободное время рисованию с натуры. Учительство, как признавался сам Фёдоров, для него было подобно самоубийству, поэтому в 1894 году он отправляется в Петербург поступать в Императорскую Академию художеств, куда его принимают безоговорочно.

В Академии учителями Фёдорова становятся Илья Ефимович Репин по классу живописи и Василий Васильевич Матэ по классу гравюры по дереву и на меди. Дипломной работой Митрофана Семёновича стала картина «Юродивая», которая получила высокую оценку и впоследствии даже была куплена Академией художеств, после окончания которой художник отправляется на стажировку в Италию и Германию. В 1902 году по настоянию Академии художеств Митрофан Семёнович приезжает в Харьков вызволять из упадка Харьковское художественное училище, в котором он проработает до 1913 года. С 1925 по 1934 годы преподаёт в художественном институте Харькова. Здесь же Фёдоров войдёт в группу харьковских художников «Кольцо», которые будут близки в своих поисках группе «Бубновый валет». В 1934 году художник перебирается в Ленинград.

Был трижды женат. От первого брака имел троих детей, однако отношения супругов были сложными. Митрофан Семёнович, хоть и не имел сана, сохранил в себе голос священника. Ольга Елисеевна, первая супруга, была убеждённой атеисткой. После расставания, она вышла замуж за эсера и позже вместе с мужем и детьми эмигрировала в Италию. Своих детей Митрофан Семенович больше никогда не видел. Второй супругой художника была его студентка Нина Богородская, которой Митрофан Семёнович много дал в профессиональном смысле. Встав на ноги, Нина решила уйти от своего старшего супруга, забрав сына. Последней, третьей женой была оперная певица Зинаида Михайловна Синякова, на которой Фёдоров женился в 68 лет. Во время войны в результате прямого попадания бомбы в квартиру, где жили супруги, Зинаида Михайловна погибла. В общей разрухе и суматохе из квартиры пропали все картины художника, всё, что представляло хоть какую-то ценность, включая продуктовые карточки. Через месяц после гибели Зинаиды Михайловны в блокадном Ленинграде от голода умер и сам Митрофан Семёнович. Шёл декабрь 1941 года…

Сегодня мы расскажем о художнике, чьё полотно стало визитной карточкой Дальневосточного художественного музея. Работа, принадлежащая кисти этого мастера, выбрана нами не случайно. Новатор, искатель и созидатель, художник, стремившийся привнести новые грани ощущения предметного мира в классические виды живописи, Давид Петрович Штеренберг, не слыл творцом, в чьих творческих задачах стояло бы «сбросить мастеров прошлого с корабля современности». Он непреклонно стремился сохранять наследие тех, кто формировал искусство до него, но при этом находить что-то новое.

Родился Давид Петрович в 1881 году в Житомире в еврейской семье. С детства любил рисовать, и в пятнадцать лет его работы послали в Императорскую Академию художеств, где в поступлении ему всё-таки отказали. В двадцать лет начинает брать частные уроки рисования и становится учеником фотографа в Одессе. Позже увлекся революционными идеями, что привело его в Бунд, еврейскую социалистическую партию. По этой причине он был вынужден эмигрировать в Вену в 1906 году. С 1907 по 1917 годы жил в Париже. Там он занимался фототипией и учился живописи сначала в Школе изящных искусств, а затем в академии Витти, где ему преподавали Анри Мартен, Кес ван Донген и Эрменхильдо Англада, которые считали его одним из самых талантливых учеников и даже предложили не брать с него плату за обучение. Вместе с женой и маленькой дочерью Штеренберг поселился в знаменитом «Ля Рюш» («Улье»). Это было причудливое здание, построенное скульптором Альфредом Буше на Монмартре. В это время здесь жили многие в будущем известные художники: Амадео Модильяни, Хаим Сутин, Марк Шагал.

Первые работы Давида Петровича Штеренберга – пейзажи и особенно натюрморты, написанные в 1908-1910 годах, свидетельствуют о том, что художник стремился к необычным, иногда парадоксальным живописно-пространственным решениям.

С 1912 года Давид Петрович начинает принимать участие в экспозициях Парижского салона, а примкнув к Салону Независимых, Штеренберг сближается с другими художниками парижской школы, в числе которых были Жак Липшиц, Моисей Кислинг, Диего Ривера и Марк Шагал. В Париже того времени среди постимпрессионистов были символисты, аналитики, фовисты, всех покорила посмертная выставка Сезанна, все пробовали понять кубические работы Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Штеренберг не стал исключением, однако свой собственный узнаваемый стиль у него выработается только к концу пребывания в Париже.

После Октябрьской революции 1917 года Давид Петрович возвращается в Россию. Знакомый с парижским творчеством Штеренберга, Анатолий Васильевич Луначарский назначает его заведующим Отделом ИЗО Наркомпроса. Будучи участником различных авангардных выставок и объединений, Штеренберг тем не менее отказывается вступить в ЛЕФ, у истоков которого стоял Владимир Владимирович Маяковский. Сама мысль об исключительной утилитарности искусства претила Давиду Петровичу. По этой причине в 1925 году он основывает Общество станковистов, руководителем которого и становится.

Не смотря на такое рвение в сохранении классических задач искусства, Давид Петрович стремился в своих исканиях по-новому отобразить предметный мир. Его творческие поиски прошли через постимпрессионизм, вывели его к футуризму, а позже – к кубизму. Его натюрморты намеренно плоскостны, аскетичны и малопредметны, а на первый план выходит рельеф и фактура: глянцевая у посуды, шероховатая у хлеба, гладкая, но с некоторыми неровностями у лакированного подноса и т.д. При этом одни предметы будто выступают над поверхностью холста. Таким образом, в его творчестве достигает апогея тактильность. Но именно она стала причиной, по которой в 40-е годы художника обвинят в формализме, что тяжело отразится на его моральном состоянии. Этот кризис даст ему вдохновение для новых драматических и духовных поисков, однако перерасти во что-то большее, им будет уже не суждено…

Давид Петрович Штеренберг ушёл из жизни 1 мая 1948 года.

Художник, о котором сегодня пойдёт речь, пронёс через своё творчество тему Великой Отечественной войны. Именно ей посвящены его первые крупные работы. На суд зрителей в своё время были представлены полотна «Двадцать второе июня», «В годы войны», «В тайгу к партизанам», «Мать», «О днях минувших». В 1943 году он участвует в межобластной выставке в Иркутске работой «Маршалы». Молодого художника, которому в тот год исполнилось 26 лет, звали Даниил Семёнович Шофман. В мире искусства, однако, он не был новичком: художник принимал участие во всесоюзных, республиканских, зональных и краевых выставках с 1939 года.
Творчество Даниила Семёновича Шофмана можно условно разделить на три периода. Первый период непосредственно связан с его военными впечатлениями: в феврале 1942 года он был призван в Советскую Армию и отправлен на фронт командиром минометного расчёта. Наблюдаемое художником каждодневное преодоление тягот войны, всех её ужасов стало для Даниила Семёновича доказательством смелости и подвига Советского солдата.
Был награжден медалью «За победу над Германией».
После войны художник вернулся в Хабаровск, в котором проживал с 1935 года и где до войны работал в рекламном бюро. Сюда он переехал из Витебска, где окончил художественный техникум.
В 60-е годы началась пора новых, уже созерцательных впечатлений, которые откроют зрителю лирический талант автора. В это время Даниил Семёнович предпринимает ряд поездок на Курильские и Командорские острова, Охотское побережье, Сахалин и Камчатку. Результатом этих поездок стали замечательные пейзажи. После патриотической, военной тематики они позволят по-новому взглянуть на творчество Даниила Семёновича Шофмана. Именно поэтому сегодня мы представляем его работу «У Курильских берегов», написанную в 1961 году.
В третьем периоде, уже в 70-е годы, художник вновь возвращается к теме ВОВ работой «Минута молчания», а так же он создаёт портрет «Мать Героя Советского Союза Е. Дикопольцева». Привязанность автора к теме, его неизменный пиетет перед подвигом советских людей послужили причиной, по которой его работы заказывались для домов культур и клубов. После их упадка эти работы были безвозвратно потеряны или испорчены. Перестройка и декоммунизация слишком сильно изменили взгляды на досуговые центры, которыми в советское время были клубы и дома культуры. То, что не было превращено в площадки для «джинсовых дискотек», поддалось всеобщему запустенью и безразличию. Но всё же творчество Даниила Семёновича сохранилось для потомков, поэтому сегодня мы можем сполна оценить весь талант автора.
Ушёл из жизни Даниил Семёнович в 1976 году.

Василия Григорьевича Шешунова называют первым профессиональным художником г. Никольск-Уссурийска (ныне г. Уссурийск). Его увлечённость красотой родного края, которую ещё с юношеских лет проявлял будущий художник, на всю жизнь определила его в разряд самобытных и незаурядных пейзажистов.

Родился Василий Григорьевич Шешунов в г. Иркутске 20 марта 1866 года. Его отцом был чиновник Главного управления Восточной Сибири. Постоянно занятой и находящийся в командировках отец семейства не мог уделять должного внимания детям. Когда мальчику ещё не исполнилось и 4 лет, умирает мать. Сложное материальное положение семьи не позволило Василию Григорьевичу получить законченное среднее образование. Однако желание заниматься рисованием оказалось настолько сильным, что он поступает на работу в Иркутский городской театр и в художественную мастерскую при Иннокентьевском монастыре, где начинает самостоятельно изучать живопись. Через какое-то время молодому художнику удаётся получить стипендию известного иркутского мецената Иннокентия Михайловича Сибирякова и поступить вольнослушателем в Императорскую Академию художеств. Там его учителями становятся выдающиеся мастера пейзажа — Иван Иванович Шишкин и Архип Иванович Куинджи, отмечавшие незаурядный талант Василия Григорьевича. Но уже в 1895 году художник выбывает из Академии из-за недостатка финансовых средств.

В 1900 году он прибывает в Благовещенск, с которого и начинается его педагогическая деятельность на Дальнем Востоке. Здесь он состоял преподавателем рисования в городском трёхклассном ремесленном училище. В 1906 году он переезжает в город Никольск-Уссурийский, где преподавал рисование в ремесленном и реальном училищах, а с 1912 года и до конца своей жизни служил в женской учительской семинарии. Попутно преподавал рисование в корейской учительской семинарии и состоял преподавателем искусств в местном художественном училище.

Всё свое свободное время Василий Григорьевич Шешунов посвящал искусству. С наступлением каникул в учебных заведениях он отправлялся на этюды в Уссурийскую тайгу. Работы художника раскрывают его любовь и трепетное отношение к природе. Он оставил богатое творческое наследие, более 1500 художественных произведений, среди которых самое значительное место занимали именно этюды — в них талант художника раскрылся наиболее полно.

Во время Гражданской войны художник был вынужден устроиться сторожем дровяных складов – задержки жалованья за учительство стали крайне частым явлением, денег не хватало даже на еду. В одну из зим Василий Григорьевич простудился и от болезни оправиться уже не смог.

Скончался художник под новый год, 31 декабря 1921 года.

Обращение современных художников к теме войны, как правило, происходит в концептуальном русле. В таких работах война перестаёт быть конкретным событием: она предстаёт обобщённой идеей зла, суть которого раскрывается художниками через метафоры. Действие персонажей на подобном полотне теряет очевидную сюжетность. Вместо этого весь изобразительный ряд распадается на множество концептов, как, например, на нашей сегодняшней работе – наивные дети, увлечённо играющие в войну, но не знающие её настоящих ужасов, и в этих же детях угадываются обезличенные стороны любого конфликта, так же увлечённые войной, но не состоявшиеся в созидательных порывах… Восприятие усложняется центральной фигурой старика, соотношением цвета игрушечных ружей и конструктора, лежащего на полу, общей цветовой гаммой. Подобные приёмы создают множество путей для понимания произведения искусства и подключения к его контексту зрительского опыта.

Недаром Говоркова Ивана Владиславовича называют художником интеллектуальным, «склонным к содержательно-выразительным парадоксам». Поле его деятельности необычайно широко: живопись, графика, скульптура, инсталляции, цифровое искусство.

В настоящее время Иван Владиславович преподает на кафедре рисунка в  Санкт-Петербургском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина, который сам закончил в 1967 году, отучившись в мастерской монументального искусства профессора Андрея Андреевича Мыльникова, советского и российского живописца, академика АХ СССР.

Родился Иван Владиславович Говорков 20 июня 1949 года в Ленинграде. Первую серьёзную художественную подготовку получил в художественной школе им. Иогансона. Закончив Санкт-Петербургский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина, работал в творческой мастерской А.А. Мыльникова, оттачивая своё мастерство.

Сильная академическая база не мешает художнику заниматься искусством актуальным, нет никакого пресловутого отторжения «старого». Концептуальное направление для художника так же важно, как академический рисунок и в своих многочисленных интервью Иван Владиславович отмечает, что нет никакой разницы между обучением классической живописи и медиа-арту: «Учиться цифровой графике или учиться рисовать, как в старой доброй академии, — карандаш, планшет и голова Давида, — это, на самом деле, одно и то же».

С 1978 года – член Ленинградской организации Союза художников РСФСР. С 1993 г. – член Санкт-Петербургского творческого союза (IFA) и Международной Федерации Художников UNESCO. Участник многочисленных выставок в России, Германии, Франции, Финляндии, Бельгии, Голландии, Дании.

За свою короткую жизнь – всего 30 лет – этот художник успел стать основателем целого жанра – историко-бытового. Те 11 лет из этих 30, которые художник провёл, отдаваясь историческим зарисовкам, стали монументальным началом новейшей русской исторической живописи.

Вячеслав Григорьевич Шварц, ещё будучи ребёнком, слыл способным учеником. Родился 22 сентября 1838 года. До 8 лет жил на Кавказе, где служил его отец. Там художник делает самые первые пробы пера в рисунке. Переехав с матерью в Москву, продолжает обучение под руководством бывшего ученика Московской рисовальной школы С. Щёголева. Когда мальчику исполнилось 9 лет, родители определили его в воспитанники Императорского Александровского Лицея (бывшего Царскосельского) в Санкт-Петербурге. Там его наставниками будут Александр Алексеевич Василевский, портретист и исторический живописец, под крылом которого Вячеслав Григорьевич сделает большие успехи и Арсений Иванович Мещерский, с которым Шварц впервые начал пробовать живопись масляными красками.

После лицея начинает заниматься в Академии Художеств в числе учеников заслуженного профессора батальной живописи Богдана Павловича Виллевальде и почти одновременно – в Петербургский Университет, где не на шутку увлекается лекциями историка, публициста, профессора Николая Ивановича Костомарова. Так воедино сплетаются две страсти Вячеслава Григорьевича – история и живопись.

На своём полотне «Схимник» художник изображает монаха-старца, человека, принявшего Великую схиму – торжественную клятву православных монахов соблюдать особо строгие аскетические правила поведения. Мы видим, что он облачён в одеяния, носить которые мог только прошедший постриг в Великую схиму. В первоначальном значении схимой и называется монашеское облачение. Особое внимание вызывает куколь – остроконечная шапочка с крестами – сразу выдающая в образе именно схимника.

Великая схима как клятва предполагает совершеннейшее отчуждение от мира для соединения с Богом. У схимников нет послушаний, кроме служения литургии и духовничества. Зачастую, не имею возможности жить настоящим отшельником в пустыне, схимники вместо отшельничества давали обет вселения в затвор. Именно такого затворника мы и видим на полотне. Дневной свет, попадающий в пространство избы через высокое окно из мира, уже не принадлежащего схимнику, более не в силах искусить его покинуть затвор, воспринимаемый им гробом, ведь именно умерев для всего остального мира, схимник остаётся наедине с Богом в своих молитвах.

Его называли русским Леоном Бонна, его картина производили неизгладимое впечатление на монархов, а Иван Сергеевич Тургенев, портрет которого так же принадлежал кисти мастера, пророчил этому художнику грандиозное будущее. Но тем печальнее осознание, что к концу своей жизни этот талантливый художник был почти забыт…

Алексей Алексеевич Харламов родился в семье крепостных крестьян 18 октября 1840 года и был седьмым ребёнком в семье. Проданный вместе с родителями другой помещице и разлучённый со своими братьями и сёстрами, он получает вольную в 1850 году и в 12 лет начинает брать уроки рисования у вольнослушателя Академии художеств Владимира Яковлевича Афанасьева, а в 1854 году поступает в Императорскую Академию художеств. Там его учителем становится Алексей Тарасович Маркова, заслуженный профессор живописи и представитель позднего классицизма.

После выпуска из Академии много путешествует по Европе, живёт некоторое время в Париже. В 1872 году Алексей Алексеевич Харламов вступает в Товарищество передвижных художественных выставок, экспонентом которых он будет теперь каждый год. В конце 1872 года Алексей Алексеевич возвращается в Париж, где поступает в ателье модного французского художника Леона Бонна, умевшего удовлетворять буржуазные вкусы своим механическим мастерством. Современники отзывались о Бонна, как о превосходном, однообразном и тривиальном художнике. Харламов, имевший в своих учителях классициста Маркова, а в послужном списке – копию картины Рембрандта «Урок анатомии доктора Тульпа», без остатка отдаётся влиянию Бонна, в работах которого он видит любимых им испанских и итальянских мастеров старой школы, но поданных с близкой салонному времени внешней утончённостью.

Именно эта утончённость пришлась по вкусу супругам Виардо – Луи и Полины, ставшими его постоянными заказчиками и протекторами. Буквально за один год – 1875 – художник делает головокружительную карьеру, вернувшись под его завершение в Россию, где, однако, по замечанию современников Харламова «от картин требовалось гражданское служение», чуждое художнику, поэтому Алексей Алексеевич возвращается во Францию, уже навсегда.

Но и Франция оставалась верна своим вкусам не так долго – в отличие от самого Харламова, так и не сумевшего заметить тот судьбоносный для себя момент, когда внимание публики к его картинам стало стремительно снижаться.

Последние годы жизни Алексей Харламов провел в бедности и одиночестве.

Не стало Алексея Алексеевича Харламова 10 апреля 1925 года.

 

Имя Бориса Герасимовича Шахназарова хорошо знакомо дальневосточному зрителю. Созидательное настроение его полотен, притягательный колорит и любовь художника к изображению простых, лишённых пафоса вещей снискали ему любовь ценителей искусства.

Борис Герасимович Шахназаров родился 29 декабря 1905 года в г. Карсе в Армении. С 1926 по 1928 годы в Тифлисе занимался в художественной студии у профессора Моисея Ивановича Тоидзе, выпускника мастерской Ильи Ефимовича Репина. В 1927 году впервые участвовал в художественной выставке в г. Москве, на выставке студийцев. В 1928 году поступил в Тифлисскую Академию художеств, а затем – в 1933 году – во Всероссийскую Академию художеств г. Ленинграде. В Академии вместе с ним учились знаменитые теперь классики советской живописи: Сергей Михайлович Грицай, Александр Иванович Лактионов, Борис Валентинович Щербаков. По окончании Академии работал в Таджикистане в городе Сталинабаде, нынешний Душанбе.

В 1941 году Борис Герасимович добровольцем уходит на фронт и уже совсем скоро становится участником боёв под Москвой. После войны и тяжёлого ранения уезжает на Сахалин, северная природа которого потрясла художника южных кровей удивительной гармонией, ощущением покоя и вечности. Даже ощущаемая многими художниками суровость этого края не оттолкнула Бориса Герасимовича и не омрачила его колорит.

В 50-е годы Сахалинская организация Союза художников была объединена с художниками Хабаровска, Владивостока, Камчатки, Якутска в региональный Союз художников Дальнего Востока. В 1962 году художник перебирается в Хабаровск.

Как фронтовик, Борис Герасимович ценил радость в простом и привычном, что даруется человеку независимо от него. В пейзажах и натюрмортах художника неизменно присутствует «прекрасность» изображённых предметов и явлений. Будучи филигранным колористом Борис Герасимович создаёт великолепные по своей цветовой наполненности картины, где каждый оттенок помогает воплощать суть изображённых вещей: сочных фруктов, спелых овощей, пахнущей копчёной рыбы… Обыденные вещи на его полотнах  становятся необычайно притягательными.

В 1984 году за заслуги в области изобразительного искусства Борису Герасимовичу Шахназарову присвоено почетное звание «Заслуженный художник РСФСР».

Ушёл из жизни Борис Герасимович в 1993 году.

Русский живописец Григорий (Егор) Андреевич Ознобишин родился в 1837 году. Биографические данные о художнике очень скудные, место и точная дата рождения, а также смерти неизвестны.

Первое художественное образование Ознобишин получил в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1854—1857), по окончании получив звание учителя рисования в городских училищах. Затем, переехав в Петербург, на пять лет стал вольноприходящим учеником Императорской Академии художеств (1858—1863).

 В Академии начинающий художник занимался и жанровой живописью, и пейзажем, который осваивал под руководством М.Н. Воробьева и А.П. Боголюбова.

В 1858 г. им было написано полотно «Молебен у раки прп. Сергия и Германа в присутствии императора Александра II и его семьи 28 июня 1858 года», посвященное посещению членами царской семьи святых мощей преподобных Валаамских Чудотворцев Сергия и Германа в Спасо–Преображенском соборе на острове Валаам.

За пейзажные работы отмечался малой (в 1859 г.) и большой (в 1862 г.) серебряными медалями.

А 1863 году за четыре представленные работы (“Вокзал минеральных вод в Солигаличе”, “Группа дубов”, “Водяная мельница” и “Охотник, застигнутый бурей”) Г.А.Ознобишин получил звание классного художника второй степени.

Григория Андреевича Ознобишина, как и многих других художников-реалистов второй половины XIX века интересовала жизнь русской деревни, но не идеализированная и приукрашенная, а настоящая, с показом заброшенных уголков огромной страны, общим настроением уныния и беспросветности.

Полотно Ознобишина «Деревня», созданная в 70-е годы XIX века, поступила в музей в 1931 году из Государственной Третьяковской галереи. Эта работа является одним из наиболее реалистических изображений русской глубинки.

С большим вниманием художником подмечены черты убогой, неказистой деревеньки.  Он изображает узкую улицу на окраине, избу с полуразвалившейся крышей, накрытой досками с неровными и скрошившимися краями. Образ бредущей по дороге коровы на первом плане картины вносит элемент щемящей тоски, одиночества, ненужности.  Его усиливает одинокое дерево с полуоблетевшей листвой, голые ветки которого выделяются на фоне осеннего неба.  В глубине картины, у избы мы видим несколько человеческих фигур, указывающих, что жизнь в деревне продолжается.  Простоте мотива соответствует сдержанность колорита – серые дождевые облака, коричнево-ржавая жухлая солома, потемневшие срубы построек.

 

 

Помимо живописи Григорий Андреевич занимался преподавательской и общественной деятельностью, являясь членом Российской Императорской Академии художеств.

С 1866 года проживая на землях Войска Донского, Ознобишин собирал материалы по истории донского казачества, археологии и этнографии.

Его труд – альбом донских видов, созданный в 1875 году для Академии художеств, – стал бесценным документом, единственным источником, сохранившим облик казачьей архитектуры XVIII века. В альбоме − десятки рисунков акварелью и сепией, изображения памятников архитектуры, этнографические коллекции.

В 1869 году такой альбом был подарен цесаревичу − будущему императору Александру III. Художнику вручили ценный подарок, денежное пособие и предложили продолжить начатую работу по собиранию раритетов. С 1875 года художник провел большую работу по подготовке рисунков из истории донского казачества для будущего Донского музея, который был основан в 1899 году в Новочеркасске по инициативе художника.

Последний раз живописец участвовал в Академической выставке в 1879 году, когда экспонировал два пейзажа: «После дождя» и «Старый мост». 

 

 

Он любил этюдность (письмо непосредственно с натуры) то, что живо передаёт сиюминутное состояние природы. Как написать ускользающий, словно тающий во времени момент? Завораживает лёгкость и вибрация его живописи. Блестящий колорист, он словно лепил образы свободными, красочными мазками, создавая «зыбкую гармонию» изображённого момента, ощущение того, что всё мгновенно может измениться, утверждая солнечный свет, как источник благодати и красоты. Сначала кропотливо подготавливая замесы краски на палитре, потом быстро, работая пастозно и свободно, переносил уже готовую в его воображении картину, звучащую словно музыка, на холст.

Выпускник Московского училища живописи, ваяния и зодчества, ученик А. Саврасова, В. Поленова, В. Перова, Константин Алексеевич Коровин (1861 – 1939) с 1887 года неоднократно ездил в Париж, где познакомился с импрессионизмом. Этот город занял значительное место в его творчестве и жизни. В 1922 году по совету А. Луначарского он выехал во Францию и в Париже жил уже до конца своих дней.

В «Заметках об искусстве» Коровин писал: «Пейзаж не писать (без) цели, если он только красив –  в нём должна быть история души. Он должен быть звуком, отвечающим сердечным чувствам».

Константин Коровин многими любимый и не только, как русский живописец импрессионист, но и как литератор, автор заметок об искусстве, воспоминаний о своём времени и современниках. 

На фото:

  1. Вечер. Последние лучи. 1916 г.
  2. Портрет художницы Марии Васильевны Якунчиковой (1870-1902). 1888 г.

Работы поступили из ГТГ  в 1931 г.

Александр Александрович Осмёркин (1892 – 1953).

Русский, советский художник, участник группы «Бубновый валет». Педагог, профессор живописи и руководитель мастерской в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина.

Учился у художника-передвижника Козачинского, позднее – у одного из основателей «Бубнового валета» Ильи Машкова.  С 1914 года участвовал в авангардистских выставках «Бубнового валета», вместе с другими художниками, следовавшими изобразительным принципам Сезанна. В это время в круг знакомых Осмёркина вошли Есенин, Мандельштам, Ахматова, Кончаловский, Лентулов. С  1918 г. в возрасте 26 лет художник начал свою педагогическую деятельность.

Как педагог работал вплоть до конца 1940-х, когда Александра Осмёркина обвинили в пропаганде западных веяний, тогда он не мог больше преподавать.

В картинах Осмёркина присутствовал как дух эпохи, так и личное настроение художника. Язык живописи – искренен и раскрепощён. Сегодня его картины находятся во многих музеях и коллекциях России и мира. Работа, хранящаяся в собрании ДВХМ, городской пейзаж 1936 года. Александр Дейнека называл художника человеком «абсолютного живописного слуха». В г. Кировоград открыт Художественно-мемориальный музей А.А. Осмёркина.

На фото:

Осмёркин А.А. Ленинград. Фонтанка. 1936 г.

 

«Молодой, сильный, всего пять лет живший как художник, достигший высоты громадной… он открыл живое небо, он открыл мокрое, светлое, движущее небо и те прелести пейзажа, которые он выразил в сотне своих картин…»

Эти слова были сказаны Николаем Ге о Федоре Александровиче Васильеве.

Родился Федор Александрович в Гатчине близ Петербурга в 1850 году. Материальное положение семьи было таково, что будущий живописец вынужден был самостоятельно зарабатывать с двенадцати лет. Путь художника он избрал довольно рано и уже с 15 устроился на работу к реставратору Академии художеств П.К. Соколову. Поступив в 1865 году в Вечернюю рисовальную школу, позволявшую совмещать занятия с заработком, Васильев начинает свое художественное образование.

Творческое и духовное развитие Васильева шло так стремительно, словно он знал наперед, что судьба отпустила ему слишком мало времени и нужно успеть сделать как можно больше, не упустить из своего внимания и памяти ни одного мига. Окружающие поражались его феноменальной одаренности. Она проявлялась в быстроте и легкости, с которой воспринимались им профессиональные навыки. Несомненный талант признавали за ним все современники: и художники, и критики. Перед его холстом, особенно когда он писал или переписывал облака, в изумлении останавливались и Крамской, и Репин. В его пейзажах всегда присутствует живое волнение художника, влюбленного в красоту природы.

Федор Васильев был величайшим живописцем неба и небесных вод, омытой дождями природы, обыденной и естественной, как она есть, проблескивающих из-за туч лучиков солнца, дающих свет и тепло. Художнику удавалось тонко и проникновенно передавать переходные состояния природы, неустойчивые, полные внутреннего напряжения и движения.

Умер художник от чахотки в 1873 году, ему было всего 23 года.

Этюд художника «Грозовые облака», 1868г.-1871г., был передан в Дальневосточный художественный музей в 1931г. из Государственной Третьяковской Галереи. 

 

Мина Чичерина 1940 – 2016 гг.

 

Ощущение дуновения ветра, запах цветов, тепло солнечного света, чувство счастья или безысходности, необъятность мира и свои переживания могут дать новый сюжет в творчестве.

Для Мины Чичериной эти ощущения были очень важны в поиске своего пути в искусстве. Бесконечные «пробы» новых форм выражения, выражения своих представлений о людях, истории, странах, наконец, Мире.

Человек сложной судьбы и невероятно трудного характера, она получила несколько мощных впечатлений, — это ее собственная судьба, ее знакомство с искусством Прибалтики 60-х гг. и, что особенно важно, — с личностью своего учителя — Е. Е. Моисеенко.

Мина родилась в одной из колоний в Карагандинской области Казахстана в 1940 г. и, как многие дети репрессированных, была сразу же разлучена с родителями и отправлена в детский дом. Оттуда начался долгий и сложный путь в нахождении и ощущении себя в этом большом мире. Можно лишь представить характер и силу возможных переживаний в этом пути, особенно, если человек изначально, от природы «одарен» какой-то, почти мистической восприимчивостью.

Мина принадлежала к тому кругу школы  шестидесятников, для которых мелочная детализация была не приемлема, форма рождалась в мощных сопряжениях цветовых аккордов, в резких контрастах теплого и холодного, света и тени. Уроки не только любимого учителя, но шире — П. Пикассо, П. Сезанна, Ван Гога и др. можно усмотреть в работах Чичериной тех лет. Четыре, реже пять цветов исчерпывали колорит ее палитры. И почти всегда в них присутствовал зеленый (почти изумрудный), желтый и красный. Иногда она строила работу на одном цвете, используя его широкую тональную гамму.

С середины 90-х годов ее индивидуальная манера все заметнее претерпевает изменения в сторону абстракции, в композициях с трудом улавливаются конкретные предметы «мчащегося» города: строения, колонны, машины, деревья. Эти работы — ощущения, которыми буквально переполнена Мина, это — непрекращающиеся фантазии, рожденные новыми впечатлениями.

Сегодня в рамках рубрики «Записки о художниках» мы предлагаем познакомиться с творчеством ныне почти забытого живописца и графика, иллюстратора книг и художника театра Михаила Николаевича Яковлева (14 декабря 1880 года, г. Михайлов – 15 мая 1942, г. Тбилиси).

Происходил Михаил Яковлев из крестьянской старообрядческой семьи. Художественное образование получал в нескольких художественных училищах: в Московском Строгановском Центральном училище технического рисования, затем в Пензенском художественном училище имени Н.Д. Селиверстова; завершил своё обучение в 1901 г. в Санкт-Петербурге, в Рисовальной школе княгини М.К. Тенишевой, где его преподавателями были И. Е. Репин и Д. А. Щербиновский.

В период с 1905 по 1906 годы Михаил Яковлев сотрудничал как иллюстратор с сатирическими журналами “Маски”, “Шершень” и “Зритель”.

В 1908 г. участвовал в выставке «Венок», организованной в Петербурге С. К. Маковским; в 1909 г. становится экспонентом выставок «Союза русских художников», а с 1911 г. – членом этого художественного объединения. В 1909 году работу живописца «Кукла» для своей галереи приобрел Павел Третьяков. Яковлев оформлял спектакли в петербургском театре «Кривое зеркало», а в 1911 г.  получил приглашение о работе в Большом театре от самого Константина Коровина.

Произведения мастера, выполненные в разное время, отражают смену художественных ориентиров в русском искусстве начала века. В раннем творчестве был близок к символизму, не остался в стороне от художественных исканий авангардистов. Еще до эмиграции Михаил Яковлев увлекся исследованием цвета и света в произведениях, а попав в 1923 году во Францию, продолжил свои поиски, восприняв наследие импрессионистического искусства.  14 лет, проведенные в Европе, были очень плодотворными. Писал сюжетные картины и пейзажи, но любовь публики ему снискали многочисленные натюрморты.  С 1926 года Яковлев выставлялся в парижском салоне Независимых. Выступал на триеннале бельгийского искусства в Льеже. Провел персональные выставки в Гааге, Генте, Брюсселе и Антверпене.

В 1937 г. художник работал над оформлением советского посольства в Париже. В том же году возвратился в СССР и поселился в Москве. С началом войны эвакуировался в Тбилиси. Именно в это тревожное военное временя была создана акварельная работа «Натюрморт. Цветы», поступившая в ДВХМ в 1946 г. 

На нейтральном светло-сером фоне во всю ширину листа букет цветов в фарфоровом белом кувшине на блюдечке. Возле на столе – яркие гладкие яблоки и айва.

Изящность и хрупкость нежно-розовых и белых роз оттеняется сочной зеленью листьев, а яркость солнечных хризантем перекликается со спелыми оттенками желтых и красных плодов. Мы словно ощущаем душисто-сладкий медовый запах спелых южных яблок и тонкий горьковатый аромат осенних цветов. Изображая «тихую жизнь вещей», художник заставляет зрителей вспомнить о теплом и уютном доме, о мирной и спокойной жизни, в которой нет места войне, голоду и смерти.

Настроение картины словно перекликается с поэтическими строчками стихотворения «Яблоки» Вероники Тушновой:

«…Как на друзей забытых, я глядела

на яблоки, склоняясь над столом,

и трогала упругое их тело,

пронизанное светом и теплом.

И целовала шелковую кожу,

и свежий запах медленно пила.

Их желтизна, казалось мне, похожа

на солнечные зайчики была.

В ту ночь мне снилось: я живу у моря.

Над морем зной. На свете нет войны.

И сад шумит. И шуму сада вторит

ленивое шуршание волны….»

Когда речь заходит о Витольде Каэтановиче Бялыницком-Бируле обычно останавливают своё внимание на том, что этот с детства одарённый художник являлся продолжателем традиций русского лирического пейзажа XIX в. Ученик Сергея Алексеевича Коровина, Василия Дмитриевича Поленова и Иллариона Михайловича Прянишникова. Именно  по совету последнего Витольд Каэтанович и поступил к ним на курс в Московское училище живописи, ваяния и зодчества сразу после Киевской рисовальной школы Николая Ивановича Мурашко, человека в чём-то близкого идеалам передвижников, чья рисовальная школа дала пропуск в профессионалы многим художникам, среди которых был и будущий пейзажист Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля.

Родился художник в Могилевской губернии, в Белоруссии в 1872 году. Отец служил в днепровском пароходстве и часто брал сына в плавание по Днепру, Припяти и Сожу. Именно из детства вынес юный Витольд понимание той особой жизни, которой живет природа. Мальчик очень рано начал рисовать, воплощая всё увиденное им в своих рисунках.

В Москве работал в мастерской Исаака Ильича Левитана, проникнувшись к нему глубочайшим уважением. В будущем даже свой дом с мастерской художник построит недалеко от тех мест, где часто работал Левитан.

Вскоре молодой художник обратил на себя внимание Павла Михайловича Третьякова, который с выставки в 1892 году купил его картину «Из окрестностей Пятигорска». С 1897 года Бялыницкий-Бируля постоянно экспонируется на выставках, в 1904 году его избирают членом Товарищества передвижников, а уже через четыре года он удостаивается звания академика живописи. В 1917 году Витольд Каэтанович организовал художественную школу для крестьянских детей. В живописи продолжает развивать традиции «русского импрессионизма», не отступая от своей преданности пейзажу. После 1917 года он продолжает развивать традиции русского лирического пейзажа конца XIX века, становится одним из создателей жанра мемориального пейзажа – уникального явления советской живописи, становление которого пришлось на 30-е годы XX столетия и ознаменовавшего собой потребность в сакрализации памятных мест потерянной в первое десятилетия Октябрьской революции «старой России».

Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля вошел в историю русского, советского и белорусского искусства как тонкий и поэтичный пейзажист.

Ушёл из жизни 18 июня 1957 года на своей даче «Чайка

После посещения выставки нашего сегодняшнего героя известный художник Михаил Васильевич Нестеров восхищённо писал ему: «Глядя на Ваши картины, этюды, рисунки, чувствуешь, что Вы родились юным и сохранили этот чудесный дар до сих пор».

Такое сильное впечатление произвела на Михаила Васильевича выставка художника, который мог целыми днями бродить по лесам и лугам, часами сидеть у воды, наблюдая за утками или подолгу следить за пушистой белкой, которая позже даже появится на его автопортрете…

Действительно, Аркадий Александрович Рылов, автор хрестоматийной работы «В голубом просторе», которой советские школьники посвятили не одну строку в своих сочинениях, был влюблён в природу с детства. Родился будущий певец русской природы 17 января 1870 года. Семья жила в Вятке, на берегу широкой реки с таким же названием. Природа этого живописного края с необычайно разнообразным пейзажем покорила художника своей красотой.

В 1888 году он приехал в Петербург и по совету родственников поступил в Центральное училище технического рисования барона Александра Людвиговича Штиглица, где учился до 1891 года. Занимался у известного художника и педагога Константина Яковлевича Крыжицкого. Параллельно Аркадий Александрович занимался в Рисовальной школе при Обществе поощрения художеств.

В 1893 году Рылов поступил в Санкт-Петербургскую Императорскую Академию художеств, а еще через год его пригласил к себе в мастерскую Архип Иванович Куинджи, мечта учиться у которого уже давно не оставляла художника. Аркадия Александровича можно смело назвать преданным последователем своего мастера. Он испытал на себе сильнейшее влияние не только творчества, но и личности своего наставника, об опеке которого над своими учениками, его великодушии ходили легенды.

Куинджи много внимания уделял работе на природе, которую считал самым первым и серьезным учителем живописца. Он учил искусству видеть, чувствовать, понимать природу. Аркадий Александрович навсегда сохранил привязанность к романтически приподнятым, целостным образам, эффектам освещения, декоративному пониманию цвета, но при этом точно следовал завету учителя как можно больше работать на натуре. Идеалы Архипа Ивановича художник пронесёт через всю жизнь и уже после смерти учителя на какое-то время возглавит «Общество художников имени А.И. Куинджи».

Умер Аркадий Александрович Рылов в Ленинграде 22 июня 1939 года.

«Неутомимый первопроходец, ищущий все живое, настоящее», – так вспоминают выпускники Якутского художественного училища Афанасия Николаевича Осипова, академика АХ СССР, Народного художника СССР, лауреата Государственной премии РСФСР им. И.Е. Репина и частого гостя ГАК в училище, где когда-то преподавал сам. Принимающий новое и не забывающий старых традиций, Афанасий Николаевич не проводил границ между поколениями, а, наоборот, старался сблизить их в своей живописи.
Родился Афанасий Николаевич 28 февраля 1928 года во II Эргитском наслеге (посёлок в административном делении  Якутской АССР) Горного улуса. В 1945 году окончил Якутский кооперативный техникум, получив профессию, не связанную с художественным творчеством. Через четыре года – в 1949 году — окончил Московскую среднюю художественную школу при институте им. В.И. Сурикова, а в 1955 году — Московский государственный институт им. В.И. Сурикова. Там одним из мастеров Осипова был советский, российский художник-живописец, график, Народный художник СССР, Фёдор Павлович Решетников, автор знаменитой живописной трилогии «Прибыл на каникулы» – «Опять двойка» – «Переэкзаменовка». От Решетникова Афанасий Николаевич унаследовал умение видеть радостное и привлекательное в простых жизненных ситуациях и событиях. Во всех тематических картинах живописца присутствует гуманизм, уважение к незаметным героям труда, людям крепким и суровым.
С 1955 года Афанасий Николаевич Осипов участвует в крупных всесоюзных, российских, зональных, региональных и зарубежных художественных выставках. С 1964 года дважды избирался членом Правления Союза художников СССР (1964—1968, 1977—1990).
Примечательно, что Афанасий Николаевич фактически является первым якутским действительным членом Российской Академии художеств. К его заслугам перед республикой так можно отнести тот факт, что художник является одним из соавторов Государственного Герба Республики Саха (Якутии).
После смерти  в 1983 году его первой супруги, Зинаиды Капитоновны, постоянными «персонажами» его живописи станут горы, вздымающиеся вершины; через них он даёт зрителю прочувствовать то, что так притягивает и чарует его самого. «Там, она всегда рядом…», – сказал как-то художник.
Не стало Афанасия Николаевича Осипова 11 сентября 2017 года.

Галина Ивановна Кабанова – это яркий пример живописца, способного тонко чувствовать историю и время, но не остающегося лишь сторонним наблюдателем. Коллеги Галины Ивановны отзываются о ней, в первую очередь, как об искреннем художнике, для которого за каждым событием кроется человеческое присутствие. Для художницы очень важны поиски своего места в жизни, а так же их соотнесённость с историей страны.

Родилась Галина Ивановна 12 декабря 1921 года в селе Анучино Приморского края. В 1939-1940 годах училась в Ленинградском художественном педагогическом училище, где одну из дисциплин – графику – преподавал Владимир Николаевич Левитский, ученик студии Ильи Ефимовича Репина, художественный редактор издательства «Свободное искусство», в том числе коллективной монографии «Николай Константинович Рерих», благодаря который потомки будут называть его первопроходцем среди издателей книг об искусстве. Чуткость в восприятии материала передадутся его ученице, Галине Ивановне Кабановой. В 1947 году она поступила в художественное училище г. Владивостока, которое закончила в 1950. Одним из преподавателей был прославленный советский плакатист, художник-график Сергей Павлович Ясенков, который и стал руководителем её дипломной работы: эскизов к оформлению оперы «Иван Сусанин» Михаила Ивановича Глинки.

Через год после окончания училища – в 1951 году – приехала в Хабаровск. Работала театральным художником Хабаровского краевого театра музыкальной комедии.

Одной из любопытных вех в биографии художницы можно считать поездки на Север, которые совсем не пугали художницу, а – наоборот – вызывали в ней искреннее любопытство. В её пейзажах неизменно возникает ощущение единства между природой и чувствами автора.

Заметным полотном стала работа «Ждут рыбаков» – мощное психологическое проникновение в состояние человека. Это полотно художница посвятила своему мужу Михаилу Евлампиевичу Сергиенко, погибшему в 27 лет. Они познакомились в художественном училище г. Владивостока и потом вместе приехали в Хабаровск.

Кабанова относится к художникам, творческий диапазон которых необычайно широк.  Галина Ивановна не разменивается на «салонность» или пресловутую «красивость» – искренность для неё важнее.

С 1951 года Галина Ивановна участник всесоюзных, республиканских, зональных и краевых выставок.

Евгений Михайлович Фентисов, художник-шестидесятник, чьё отношение к мировому искусству и своему месту в нём снискало ему среди коллег авторитет глубокого мыслителя и требовательного к себе графика. Часто страдал от того, что не смог, по его мнению, реализовать себя в полной мере в творчестве. Сомневающийся и ранимый, он глубоко переживал критику в свой адрес, но неизменно возвращался к мольберту в новых творческих поисках. Однако к своему зрителю Евгений Михайлович вышел поздно. Участие в выставках он начал принимать лишь с 1979 года. Требовательность художника к себе, его вечное стремление оставаться искренним и не преступать нравственных границ, и, уже как следствие, огромная ответственность перед теми, кто будет смотреть на его работы, заставляли его максимально критично относится к своим творчеству и навыкам.

Родился Евгений Михайлович 27 марта 1929 года в селе Пены Беловского района Курской области. В 1939 году его семья переехала в Хабаровск. В 1946 году поступил в Биробиджанское художественно-графическое педагогическое училище, где его учителями были Вениамин Львович Шкраб и Георгий Семёнович Ли Гирсу. В 1954 году, уже после армии, поступил на художественный факультет Всесоюзного государственного института кинематографии в Москве, где учился по специальности изобразительно-декорационное оформление фильма. Одним из его учителей во ВГИКе стал Юрий Иванович Пименов, художник-живописец, график, сценограф, плакатист, педагог, народный художник СССР. Дипломной работой Евгения Михайловича стали эскизы к фильму «Телеграмма» по мотивам одноимённой повести Константина Георгиевича Паустовского.

После окончания ВГИКа приехал в г. Хабаровск и поступил на службу на тогда ещё недавно организованный художественно-графический факультет педагогического института, на котором он проработал долгие годы и был безмерно уважаем студентами за его широту взглядов и эрудицию.

 

Первая персональная выставка художника прошла в 1979 году в Дальневосточном художественном музее. Позже был ещё ряд выставок, в том числе и в Японии: «Токио-тэн» (1991 год) и «Томиоко» (1992 год).

Не стало Евгения Михайловича в 1993 году.

Первый в этом году выпуск «Записок о художниках» посвящён двум мастерам, воплотившим в своём произведении, которое теперь хранится в ДВХМ, символ наступившего года – быка. Именно его два брата – Фациус Георг Зигмунд и Фациус Иоганн Готлиб – поместили в центре своего графического листа. Внизу мы можем видеть авторское название работы, расположившееся прямо под рисунком, что для графических произведений явление распространённое. Несмотря на то, что переводится оно как «Стадо коров», художники акцентируются именно на быке, размещая с левого края листа пастуха с овцой, бараном и ягнёнком.

Фациус Георг Зигмунд и Фациус Иоганн Готлиб – братья-близнецы, известные рисовальщики. Словарь Брокгауза и Ефрона характеризует их как «весьма уважаемых граверёв на меди пунктирной манерой». Подобная техника применялась для углублённой гравюры на металле, преимущественно меди. Известна с конца XV века, но распространение получила лишь в XVIII веке. Изображение в пунктирной манере создаётся мелкими углублениями в виде точек различной величины и глубины, наносимых специальными инструментами на поверхность пластины, либо на кислотоупорный грунт для последующего травления. Гравюры, исполненные в пунктирной манере, отличаются мягкостью и нежностью светотеневых градаций, а сама техника использовалась главным образом для цветного или черно-белого воспроизведения живописи, что и было для Фациусов одним из основных видов их творческой деятельности.

Родились братья в 1750 году в Регенсбурге, Германия, образование получили в Брюсселе. С 1776 года и до самой смерти работали в Лондоне. Георг Зигмунд также снискал славу талантливого картографа и живописца, а вот Иоганн Готлиб больше славился как непревзойдённый гравёр. Тем не менее, авторство тех или иных графических листов будет почти всегда принадлежать обоим братьям. Их отец Иоганн Фациус с 1765 года состоял на русской дипломатической службе; с 1767 года в Бонне, а с 1784 – в Брюсселе. Младший брат, известный композитор Иоганн Генрих Фациус, был любим в России и первый концерт в Москве дал в доме графини Анны Сергеевны Салтыковой, а с 1780 по 1805 годы был на службе в капелле, небольшом музыкальном ансамбле, у графа Петра Борисовича Шереметева.

Умерли художники в Лондоне: Иоганн Готлиб в 1802 году, а Георг Зигмунд – в 1814.

Новый выпуск записок будет необычен тем, что речь в нём пойдет о картине, автор которой до сих пор не установлен. В таких случаях принято говорить, что художник неизвестен. В истории искусства это явление достаточно распространённое. Зачастую творение переживает не только своего творца, но даже его имя.

Речь пойдёт о картине «Город зимой», написанной на деревянной доске. Зимний пейзаж узкой городской улочки выглядит атмосферно и, возможно, даже вызовет у кого-то ощущение уюта тем, насколько неспешной и размеренной кажется на нём жизнь горожан на фоне курящихся дымоходов домов. Работа с первого взгляда приковывает к себе наше внимание проработкой деталей. Однако художник закрывает от нас уходящую вдаль по перспективе улицу, ограничиваясь лишь одним планом, по-видимому, не знатного района. От другого района нас отделяют ворота, и мы лишь можем видеть крыши его домов, отлично демонстрирующих детали голландской архитектуры Нового времени.

До этого, в позднее Средневековье, в Голландии были распространены фахверковые дома – конструкции из вертикальных, горизонтальных и диагональных балок из крепкого дерева, пространство между которыми заполняли глинобитной смесью, кирпичом или деревом, а потом чаще всего сверху белили. Однако похожая техника была распространена и в других странах Западной Европы.

Голландский стиль, как самостоятельное направление в архитектуре, начал формироваться в конце XVI века. Поводом для его возникновения послужило освобождение северной части Нидерландов от испанского владычества. Жителей новообразованной Голландской республики стали формировать собственный стиль. Фасад здания в голландском стиле, как правило, не отличается большим размахом. При достаточно узкой лицевой части, дома обычно вытянуты в длину. На работе хорошо видно, что у домов остроугольная двускатная крыша, ставшая логичным решением при новом виде фасадов. У тех домов, что расположились в правой части картины торец крыши над фасадом – щипец – имеет ступенчатую форму, в то время как у фронтально изображённого дома слева фасад венчает щипец колоколообразной формы. Таким образом, мы можем смело заключить, что неизвестный художник запечатлевает фактически одну из основных черт голландской архитектуры Нового времени.

Норвежская живопись, пожалуй, не самый частый предмет для обсуждений в непрофессиональной среде любителей искусства. Посетители музеев от визита к визиту покоряются мастерством художников Италии, Германии, Нидерландов… Тем не менее, живопись, выходящая за рамки привычной хрестоматийной географии, способна удивлять не меньше.

Одним из самых значимых норвежских живописцев XIX столетия справедливо считают Фрица Таулова, сына простого аптекаря, внёсшего фундаментальную лепту в золотой фонд норвежского пейзажного искусства.

Ледяные зимние пейзажи, необъятное море, яркую осень и восхитительно прозрачные летние деньки, когда самый воздух, кажется, дрожит от зноя, можно видеть на его полотнах. Норвегия Таулова (ровно, как и Франция) проста, в ней нет вычурного колорита, а пейзажи не претендуют на эпичность видов. Однако изысканность художника, его умение поймать момент и работа со светом, в основном не ярким, служат примером тонкого вкуса этого живописца. Он любит жемчужно-серые, палевые, голубовато-зеленые тона. Его природа не декоративна, она естественна, при этом иногда можно встретить мнение о том, что Фриц Таулов скрывал в себе великого романтика, что вполне справедливо, учитывая, что одним из его учителей был Ханс Гуде, представитель Дюссельдорфской художественной школы, норвежский художник-пейзажист и маринист романтического направления, много лет проработавший в Германии.

Фриц Йохан Фредерик Таулов родился в 1847 году. Учился в Академии художеств в Копенгагене у мариниста Карла Фредерика Сёренсена с 1870 по 1872 год, затем с 1873 по 1875 год – в Карлсруэ, у Ханса Гуде. Именно с морских пейзажей начался путь Таулова в искусстве. Переехав в Париж, где он оставался до 1880 года, Таулов испытал сильнейшее влияние французских импрессионистов. После этого он начинает уделять больше внимания свету и воздуху в своих работах. Писал в стилях реализма и импрессионизма.

В 1880 году возвращается в Норвегию, где становится одной из крупнейших фигур художественной сцены Осло. Там художник в основном работал над городскими пейзажами, всегда на пленэре.

В 1892 году Таулов снова переехал во Францию, а в 1898 году, после путешествия в США, окончательно поселился в Париже.

Умер в 1906 году.

Когда речь заходит о голландском пейзаже, то воображение неизменно рисует что-то атмосферное, проникнутое духом улиц старых городов или пасмурного зимнего неба. Источниками вдохновения для подобных образов обычно служат картины голландских мастеров Золотого века, вызывающие у современного зрителя чувство необъяснимого уюта. Что бы ни было изображено на работе: порт, крестьянский праздник, немощёные проулки незнакомых нам городов – всё у голландцев выглядит как-то уютнее, чем у их коллег из других стран. Такая распространённая, хотя и несколько поверхностная реакция современного наблюдателя на голландский пейзаж вполне объяснима густотой колорита, светотеневой моделировкой и плотностью национальных, бытовых и архитектурных деталей, выраженных на полотнах, преимущественно светских по своему содержанию. Новая эра художественного реализма, открывшаяся голландцам после избавления от Испании, ознаменовала собой Золотой век голландской живописи, самой выдающейся эпохи в нидерландской живописи, приходящейся на XVII столетие. Известными представителями искусства того времени были Рембрандт, Ян Вермеер, Якоб ван Рёйсдал и другие.

К представителям этого периода относится и Моленар Клас, голландский художник, известный своими зимними пейзажами. Подвергшийся влиянию своего старшего брата, писавшего преимущественно жанровые полотна, Яна Моленара Минсе, (чья работа «Игра в карты» находится в экспозиции ДВХМ по соседству с полотном Класа), он так же вдохновлялся творчеством Якоба ван Рёйсдала и Исаака ван Остада. Интересно, что Ян иногда прибегал к помощи брата – тот вписывал в его жанровые картины сельские пейзажи. У Яна Минсе и Класа был третий брат, Бартоломеус Моленар, тоже известный художник.

Родился Моленар Клас в 1626 году в Харлеме, столице провинции Северная Голландия. Жил и работал там же. В 1651 году стал членом Гильдии Святого Луки в Харлеме. Гильдия представляла цеховые объединения художников, скульпторов и печатников, получившие распространение с XV века в низовьях Рейна и Нидерландах. Была названа по имени апостола Луки, покровителя художников, который, как считается, первым изобразил Деву Марию.

Активная деятельность Моленара Класа проходит с 1644 по 1676 года, т.е. вплоть до самой его смерти. Считается, что Клас оказал влияние на творчество художника Луиса Бломмарта.

Умер Моленар Клас в 1676 году в Харлеме.

Георгий Виссарионович Гусак – один из немногих, кого называют первым миссионером музейного дела на Дальнем Востоке. В год основания Дальневосточного художественного музея, 1931, вошёл в его коллектив, став научным сотрудником. Бок о бок с первым директором ДВХМ, Петром Михайловичем Покровским, занимался популяризацией искусства и музея, читая лекции и готовя доклады.

Был автором статьи «Изобразительное искусство Дальневосточного края», для которой собрал богатый материал. В ней постарался привести наиболее полные сведения и дать сжатую характеристику искусства Дальнего Востока, начиная с начала ХХ века до 1931 года. Статья стала одним из первых конспективных трудов такого рода об искусстве Дальнего Востока.

С первых дней своей работы в ДВХМ выезжал в этнографические экспедиции в районы Хабаровского края, собирал этнографические коллекции, формируя тем самым уникальное этнографическое собрание предметов искусства коренных народов Приамурья. Впечатления от этих поездок, богатый опыт наблюдений становились позже основой для живописных произведений.

Родился Георгий Виссарионович в посёлке Казакевичево Хабаровского края в 1900 году. В 1917 – окончил Хабаровское реальное училище, где его наставником на творческой стезе был Степан Григорьевич Ращенко, преподававший рисование в училище и в женской гимназии. Впрочем, курсы Ращенко носили скорее характер вольных студий, поэтому профессионального художественного образования Георгий Виссарионович не имел. Однако сам Степан Григорьевич Ращенко с 1887 по 1894 годы был вольнослушателем Императорской академии художеств, имел две серебряные медали и диплом неклассного художника.

С 1921 по 1924 годы Георгий Виссарионович учился в Хабаровском педагогическом институте на историко-филологическом факультете, до прихода в ДВХМ преподавал черчение и рисование в школах Хабаровска.

В 1936 году переехал в Москву. Во время Великой Отечественной войны доблестно сражался за победу над фашизмом.  В 1950-е годы стал главным художником павильона «Сибирь» на Всесоюзной сельскохозяйственной выставке.

С 1930 года был участником всевозможных выставок, в том числе выставок Ассоциации хабаровских художников (1930 и 1938 годы), выставки произведений московских художников (1936 год), Всесоюзной выставки молодых художников к 20-летию ВЛКСМ (Москва, 1939 год), а так же дальневосточных краевых художественных выставок, проходивших в 1932–1935 годах в Хабаровске, Благовещенске и Владивостоке.

Ушёл из жизни в 1981 году в Москве.

Живопись Виктории Васильевны Романовой всегда отличалась особой поэтичностью и символизмом образов. Воздушные, невесомые полотна подчас оборачиваются палитрой сложных философских вопросов, окутанных лирическим взглядом живописца. В кругу студентов и друзей, людей хорошо её знающих, Виктория Васильевна заслужила авторитет превосходного рассказчика. Её полотна – это лишь ещё один способ рассказать о чём-то, что было прочувствовано сердцем. Порою даже кажется, что в представляемых ею образах соединились монументальность и основательность её отца, заслуженного художника Российской федерации, члена Союза художников РФ, ветерана Великой Отечественной войны и труда, Василия Евтроповича Романова и необычайная органичность, плавность и нежность мамы, актрисы Татьяны Артемьевны Проняковой-Романовой. Оба родителя видели войну своими глазами: отец – будучи солдатом, а мать – выезжая с труппой на фронт давать спектакли. Но творческий свет обоих не угасал ни на миг.  Виктории Васильевне передалось от них что-то волнующие. От мамы – артистичность. Художница вспоминала: «Образ мамы как образ солнца», и в работах Виктории Васильевны определённо есть и тепло, и свет этого солнца… И рассудительность отца, чья выставка «Блокадные дневники. 1941-1942» в ДВХМ стала в своё время бесценным документальным свидетельством творческого человека о блокадном Ленинграде.

Родилась Виктория Васильевна 24 августа 1951 года в Хабаровске. В 1973 году окончила художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института. Обучалась у Евгения Ивановича Вольгушева, Александра Викторорвича Гурикова, Сергея Павловича Заровного, Натальи Павловны Заровной, Валерия Александровича Смирнова.

С 1973 года Виктория Васильевна Романова является активным участником художественных выставок: более 12 персональных и 60 коллективных. Доцент кафедры изобразительного искусства ПИ ТОГУ. Имеет опубликованные научно-методические работы. Член СХ СССР с 1989 года.

Ранние работы определялись заданной тематикой, но даже в них индивидуальное отношение автора к человеку и окружающему миру является приоритетным для живописца.

С середины 80-х годов в творчестве Виктории Васильевны происходит переосознание понятия художественного образа, она обращается к невидимой стороне привычных предметов и явлений. Особое место в творчестве занимает тема театра, как обращение к детским воспоминаниям, образу мамы, и современному пониманию сцены в широком философском контексте. В портретном жанре художник эмоционально раскрывает внутренний мир портретируемого.

Бывают такие художники, которые свободны и по стилю, и по духу. Их неизменно привлекает простор. Даже, казалось бы, в камерной обстановке или совершенно простом наборе предметов они видят пространство, открытое для света и воздуха, открытое для смелого, свободного письма. Чего уж говорить о пейзажах! Из-под кисти такого мастера пейзажи выходят дышащие, манящие своим простором. Однако не пафос, но желание передать полноту образа движет этими художниками.

Андрей Алексеевич Павленкович – один из них. Художник стремится к передаче цельного и свободного образа. Про его живопись говорят, что она будто «захлестывает» пространство холста. Видимыми, пастозными мазками обычно заткана вся поверхность картины, словно всё пространство, сплавленное воздухом и светом, стало вдруг по-космическому широким, но по-человечески осязаемым.

Андрей Алексеевич родился 28 августа 1971 года в Хабаровске. В 1993 году окончил художественно-графический факультет Хабаровского педагогического института. Работает доцентом на кафедре изобразительного искусства ТОГУ. Еще в студенчестве, с 1992 года, стал участвовать в выставках. Член Союза художников России с 1998 года. Участник всероссийских и международных выставок. Участник региональных выставок «Дальний Восток»: в августе 1997, сентябре 2003, октябре 2008. В том же году (2008) он стал лауреатом премии администрации Хабаровска в области изобразительного искусства (серия «Городские пейзажи»).

Андрея Алексеевича можно в равной степени назвать мастером пейзажа и натюрморта. Для него очень важна натура, непосредственное восприятие. Художник с одной стороны стремиться к осознанию сущности изображаемого, а с другой – подчиняется своему непосредственному восприятию, направляющему его кисть в стремлении передать изменчивые состояния этой натуры. Близкий во многом импрессионизму, Андрей Алексеевич не пренебрегает содержательным планом.

Пленэры Андрея Алексеевича в русских городах проникнуты светом и непосредственностью первого впечатления. Дальневосточные мотивы всегда узнаваемы, как узнаваем и Хабаровск на его холстах.
Работа художника «Старый город» как нельзя лучше передаёт впечатление автора о светлом зимнем дне. Почти всё пространство полотна сияет солнечным светом. Кирпичные дома преображаются, излучая тепло. А контрастные, но не густые тени лишь подчёркивают общую лёгкость и добавляют пространству глубины.

«Первая кисть политбюро» – так называли этого художника современники. Друг Орджоникидзе, ученик Лансере и большой почитатель передвижников, человек, написавший с натуры множество портретов Сталина, Налбандян Дмитрий Аркадьевич, остался художником, чей талант так и не покорил великую Индиру Ганди…

Дмитрий Аркадьевич Налбандян родился 15 сентября 1906 года в Тбилиси в семье рабочего железнодорожных мастерских. В 1918 году его семью постигло несчастье: от рук грузинских контрреволюционеров погиб отец. Дмитрий Аркадьевич, будучи самым старшим в семье, устроился подсобным рабочим на кирпичный завод. Ему было двенадцать лет. На заводе мальчик познакомился со скульптором, заведовавшим керамическим отделом, который, заметив способности мальчика, стал помогать ему советами, давал краски и пластилин для лепки. В 1921 году, когда Грузия стала советской республикой, юноша получил возможность систематически заниматься художественным образованием.

В 1924 году Дмитрий Аркадьевич поступает в Тбилисскую Академию художеств, где его учителями становятся Евгений Евгеньевич Лансере и Егише Мартиросович Тадевосян. Именно они пробудили в начинающем художнике любовь к искусству передвижников, которые на всю жизнь станут для Дмитрия Аркадьевича незатмеваемым примером.

Успешно окончив Академию в 1929 году, Налбандян переезжает в Москву. Там он знакомится с Игорем Эммануиловичем Грабарем, Павлом Петровичем Соколовым-Скаля, Дмитрием Стахиевичем Моором (Соколовым), Алекандром Михайловичем Герасимовым и другими известными мастерами. Художник обращается к современной и историко-революционной темам. Он реализует себя и в графике как плакатист и мастер журнального рисунка. Вместе с тем его волнуют проблемы пленэра, поэтому он много и увлеченно пишет пейзажные и жанровые этюды на воздухе.

За свою долгую жизнь Дмитрий Аркадьевич напишет бесчисленное количество пейзажей, а на его портретах будут запечатлены почти все лидеры государства, вплоть до Брежнева. Во время визита художника в Индию ему будет позировать сама Индира Ганди, которую, впрочем, её портрет за исполнением Дмитрия Аркадьевича совсем не впечатлит и она откажется его принимать. Эту историю Налбандян позже будет рассказывать своим знакомым, словно анекдот, не чувствуя неудобства, как и полагается состоявшемуся мастеру.

Умер Дмитрий Аркадьевич Налбандян 2 июля 1993 года в Москве.

 

«Слепой художник» – такое прозвище закрепилось в умах потомков за Борисом Фёдоровичем Рыбченковым. Действительно, при упоминании фамилии художника многим сложно удержаться от уточняющего вопроса: «Это тот, который был слепой?». И да, и нет. Зрение Борис Фёдорович действительно потерял, но уже на последнем десятке своей жизни, в самом начале 1980-х. Очевидцев, заставших «слепой» период творчества художника, восхищали его трудолюбие и стойкость характера, которые на протяжении всей жизни были для Бориса Фёдоровича опорой в его борьбе за свою мечту.

Родился будущий художник 6 августа 1899 года в Смоленске в семье мастера-пряничника. С 1915 по 1918 год учился в Киевском художественном училище у живописца, графика, скульптора и художника декоративно-прикладного искусства Анны Августовны Крюгер-Праховой, а так же у живописцев Николая Ивановича Струнникова и Михаила Якимовича Козыка. Весной 1918 года, после закрытия училища Державной Радой Украины, вернулся в Смоленск, где продолжил образование в Археологическом институте. Состоявшееся в Смоленске знакомство с Казимиром Малевичем и краткое увлечение супрематизмом подвигло Рыбченкова продолжить свое художественное образование.

Во время Гражданской войны работал в «Окнах сатиры РОСТА» Реввоенсовета Западного фронта, занимался оформлением агитпоездов. Оттуда был направлен в Петроград в Государственные свободные художественные мастерские (ВХУТЕМАС). В 1920-1921 годах учился у художника-модерниста, скульптора, театрального декоратора Натана Исаевича Альтмана и у скульптора Александра Терентьевича Матвеева. Болезнь легких заставила навсегда расстаться с Петроградом и Академией. В августе 1921 года он переехал в Москву и по конкурсу был принят на живописный факультет ВХУТЕМАСа, где преподавали известные художники-авангардисты Любовь Сергеевна Попова, Александр Давыдович Древин и Александр  Васильевич Шевченко. В 1925 году заканчивает институт и начинает преподавать в школе рисование и черчение.

Выходец из провинциальных «низов», интеллигент в первом поколении, Борис Фёдорови Рыбченков сделал себя сам, руководствуясь единственной целью – стать художником.

Работал в основном как пейзажист, создавая камерные, лиричные произведения в духе «тихого» искусства.

В 1981 году, в возрасте 82 лет, он почти полностью утратил зрение, но уже через два года возобновил работу. Как формулировал сам Борис Фёдорович, ему помогало «что-то свыше».

Был удостоен звания «Народного художника России» лишь в 1991 году, когда ему был уже 91 год.

Не стало Бориса Фёдоровича в 1994 году.

 

Николай Фёдорович Чайкин относится к тем художникам, на полотнах которых замирают мгновения. Влюблённый в свой край, остро чувствующий время и осознающий своё место в мире, Николай Фёдорович по-настоящему стал проводником истории для будущих поколений. Одни его работы – это слепки времени, другие же – с нежностью написанные признания в любви природе родного края, его любимому Амуру, близкому его сердцу городу – Хабаровску – пейзажи которого привлекают и своей достоверностью, и в то же время размахом впечатлений, поскольку зачастую город изображался с высоты птичьего полета. Немногим удается передать городской пейзаж в динамике, как живой организм.

Родился художник 19 декабря 1922 года в селе Прокофьево Красноярского края. На Дальнем Востоке жил с 1932 года. В 1940 году поступил в Благовещенский педагогический техникум на художественный факультет, который ему так и не довелось окончить. В 1943-1944 годы работал художником в редакции газеты «Рыбаки Амура». За самоотдачу и трудолюбие художник был награждён медалью «За доблестный труд в годы Великой Отечественной войны».

Был участником выставок с 1946 года: всесоюзных, республиканских, зональных и краевых. Персональные выставки прошли в 1972, 1988 годах. Член СХ СССР с 1964 года.

Энергичный характер Николая Фёдоровича, его бодрость духа всегда были примерами для коллег. Увлечённость общественными делами совершенно не мешала ни занятиям творчеством, ни рутинным делам хозяйственника, талант которого обнаружил в себе художник, занявшись устройством Хабаровского Союза художников. Благодаря Николаю Фёдоровичу стал формироваться Художественный фонд. При его участии были построены скульптурный цех и мастерские. Он умел находить общий язык с властью, и долгое время возглавлял партийную организацию Хабаровского Союза художников.

Николай Фёдорович Чайкин был неунывающим и восхищённым художником. Его бесчисленные этюды впечатляют живым прикосновением кисти, которая дает возможность почувствовать архитектуру создания этюда, раскрывают манеру письма художника. Его пленэр восхищает своей искренностью, которую невозможно сочинить. Именно такой материал и помог художнику в создании картины «Весна на БАМе».

Не стало Николая Фёдоровича Чайкина в 2001 году.

 

Каждый художник проходит свой уникальный творческий путь. Бывает так, что судьба одного талантливого человека в чём-то схожа с судьбой другого, даже если их разделяют года и века. Но случается и обратное: самобытность и уникальность художника настолько ярко выражены, что делают его непохожим на коллег по цеху. Но есть художники, чей творческий путь сложно оценить. Превратности судьбы иногда стирают для потомков достижения даже самых талантливых из них. Отчасти так произошло и с творческим наследием русского живописца Александра Ипатьевича Алексеева, которое до сих пор мало изучено.

Про Александра Ипатьевича известно, что был он учеником Академии Художеств с 1872 года. Имел две малые и одну большую серебряные медали от Московского художественного общества и две первых серебряных медали от Академии Художеств: в 1874 и 1876 годах соответственно. В 1876 году Александр Ипатьевич получил звание классного художника второй степени за работу «Пленение Самсона». С 1886 года являлся почётным вольным общником.

Писал художник преимущественно портреты и пейзажи. В конце 1870-х годов жил и работал в Париже. Его произведения находились в различных коллекциях и частных собраниях. Основатель знаменитого Радищевского музея, художник-маринист Алексей Петрович Боголюбов, так же был в числе почитателей таланта Александра Ипатьевича и даже приобрёл для коллекции своего музея несколько работ мастера.

На работе художника «Весна», датируемой первой половиной 1870-х годов, мы видим образ, полный нежного восхищения и светлого чувства красоты. Уверенными и аккуратными мазками художник пишет образ улыбающийся девушки, будто создавая аллегорию весны. Через портрет художнику удаётся  выразить и радость молодой особы от расцветания природы и вновь пришедшей красоты, и метафорическую мысль о нежности этой природы, о весне, за которой последует ещё большее тепло. Даже тона для своей работы он выбирает нежные, пастельные, где контраст прослеживается лишь на акцентных деталях, таких как цветы. Нас неизменно привлекает лёгкая улыбка молодой девушки и общий колорит работы.

В полной мере творческое наследие Александра Ипатьевича Алексеева только предстоит изучить.

Сын палехского крестьянина-иконописца, талантливый живописец, автор многочисленных портретов, пейзажей и жанровых композиций … Казалось, что сама судьба была благосклонна к Алексею Михайловичу Корину, но это только на первый взгляд. Даже сегодня имя его лишь эпизодически встречается в переизданиях мемуарной литературы, а так же в специальных изданиях.

Родился Алексей Михайлович 16 марта 1865 года. С детства будущий художник начинает работать под руководством отца, а в десять лет был определён в школу при иконописных мастерских Троице-Сергиевой лавры. Постепенно начинает смотреть за рамки иконописи. Отец художника не поощрял увлечение сына живописью, но уже через год занятий в школе, вопреки воли отца, Алексей Михайлович поступает в Москве в иконописную мастерскую Василия Вячеславовича Шокорева, иконописца и, что было важнее для начинающего художника, – живописца.

В 1884 году Алексей Михайлович поступает в Училище живописи, ваяния и зодчества. Там его учителями становятся известные художники: Владимир Егорович Маковский, Илларион Михайлович Прянишников, Василий Григорьевич Перов. Живописные и графические работы неизменно заслуживают высших оценок. В год выпуска из училища, в 1889, начинается череда первых наград: за картину «После обедни» Алексей Михайлович был награждён большой серебряной медалью и получил звание классного художника. В 1892 году была написана картина «Больной художник», получившая высокую оценку таких мастеров как Илья Ефимович Репин и Владимир Васильевич Стасов. В том же году Павел Михайлович Третьяков приобретает для своей коллекции картину «Больной художник». С 1895 года Алексей Михайлович являлся членом Товарищества передвижных художественных выставок, экспонентом которых был вплоть до 1922 года.

Жизнь Алексея Михайловича Корина до последних лет оставалась суетной, художнику почти всегда приходилось жить под гнетом заказов, отнимавших и время, и силы.

На протяжении последнего десятилетия жизни имя Алексея Михайловича все реже можно встретить в отзывах критики, хотя его работы продолжают регулярно экспонироваться, правда, в меньшем числе.

После болезни, негативно сказавшейся на зрении художника, он уединяется в своём доме, где почти забытый продолжает писать скромные этюды и тихо заканчивает свой век 13 февраля 1923 года.

 

В этот день, 25 марта, ровно сто пятьдесят лет назад появился на свет известнейший русский художник Игорь Эммануилович Грабарь, считающийся одним из основателей музееведения, реставрационного дела и охраны памятников искусства и старины

Родился будущий художник и реставратор в 1871 году в Австро-Венгрии. К 1880 году  семья Игоря Эммануиловича перебралась в Российскую империю, поселившись в Егорьевске Рязанской губернии.

Будучи ребенком, Игорь Эммануилович начал проявлять страсть к рисованию. Когда мальчик подрос, стал брать уроки живописи.

С 1882 года он учился в лицее цесаревича Николая, который окончил в 1889 году с золотой медалью. Учеба в лицее давалась тяжело, но переезд в Москву открыл юноше новые горизонты. После окончания лицея Игорь Эммануилович Грабарь в 1889 году поступил сразу на два факультета Петербургского университета — юридический и историко-филологический. Окончил университет в 1893 году.

Увлечение живописью не давало усомниться в том, что следующей ступенью для Игоря Грабаря должно стать обучение в Академии художеств, куда он поступил в 1894 году и попал в ученики самого Ильи Ефимовича Репина. В этот период начинается активное становление художника как критика и историка искусства.

В последующие годы Игорь Грабарь постоянно совмещал занятия живописью с научной деятельностью. Так, с 1908 года и до начала Первой мировой войны он успел издать 8 томов своего монументального труда под названием «История русского искусства». Но война нарушила планы Игоря Эммануиловича. Было уничтожено огромное количество собранного материала.

С 1913 года Игорь Грабарь возглавлял Третьяковскую галерею. Здесь он проявил весь свой талант организатора и экспозиционера.

С 1921 года Грабарь был профессором Московского государственного университета, где читал курс лекций по теории и практике научной реставрации.

Искусство для Игоря Эммануиловича всегда было предметом познания и созидания. Он был многогранной личностью. Современники называли его «человеком-оркестром» – он умел делать практически все. Игорь Эммануилович служил искусству как живописец и художник, как историк искусства и как его критик, как архитектор и реставратор, музейный деятель и педагог.

Умер Игорь Эммануилович 16 мая 1960 года в Москве.

Про Николая Ефимовича Тимкова часто говорят, что его творчество перевернуло представление запада о русском искусстве советского периода. Казалось бы, зачем критикам обращать столь пристальное внимание на отношении западного зрителя к творчеству советского художника? Чтобы понять масштаб творчества Николая Ефимовича Тимкова, необходимо подчеркнуть, что его творческим контекстом была ленинградская художественная школа.

Конец 1950-х годов стал поворотным периодом для советского искусства. Более консервативное предшествующее десятилетие было этапом накопления опыта и творческой энергии, подготовивших обретение живописью нового облика. Важную роль при этом сыграло переосмысление художественного наследия крупнейших русских и европейских мастеров.

Впервые Николай Ефимович участвовал в выставке в 1929 году ещё студентом Ростовского художественного училища, юноше тогда было только 17 лет. В РХУ, возглавляемом Андреем Семёновичем Чинёновым, учеником Василия Дмитриевича Поленова и большим поклонником Исаака Ильича Левитана, как раз и закладывалась та безмерная база, из которой выпускники позже черпали для себя те самые смыслы.

В 1933 году Николай Ефимович приехал в Ленинград и поступил на живописный факультет Санкт-Петербургской академии художеств имени Ильи Репина. Там его учителями среди прочих были Аркадий Александрович Рылов и Исаак Израилевич Бродский.

После института Николай Ефимович был призван на военную службу в Балтийский флот, которая продолжалась до 1946 года. В годы Великой Отечественной войны и блокады он был среди защитников Ленинграда. Тимков участвовал во всех выставках художников и защитников блокадного Ленинграда, в выставке «Героический фронт и тыл» в Третьяковской галерее в 1943 году, а также в создании самой большой за годы войны выставки «Героическая оборона Ленинграда», открытой в 1944 году и положившей начало легендарному Музею обороны Ленинграда. Художник был награждён медалями «За оборону Ленинграда» и «За победу над Германией». В 1943 году его приняли в члены Ленинградского Союза советских художников.

На рубеже 1950-1960-х годов в ленинградской пейзажной живописи наблюдались усиление стилистического разнообразия, утончения колорита, интерес к декоративности, эстетике русского модерна и импрессионистическому обогащению живописи. Николай Ефимович Тимков становится одним из тех мастеров, что создали её новый облик.

Ушёл из жизни 25 декабря 1993 года.

Александр Иванович Абросимов – большой мастер этюда. Его излюбленная цветовая гамма – серебристо–серая, с тёплыми мягкими светлыми тонами.  Он, прежде всего живописец, чей  основной художественный метод – работа с натуры. Его пейзажи проникнуты светом. Александр Иванович органично воспринял традиции XIX века, которые заключаются в передаче светоцветового пластического пространства. Это тот настоящий реализм, для которого характерна тонкость лирического ощущения земной жизни, ее природной красоты…

Родился Александр Иванович 1 сентября 1930 года в деревне Макаровка Нижне-Ломовского района Пензенской области в семье рабочего. Отца, председателя колхоза, в 1934 году репрессировали и сослали на строительство нового города — Комсомольска-на-Амуре. В 1935 году сюда же переезжает и его семья – жена и семеро детей. Среди них был и Александр Иванович. Здесь художник будет учиться в средней школе. В июне 1944 года Александр Иванович выезжает во Владивосток для учёбы на курсах дизелистов, после окончания курсов работает на теплоходе «Нева» в организации «Востокрыбхолод».

В 1949 году он возвращается в Комсомольск-на-Амуре и поступает учеником в художественные мастерские города. В 1951 году он работает в филиале Товарищества художников в качестве художника-рекламиста и в это же время учится в художественной студии, возглавляемой Георгием Александровичем Цивилёвым, художником и первостроителем Комсомольска.

В 1953 году Александр Иванович поступает в Иркутское художественное училище, после его окончания в 1958 году распределяется в город Комсомольск-на-Амуре. Здесь он работает в художественно-творческих мастерских Художественного фонда РСФСР и в течение трёх лет занимается преподавательской деятельностью в художественной школе и в вечерней студии.

В 1964 году Александр Иванович Абросимов принят кандидатом в члены Союза художников СССР. В 1984 году был принят в члены Союза художников СССР. В те годы обязательным условием для вступления в профессиональную организацию считалось наличие в творчестве масштабной темы. В поисках глубины художественной образности приходилось создавать целые серии работ, а картины представляли собой многоплановую композицию. Но именно школа реализма и научила Александра Ивановича Абросимова аналитическому взгляду в отражении действительности.

Михаил Георгиевич Козелл родился 20 октября 1911 года в Астрахани в семье артистов, но своим путём выбрал искусство изобразительное. Посещал организованный в 1893 году Павлом Алексеевичем Власовым, выпускником Петербургской Академии художеств, «Кружок любителей живописи и рисования», который впоследствии станет «Астраханским художественным кружком любителей живописи», а к 1920-м годам – Астраханским художественно-педагогическим техникумом. Под руководством Павла Алексеевича Михаил Козелл получает основательную художественную подготовку.

В 1931 году для продолжения учёбы Михаил Георгиевич приезжает в Ленинград и в 1933 году поступает на живописное отделение Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры, где занимается у педагогов Михаила Давидовича Бернштейна, Аркадия Александровича Рылова, Александра Михайловича Любимова, Владимира Александровича Серова. В 1939 году окончил мастерскую Исаака Бродского в институте.

Первым крупным проектом, в котором принимал участие Михаил Георгиевич, было создание панорамы «Оборона Петрограда». Над этим произведением художник работал под руководством профессора Рудольфа Рудольфовича Френца, руководителя батальной мастерской в художественном институте им. И.Е. Репина. Этот проект стал одним им самых по-настоящему крупных в творческой биографии художника.

После службы в армии вернулся в Ленинград, где прожил всю жизнь. До 1991 преподавал рисунок и живопись в художественной школе при Академии художеств СССР. С 1962 года состоял в Ленинградской организации Союза художников СССР.

Еще до начала войны художник активно принимал участие в выставочной деятельности в Ленинграде, выставлял живописные и графические работы: пейзажи, портреты, исторические сюжеты. Но самым любимым жанром оставался всегда пейзаж, именно как мастер пейзажа Михаил Георгиевич получил признание. Часто и с удовольствием он писал старые дачи под Ленинградом, заросшие и запущенные. Их настроение, атмосферу художник передавал прекрасно. Колористика работ Козелла была достаточно сдержанна, рисунок характеризовался обобщенностью. Для Михаила Георгиевича главной была не внешняя точность изображения природы, а передача ее атмосферы, состояния. Лучшие пейзажи художника привлекают подлинностью передачи сокровенной жизни природы, тонким чутьем автора, с которым он улавливает её состояние и происходящие в нём перемены.

Ушёл из жизни художник в 1993 году.

Григорий Михайлович Шегаль по праву носит титул художника-теоретика, прекрасно умещая в своей профессиональной биографии теоретические изыскания и практическую работу. Талантливый живописец, автор полотен на историко-революционную и бытовую темы, замечательный пейзажист Григорий Михайлович был человеком широких художественных интересов. Он активно разрабатывал проблему колорита в сфере живописной теории. В профессиональных кругах хорошо известна его работа «Колорит в живописи». Считается, что в раннем творчестве испытал сильное влияние сезанизма, что объясняется также общением с Александром Александровичем Осмёркиным…

Родился будущий художник в 1889 году в городе Козельске. Рано оставшись без отца – талантливого и разносторонне одаренного самоучки, – он с детских лет вынужден был зарабатывать себе на хлеб. Сознательное стремление стать художником появилось у него, когда он работал в Смоленске подмастерьем в гравёрной мастерской. Тратя весь свой скудный заработок на занятия со студентом-репетитором, Григорий Михайлович за три года подготовился к сдаче экстерном экзаменов на аттестат зрелости и, успешно выдержав их, переехал в Петербург, где в 1912 году поступил в Рисовальную школу Общества поощрения художеств. Здесь он учился у таких видных мастеров, как Николай Константинович Рерих, Аркадий Александрович Рылов. В 1917-1918 годах Григорий Михайлович короткое время занимался в Академии художеств у Гуго Робертовича Залемана и Ивана Яковлевича Билибина и завершил свое профессиональное образование лишь в 1925 году во ВХУТЕМАСе, окончив мастерскую Александра Васильевича Шевченко.

Григорий Михайлович, как и многие другие мастера его поколения, стоял у истоков советской художественной культуры, вместе с которой рос и его талант. С 1923 года он начал активно участвовать в выставках. Свои работы он экспонировал вместе с группой «Бубновый валет», был членом «Общества московских художников», а с 1926 года постоянно участвовал в выставках Ассоциации художников революционной России (АХРР).

На протяжении всей своей творческой жизни художник работал и в камерных жанрах – натюрморте и пейзаже. Особая и наиболее глубоко пережитая им тема – родная природа. В многочисленных пейзажах послевоенных лет, запечатлевших неброскую природу средней полосы, самоценное звучание обретает тема Родины.

Не стало художника в 1956 году в Москве.

Родион Степанович Гудзенко – художник, на долю которого выпало много испытаний. За этой банальной фразой, которая подходит, пожалуй, чуть ли не к целому поколению, кроется бесконечная трагедия творческого человека, чья личность несоизмеримо шире предлагаемых норм.

Родился 19 июня 1931 года в Полтаве в семье драматических актёров. Мать умерла от туберкулёза в 1934 году, когда маленькому Родиону было только 2,5 года.

В 1940 году он начинает заниматься в кружке рисования Ленинградского дворца пионеров. В конце мая 1941 года был отправлен отдыхать в Полтаву. Мальчик остается у сестры отца, где его застаёт война. В конце 1941 года юный Родион убегает из дома тёти, беспризорничает. В сентябре 1943 года уходит из Полтавы с Красной Армией, попадает на Украинский фронт в часть маршала Ивана Степановича Конева, где был принят сыном полка, участвует в боевых действиях, получает медаль «За победу над фашистской Германией».

В 1944 году поступает в Среднюю художественную школу при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Ильи Ефимовича Репина.

Входит в группу художников, группировавшихся вокруг Александра Георгиевича Арефьева и поэта Роальда Чарльсовича Мандельштама (т.н. «арефьевский круг»). Отчислен из СХШ в 1947 году за формализм и космополитизм, выражавшийся в любви к французской живописи.

Эта любовь получает деятельную форму: он самостоятельно изучает язык, читает и переводит «проклятых поэтов». Искавший контактов с первыми прибывающими в страну иностранными туристами, Родион Степанович в 1956 году осуждён на пять лет лагерей по статье 58, п. 10, «за антисоветскую агитацию и пропаганду». Ему инкриминировали то, что он дарил иностранцам работы, любил французскую живопись, «осуждал ограничения свободы в искусстве, существующие в СССР».

С 1957 по 1960 годы провел в Мордовии, в Дубравлаге. Писал там портреты своих товарищей по заключению. После освобождения и до конца жизни работал по художественной части в различных организациях: театрах, заводах, издательствах.

Не смотря на знание блатного жаргона, Родион Степанович был убеждённо настроен против нецензурной брани. Художник был избит хулиганами на улице за замечание о сквернословии и умер в больнице в 1999 году.

Валентин Петрович Степанов – художник очень тонкого мироощущения. Его пейзажи – это соединение любви к людям и радости жизни с трепетным чувством сакральной тайны, скрытой от простых людей под пеленой повседневности, но открытой зоркому сердцу художника. Иногда в этой тайне есть светлая грусть, иногда – тихая, наивная радость и всегда – свет, какой излучает старая икона, с которой смахнули пыль…

Родился Валентин Петрович 9 апреля 1931 года в селе Летняя Золотица на Белом море, куда в 1930 году были сосланы его молодые родители после раскулачивания. Его биография – это биография поколения тех детей, чьи отцы столкнулись с ужасами лагерей или погибли на фронтах Великой Отечественной войны.

На севере семья испытала все унижения жизни спецпереселенцев и все тяготы войны. Первой школой будущего художника стала однокомплектная начальная школа на острове Жижгин. Одиннадцатилетнему мальчику пришлось покинуть родительский дом, чтобы продолжить обучение в семилетней школе прибрежного поселка Кега, при которой был интернат. После окончания семилетней школы в 1946 году Валентин Петрович поступает в Ярославское художественное училище, его однокашниками были фронтовики… В 1948 году перевелся в художественное училище города Саратова.

С 1951 по 1954 год служил в рядах Советской Армии. В 1956 году окончил Саратовское художественное училище. В 1958 году поступил в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина на факультет живописи в мастерскую Бориса Владимировича Иогансона. В 1962 году в Ленинграде прошла первая выставка Валентина Петровича – «Выставка молодых художников». В 1964 году Валентин Петрович приехал в Хабаровск, выбрав его при распределении и предпочтя мастерским в Москве.

Россия Валентина Петровича Степанова – это любовь и уважение к людям, их чувствам. Он был поэтом и мыслителем в живописи. Персонажи его картин взяты из жизни, но лишены повседневной серости. Он писал, что чувствовал, но при этом неуклонно следовал традициям русской реалистической школы живописи.

В 1996 году была организована первая персональная выставка Валентина Петровича Степанова из фондов дальневосточных музеев. Организована посмертно. О загадочной гибели художника ходит много легенд, но все обстоятельства этой смерти до сих пор неизвестны…

В 2021 году исполнится 100 лет со дня рождения известного советского живописца Владимира Александровича Игошева. Его называют художником, воспевшим в живописных полотнах самобытность и традиции северных народов. Однажды приехав в Ханты-Мансийский край, художник нашёл свою «заветную жилу»: северные пейзажи, портреты представителей коренных народов Севера.

День рождения мастера лишь в октябре, но не вспомнить о нём в месяц Великой Победы было бы непростительно. Создавая сюжетные композиции, ставшие значимым вкладом в дело сохранения художественного наследия многонациональной культуры России, Владимир Александрович так же не обошёл стороной и военную тематику. Его работа «Ярославна последней войны», хранящаяся в фондах Дальневосточного художественного музея, как предостережение написано для потомков. Быть может, война, о которой упоминается в названии, последняя с хронологической точки зрения в восприятии автора, быть может – последняя война человечества как таковая, после которой только тишина и «конец всех вещей». Но образ проглядевшей все глаза верной жены и любящей матери будет вечным символом скорби и надежды.

Владимир Александрович Игошев родился на хуторе Игошевский, близ села Аскино (Башкирия) в большой трудолюбивой семье хлебопашца. Окончил Башкирское художественное училище, по окончании которого был призван в армию, а затем – на фронт. В 1940—1943 годах воевал на Северо-Западном, Донском и Сталинградском фронтах. В ноябре 1942 года был тяжело ранен при штурме высоты 56,8. Почти весь 1943 год провёл в госпитале. В этом же году в Уфе состоялась первая выставка работ художника — около шестидесяти фронтовых рисунков.

В 1944—1950 годах учился в МГАХИ имени В.И. Сурикова, где его педагогами были Георгий Георгиевич Ряжский, Дмитрий Константинович Мочальский и Василий Васильевич Почиталов. Как всякий ищущий художник, Владимир Александрович всегда стремился к новым впечатлениям, к новым местам. За свою долгую жизнь Владимир Александрович побывал в творческих поездках за рубежом, и в самых дальних регионах Советского Союза, но навсегда в его сердце остался Северный край, куда он впервые приехал в 1954 году.

Ушёл из жизни художник 8 января 2007 года.

В Дальневосточном художественном музее начала свою работу выставка «Подвигов былых слава», посвящённая эпохе Отечественной войны 1812 года. Мы решили, что будет неправильным обойти вниманием художников, чьи работы представлены на выставке, поэтому в нашей постоянной рубрике «Записки о художниках» хотим познакомить вас с некоторыми из них.

Знакомство мы начнём с полотна «Отступление Наполеона из России» кисти Григория Константиновича Буреева. Работа экспонируется впервые.

В центре большого холста, напоминающего о традициях палехской лаковой миниатюры, автор изображает Михаила Илларионовича Кутузова,  который наблюдает за бегством французской армии. Написанная темперой батальная сцена удивляет своей яркостью и обилием деталей. Необычным кажется и масштаб полотна в купе со «шкатулочным» стилем росписи. Однако художники палехской школы оставались верны своим традициям даже в рамках станковой и монументальной живописи.

Григорий Константинович Буреев родился  28 января 1900 года в деревне Свергино Владимирской губернии (ныне Палехского района Ивановской области) в семье потомственных иконописцев. Его старшим братом был известный художник Василий Константинович Буреев.

С 1912 по 1917 годы занимался в палехской иконописной мастерской (в учебных мастерских Комитета попечительства о русской иконописи) у Ивана Михайловича Баканова, русского иконописца, художника-миниатюриста, реставратора, заслуженного деятеля искусств РСФСР. Участвовал в Первой мировой войне. Вернувшись домой, работал на лесозаготовках. В 1928 году одним из первых был принят учеником в Артель древней живописи. Его учителем стал Иван Иванович Голиков, русский художник-миниатюрист, заслуженный деятель искусств РСФСР, инициатор и учредитель Артели древней живописи Палеха. Григорий Константинович много занимался копированием его работ. В 1930 году сам был принят в члены Артели.

Участвовал в оформлении павильона центральных областей ВСХВ. Под руководством Николая Михайловича Парилова участвовал в подготовке декораций к опере «Золотой петушок» в постановке Саратовского театра оперы и балета. Совместно с Алексеем Викторовичем Ковалёвым оформил книгу Павла Петровича Бажова «Каменный цветок». Занимался реставрацией, росписью по фарфору. В 1941 году принят в Союз художников РСФСР.

Умер 8 сентября 1972 года. Похоронен на кладбище в посёлке Палех. В 1974 году посмертно удостоен звания «Заслуженный художник РСФСР».

На выставке «Подвигов былых слава» впервые за долгое время вниманию зрителя представлена работа русского художника Владимира Ивановича Соколова «Старый русский город Кострома».

Родился будущий художник 14 марта 1872 года в селе Никольском Рыбинского уезда Ярославской губернии в крестьянской семье.

Учился в Строгановском училище, затем в 1894 году окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его учителями были Василий Дмитриевич Поленов, Валентин Александрович Серов и оказавшие на него большое влияние Исаак Ильич Левитан и, особенно, художник-пейзажист Василий Васильевич Переплетчиков. Во многом благодаря ему Владимир Иванович и увлекся пейзажем, при этом трепетное отношение к Левитану художник так же сохранил на всю жизнь.

Владимир Иванович принимал участие во многих выставках, начиная с 1893 года – сначала ученических, затем в выставках Товарищества передвижных художественных выставок (членом которого стал в 1916 году), выставках Московского общества любителей художеств, в Галерее Лемерсье и других. В 1899 году участвовал в первой выставке объединения «Мир искусства». Работал Владимир Иванович маслом и акварелью.

К началу 1900-х годов Владимир Иванович был уже признанным художником, участником многих престижных выставок, обладателем премий и призов. Однако прожить, занимаясь только искусством, оказалось невозможным. Художнику пришлось взяться за управление одним запущенным имением в провинции. Эта работа не избавила от нужды.

В 1902 году Владимир Иванович в мастерской Левитана знакомится с известным меценатом Саввой Тимофеевичем Морозовым, попечителем кустарных промыслов Московского губернского земства. Савва Тимофеевич предложил художнику место преподавателя рисования и черчения в Земской учебной мастерской в Сергиевом Посаде. Через три года Владимиру Ивановичу полностью подчинили художественно-столярную мастерскую, где тот и выработал особый, упрощенный и доступный способ росписи, который стали называть «соколовским».

На выставках в Петербурге, Париже, Льеже, Милане, Лейпциге изделия с «соколовской» росписью получали медали и почетные дипломы.

В 1941 году художник тяжело заболел и оказался фактически прикован к постели.

Умер Владимир Иванович Соколов в марте 1946 года в Загорске, где и был похоронен.

31 мая 2021 года исполнилось 129 лет со дня рождения Константина Георгиевича Паустовского. Творчество этого писателя служило источником вдохновения целым поколениям талантливых людей. По его бессмертным произведениям снимали фильмы, в оформлении которых принимали участие выдающиеся художники. Одним из таких художников был Евгений Михайлович Фентисов, создавший эскизы и раскадровку к фильму «Телеграмма»…

Евгений Михайлович – мастер  редкого дарования. Его  художественное понимание цветовой гармонии и человеческая чуткость создали оригинальный синтез колорита и настроения в его работах. Будучи человеком ответственным, Евгений Михайлович придерживался принципа правдивости в искусстве, но под правдой он понимал исключительную честность перед самим собой в выражении эмоций и впечатлений в творчестве.

Родился Евгений Михайлович 27 марта 1929 года в селе Пены Беловского района Курской области. Через 10 лет – в 1939 году – его семья переехала в Хабаровск. В 1945 году будущий мэтр графики окончил семилетнюю школу и устроился в Дом военно-морского флота на должность ученика художника. В 1946 году поступил в Биробиджанское художественно-графическое педагогическое училище, где его учителями были Вениамин Львович Шкраб и Георгий Семёнович Ли Гирсу.

После армии в 1954 году поступил на художественный факультет Всесоюзного государственного института кинематографии, который закончил с отличием. В 1960 году по окончании ВГИКа Евгений Михайлович Фентисов приехал в Хабаровск и поступил на службу на недавно организованный художественно-графический факультет педагогического института. Студенты запомнили Евгения Михайловича, как педагога, учившего чувствовать и понимать окружающий мир, прививавшего вкус к мысли.

К зрителю Евгений Михайлович вышел поздно. Друзья художника объясняют это высоким уровнем его ответственности и требовательностью к самому себе. Поздний выход на суд зрителя сказался и на отношении художника к своим достижениям – до конца жизни Евгений Михайлович считал, что так и не смог реализоваться в полной мере.

Первая персональная выставка художника прошла в 1979 году в Дальневосточном художественном музее. Позже был ещё ряд выставок, в том числе и в Японии.

Не стало Евгения Михайловича в 1993 году.

6 июня исполнилось 222 года со дня рождения незабвенного Александра Сергеевича Пушкина. Его творческое наследие навсегда изменило русскую литературу, проложив дорогу реалистическому направлению. Не просто писатель, но мыслитель Александр Сергеевич Пушкин и по сей день продолжает занимать заметное место в теории литературы. Язык его произведений рассматривается как основа современного русского литературного языка, а сам Александра Сергеевич ещё при жизни удостоился репутация величайшего национального русского поэта. Неудивительно, что многие современники Пушкина стремились продемонстрировать и подчеркнуть свою любовь к поэту.

Один из последних прижизненных портретов Александра Сергеевича Пушкина – портрет работы Томаса Райта – известен сейчас только в гравюре. Томас Райт, английский художник, подолгу живший в России, был в родстве с Джорджем Дау (работа которого, «Портрет генерала К.И. Бистрома», представлена сейчас в галерее ДВХМ). Дау познакомил его с Петербургом и ввёл в круг светских знакомых…

Родился Томас Райт 2 марта 1792 года в Англии. Местом рождения обычно указывается Лондон, но иногда – Бирмингем. Учился у Генри (Анри) Мейера, французского художника и иллюстратора. Был женат на сестре Джорджа Дау, вместе с которым много работал.

Джордж Дау становится модным художник Лондона в 1810-х годах, ему заказывают портреты английских генералов, особо отличившихся в битве при Ватерлоо, последнем крупном сражение французского императора Наполеона I Бонапарта. В 1818 году на Конгрессе глав государств Священного союза в Ахене художник был представлен русскому императору Александру I, который пригласил Дау в Россию, чтобы работать над портретами для Военной галереи Зимнего дворца. Весной 1819 года Джордж Дау прибыл в Санкт-Петербург, где сразу приступил к работе, а в 1822 году позвал к себе в помощники младшего брата Генри Дау и зятя Томаса Райта, который выполнял репродукционные гравюры с портретируемых.

Томас Райт выполнил рисунок Александра Сергеевича Пушкина в последний месяц жизни поэта. С этого рисунка, используя посмертную маску, художник создал знаменитую гравюру, снабжённую факсимиле с подписи Пушкина.

Умер Томас Райт 30 марта 1849 года.

Фёдор Иванович Рерберг – художник поистине многогранный. Брат известного архитектора Ивана Ивановича Рерберга (которому помогал при строительстве Киевского вокзала в Москве) и сын инженера Ивана Фёдоровича Рерберга, унаследовавший от отца восхитительные аналитические способности, изобретательность и смелость мысли. Это помогло ему стать не только выдающимся русским и советским живописцем и графиком, но и теоретиком и историком искусства, специалистом по технике и технологии живописи, педагогом, автором востребованных учебников.

Фёдор Иванович Рерберг родился 21 июня 1865 года в Москве. В 16 лет брал частные уроки рисования. В 1885-1902 годах учился в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге сначала на архитектурном, затем на живописном отделении у Павла Петровича Чистякова, Петра Михайловича Шамшина, Богдана Павловича Виллевальде, Василия Петровича Верещагина, Валерия Ивановича Якоби и других. В 1892 году получил звание неклассного (свободного) художника, при этом имел чин коллежского советника, что соответствовало званию полковника.

с 1892 года жил в Москве. Много путешествовал. Совершил поездки на Кавказ, в Крым, по Волге, в Германию, Австрию, Францию, Италию. Выезжал на этюды в Подмосковье. Работал в различных техниках, особенно много работал в технике акварели.

Участник выставок с 1889 года. Член объединения «Московский салон». С 1889 года экспонент Московского общества любителей художеств, в котором в 1898 году получил членство. С 1891 по 1903 год участвовал в выставках передвижников, однако делал это нерегулярно.

Как художник хорошо себя чувствовал в традициях пленэрной реалистической живописи, но весьма удачно пробовал силы и в импрессионистском и символистском направлениях.

Примерно в 1917-1918 году Фёдор Иванович Рерберг работал в Комиссии по охране памятников искусства и старины при Моссовете, состоял членом Художественного совета Государственного Исторического музея. В 1918 году участвовал в организации 1-го Пролетарского музея, с 1920 года заведовал художественной частью Музея труда. Выполнил панно для ВСХВ в Москве в 1923 году. С 1927 года состоял консультантом завода художественных красок «Красный художник».

Умер в Москве 28 сентября 1938 года.

Rus / Eng
Skip to content